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Solo+木管四重奏『金婚式』
ガブリエル＝マリー
La Cinquantaine(The Golden Wedding)
Jean Gabriel Marie

編成はFl.またはOb.、Cl.2本、Bsn.およびSoloパートです。
同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、
in C版（Fl.、Ob.、Mallet Perc.など）、、
in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,など）、
in C低音Tuba、St.Bs.版、
in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、
in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。
多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め4種類から選ぶことができます。
金管四重奏、サックス四重奏、クラリネット四重奏版は発売中です。

優雅でロマンチックな小品をさまざまな楽器の演奏で味わいたいものです。
参考音源ではHn.がSoloを担当しています。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
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『金婚式 La cinquantaine』は、フランスの作曲家ガブリエル・マリー（Gabriel Marie/1852-1928）によるガヴォット風のピアノ独奏曲。
フランス語のタイトル「cinquantaine（サンカンテーヌ）」は「50」を意味し、50回目の結婚記念日を金製品の贈り物で祝う、文字通り「金婚式」を指しています。
今日では、ヴァイオリンとピアノの室内楽やヴァイオリン独奏、フルート独奏曲、管弦楽曲などに編曲されて演奏される機会が多い作品です。
ガブリエル・マリーは指揮者としても活躍しており、サン＝サーンスらの主導で設立された国民音楽協会（Société nationale de musique）の演奏会で7年間指揮を務めました。
なお、ガブリエル・マリーが作曲した作品はいくつか確認されていますが、この『金婚式 La cinquantaine』以外の曲は現代ではほとんど知られていません。
現在、作曲者の作品の中では唯一知られている曲で、もとは『チェロとピアノのための2つの小品（Deux Pieces pour Cello et Piano）』の2曲目ですが、チェロの代わりにヴァイオリンで演奏されることも多く、その旋律の単純な美しさからオーケストラやピアノ独奏用にも編曲され、広く演奏されています。
金婚式（結婚記念日）のお祝いという目的や、ヴァイオリンで演奏される場合はG線を使わないので澄んだ音色となり、演奏技術上も多くを求められないため、原曲をも超えてヴァイオリン愛好家に広く親しまれ、人気の高い作品です。
日本における演奏（録音）のもっとも早い例として、1934年に当時14歳の諏訪根自子がSPレコードで録音を残しています（コロムビアレコード）。

1. 楽曲の概要
項目詳細
原題La Cinquantaine (ラ・サンカンテーヌ)
副題Air dans le Style ancien（古い様式によるエール）
作曲年1887年頃
ジャンル軽快な性格的小品、ピアノ独奏曲（原曲）
調性ト短調（G Minor）のことが多い
フランス語の原題「La Cinquantaine」は「50年」という意味で、文字通り「金婚式（結婚50周年）」を指します。

2. 楽曲のスタイルと特徴
◇ 古典舞曲風の軽快さ
この曲には「古い様式によるエール（Air dans le Style ancien）」という副題が付けられており、ガヴォットやメヌエットといった古典的な舞曲を思わせる、優雅で軽快なリズムと曲調を持っています。ロマン派の時代に、意図的に古典的な形式や雰囲気を取り戻そうとした作品の一つです。

◇ 楽器編成と普及
原曲: 当初はピアノ独奏曲として作曲されました。
普及: しかし、今日最もよく知られ、演奏されているのは、ヴァイオリン独奏とピアノ伴奏のための編曲版です。その他にも、チェロ、フルート、管弦楽など、様々な楽器用に編曲されて広く親しまれています。
音楽の性格: 単純明快で耳に残る美しいメロディと、リズミカルな伴奏が特徴です。哀愁を帯びたト短調の主部と、明るい変ロ長調の中間部（トリオ）の対比が魅力となっています。

3. 作曲家 ガブリエル＝マリーについて
ガブリエル＝マリーは、主に指揮者としてフランスで活躍した人物です。
主な活動: パリ音楽院で学び、コンセール・ラムルーの合唱指揮者や、国民音楽協会（サン＝サーンスらが設立）の演奏会指揮者を務めました。
代表作: 彼の残した数少ない作品の中で、現代でも演奏されるのはこの『金婚式』と『陽気なセレナード (Sérénade Badine)』くらいであり、特に『金婚式』が彼の代名詞となっています。『金婚式』は、技術的には比較的取り組みやすいため、発表会やアンコールピースとしても人気が高く、優雅でロマンチックな小品として世界中で愛され続けています。

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金管五重奏 12のヴォランタリーから第11曲
サミュエル・ウェズリー
12 Voluntaries, Op. 6
Wesley, Samuel

編成はTp.2本、Hn.、Eup.またはTbn.、Tubaです。
木管五重奏、サックス五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。
イギリスの格式と感性を味わえる音楽を、ぜひお楽しみください。

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サミュエル・ウェズリー作曲の「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン演奏における重要な作品集の一つです。
1820年に作曲され、1822年に出版されました。全12曲からなり、自由な形式の前奏曲、ファンタジー、フーガなどの形式で作られています。

作品の特徴
ウェズリーの豊かな音楽性と高度な作曲技法が存分に発揮されており、オルガン音楽の様々な可能性を探求した作品集と言えます。
対位法、和声、リズム、音色など、様々な要素を用いて、表現豊かな音楽を作り上げています。
難易度が高く、演奏には高度な技巧と音楽性が要求されますが、同時に大きな音楽的喜びを与えてくれる作品です。

各曲の特徴
12 Voluntaries, Op. 6の各曲は、それぞれ異なる形式で作られており、様々な表情を見せてくれます。

第1曲: 堂々としたフーガ
第2曲: 優美なカノン
第3曲: 力強いト短調の前奏曲
第4曲: 華麗なロンド
第5曲: 哀愁漂うアダージョ
第6曲: 軽快なスケルツォ
第7曲: 荘厳なパッサカリア
第8曲: 明るい変ロ長調の前奏曲
第9曲: 瞑想的なト短調の前奏曲
第10曲: 華麗なフーガ
第11曲: 優美なカプリッチョ
第12曲: 力強いフィナーレ

演奏
「12 Voluntaries, Op. 6」は、多くのオルガニストによって演奏されています。
有名な演奏家には、ピーター・ハーヴェイ、フランク・ヴィーガント、ロビン・ラッセンなどがあります。

録音
「12 Voluntaries, Op. 6」の録音は多数存在します。
近年では、オルガンの新しい録音技術を用いた高音質な録音もリリースされています。

評価
「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン音楽史における重要な作品として高く評価されています。
その豊かな音楽性、高度な作曲技法、そしてオルガンという楽器の可能性を最大限に引き出した表現力は、
多くのオルガニストや音楽愛好家を魅了し続けています。

日本での演奏
日本でも、多くのオルガニストによって「12 Voluntaries, Op. 6」が演奏されています。
近年では、オルガン演奏コンクールの課題曲としても取り上げられることがあります。

サミュエル・ウェズリー（1766年2月17日 - 1837年4月11日）は、19世紀イギリスのオルガニスト・作曲家です。

ウェズリーはロンドンで生まれ、父親のチャールズ・ウェズリーから音楽教育を受けました。
1789年から1837年まで、ロンドン各地の教会でオルガニストを務めました。

ウェズリーは、オルガン演奏家としてだけでなく、作曲家としても活躍しました。
オルガンのための作品を中心に、アンセム、合唱曲、室内楽など、様々な作品を残しています。

ウェズリーの作品は、豊かな旋律と高度な対位法技法によって特徴付けられます。
また、オルガンの音色を効果的に使った作品も多く、オルガン音楽の発展に大きく貢献しました。

代表作

12 Voluntaries, Op. 6
6 Fugues, Op. 7
Rejoice in the Lord, Op. 39
Watch with Me, Op. 47

同時代の作曲家との比較
1. ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン (Ludwig van Beethoven)
時代背景: 古典派からロマン派への架け橋として位置づけられる。
スタイル: 力強い感情表現や革新的な形式が特徴。特に交響曲やピアノソナタでの革新が際立つ。
ウェスリーとの違い: ベートーヴェンはオーケストラ音楽や器楽曲での影響力が大きいのに対し、
ウェスリーは主にオルガン音楽や宗教音楽に焦点を当てている。

2. フランツ・シューベルト (Franz Schubert)
時代背景: ロマン派の初期に活動し、歌曲や室内楽で知られる。
スタイル: メロディの美しさと感情の深さが特徴。特に歌曲（リート）での表現力が高い。
ウェスリーとの違い: シューベルトは声楽作品に特化しており、オルガン音楽のような器楽的な作品は少ない。
ウェスリーは宗教的なテーマを持つオルガン音楽に特化している。

3. ロベルト・シューマン (Robert Schumann)
時代背景: ロマン派の作曲家で、特にピアノ音楽と歌曲に貢献。
スタイル: 感情的で個人的な表現が強く、音楽の中に詩的な要素を取り入れる。
ウェスリーとの違い: シューマンはピアノ曲や歌曲が中心で、オルガン音楽に特化した作品は少ない。
ウェスリーは教会音楽の伝統を重視している。

4. フェリックス・メンデルスゾーン (Felix Mendelssohn)
時代背景: ロマン派の作曲家で、オーケストラ音楽や宗教音楽でも知られる。
スタイル: 古典的な形式を重視しつつ、ロマン派的な感情を表現。
ウェスリーとの共通点: メンデルスゾーンも宗教音楽に力を入れており、オルガン作品も残しています。
ウェスリーと同じく、宗教的なテーマを持つ作品がある点で共通しています。

このように、サミュエル・ウェスリーは、19世紀初頭の音楽界において独自の位置を占めており、
特にオルガン音楽や宗教音楽に特化しています。
他の作曲家たちは、より広範なジャンルで活動しており、器楽曲や声楽曲において革新をもたらしました。
ウェスリーの作品は、宗教的なテーマやオルガン音楽の伝統を重視している点で、特異な存在と言えます。

ウェズリーは、イギリスのオルガン音楽史において重要な人物として評価されています。
その作品は、現代でも多くのオルガニストによって演奏されています。

日本では、ウェズリーの音楽はあまり知られていませんが、近年その評価が高まりつつあります。
近年では、オルガニストによる演奏会や、CDのリリースなどが行われています。
サミュエル・ウェズリーは、モーツァルトと同時代に活躍し、「イングランドのモーツァルト」と称賛されることもあります。

生い立ちと音楽教育
ウェズリーは、ブリストルで、著名なメソジスト牧師であり賛美歌作曲家であるチャールズ・ウェズリーの息子として生まれました。
祖父は詩人のサミュエル・ウェズリー、伯父はメソジスト教会の創設者であるジョン・ウェズリーです。

幼い頃から音楽的才能を発揮し、6歳でオルガン演奏を始めました。
10代前半にはロンドンに移住し、作曲家兼オルガニストのトマス・アーネスト・アトウッドに師事しました。

音楽活動
ウェズリーは、ロンドン、ブリストル、グラスゴーなどの主要都市でオルガニストとして活躍しました。
また、数多くの合唱曲、オルガン曲、ピアノ曲、室内楽などを作曲しました。

彼の作品は、古典的な形式とロマン派的な感性を融合させた独自のスタイルで知られています。
特に、オルガン曲には高い評価を得ており、今日でも演奏され続けています。

ウェズリーとモーツァルト
ウェズリーは、モーツァルトの音楽を深く愛しており、その影響を強く受けています。
彼の作品には、モーツァルトの音楽に通じるメロディーの美しさや形式的な完成度が見られます。
また、ウェズリーはモーツァルトのピアノソナタの編曲なども行っています。

晩年
ウェズリーは晩年、精神的な病気を患い、音楽活動から遠ざかりました。
1837年、ロンドンで61歳で亡くなりました。

ウェズリーの音楽的遺産
ウェズリーは、イギリス音楽史における重要な人物であり、その作品は今日でも高く評価されています。
特に、オルガン音楽は、イギリスのオルガン演奏の伝統に大きな影響を与えました。

ヴォランタリー（Voluntary）は、オルガン演奏における自由な形式の作品です。
特定の礼拝の儀式に関連付けられることなく、演奏者の任意で演奏されるのが一般的です。

ヴォランタリーの起源は16世紀イングランドに遡ります。当初は、礼拝の開始前や終了後に演奏される短い即興演奏でした。
その後、徐々に形式化され、作曲されたヴォランタリーも登場するようになりました。

ヴォランタリーには、特定の形式はありません。
前奏曲、フーガ、ファンタジー、コラール前奏曲など、様々な形式の作品がヴォランタリーとして演奏されます。

ヴォランタリーは、オルガニストの技量を披露する場としてだけでなく、礼拝堂の雰囲気を盛り上げたり、
聴衆の祈りを深めたりする役割も担っています。

代表的な作曲家

ヴォランタリーを代表する作曲家には、以下のような人物がいます。
ディートリヒ・ブクステフーデ：ドイツのバロック時代の作曲家。華やかで技巧的なヴォランタリーで知られています。
ヨハン・セバスチャン・バッハ：ドイツのバロック時代の作曲家。深みのある音楽性と高度な作曲技法を駆使したヴォランタリーを残しています。
ウィリアム・ボイス：イギリスのバロック時代の作曲家。優美で洗練されたヴォランタリーで知られています。
フェリックス・メンデルスゾーン：ドイツのロマン派時代の作曲家。ドラマティックで表現豊かなヴォランタリーを残しています。
シャルル＝ヴィドール：フランスのロマン派時代の作曲家。瞑想的で詩情豊かなヴォランタリーで知られています。

現代におけるヴォランタリー
現代でも、多くの作曲家がヴォランタリーを作曲しています。
また、オルガニストによる即興演奏も盛んに行われています。

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クラリネット四重奏 オーヴァーチュア・スイート第4番から第2.3楽章
ヨハン・ベルンハルト・バッハ
Ouverture-Suite No. 4, 2 Caprice & 3 Marche
Johann Bernhard Bach

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
サックス四重奏、木管四重奏、金管四重奏版は発売中です。

バッハ一族の多様さと魅力をぜひ味わってください。

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Ouverture-Suite in D Dur
Johann Bernhard Bach作曲

概要
作曲者: ヨハン・ベルンハルト・バッハ（Johann Bernhard Bach, 1676年 - 1749年）は、
ヨハン・セバスティアン・バッハのいとこにあたる作曲家で、主に宗教音楽や器楽曲を手掛けました。
作品名: Ouverture-Suite in D Durは、彼の代表的な作品の一つで、オーヴァーチュア（序曲）とスイート（組曲）の形式を持っています。
楽譜番号: D-B Mus. ms. Bach St 318は、ドイツ・バッハ音楽アーカイブにおけるこの作品の楽譜番号です。

音楽的特徴
形式:
オーヴァーチュア: 作品の冒頭部分では、典型的なオーヴァーチュアのスタイルが見られ、華やかで壮大な雰囲気を持っています。
スイート: 続く部分では、ダンス形式の楽章が含まれており、バロック時代の特徴である各種の舞曲（サラバンド、ジーグなど）が展開されます。

楽器編成:
通常、弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器が含まれ、豊かなオーケストラサウンドを生み出します。
ソロ楽器と合奏が交互に現れることがあり、バッハの音楽的な対位法が感じられます。
メロディとハーモニー:

メロディは流れるように美しく、感情豊かです。また、ハーモニーは複雑で、バロック音楽特有の対位法的な技法が用いられています。

意義と影響
バロック音楽の一例: この作品は、バロック時代の音楽スタイルを代表するものであり、当時の舞曲の特徴を良く表しています。
後の作曲家への影響: ヨハン・ベルンハルト・バッハの作品は、後の世代の作曲家に影響を与え、彼のスタイルはバロック音楽の発展に寄与しました。
結論
Johann Bernhard Bachの「Ouverture-Suite in D Dur」は、バロック音楽の魅力を存分に味わえる作品であり、
オーヴァーチュアとスイートの形式を通じて、豊かなメロディとハーモニーを堪能できる貴重な音楽です。
バッハ家の音楽的伝統を受け継ぎつつ、独自のスタイルを持つこの作品は、聴衆に深い感動を与えることでしょう。

1.Ouverture
この楽章は、作品全体の導入部分として機能し、オーケストラの豊かな音色とリズム的なエネルギーを示します。
バロック時代の典型的なオーヴァーチュアの形式に従っています。
序奏: Ouvertureは通常、序奏から始まり、力強い和音やリズムが特徴です。この部分では、作品のテーマや雰囲気を提示します。
フーガ: 序奏の後に続く部分では、対位法的な要素が強調され、複数のメロディラインが絡み合います。バッハの影響を受けたスタイルが感じられます。
この楽章は、作品全体の雰囲気を設定する重要な役割を果たしています。そして聴衆に深い感動と期待感を与え、続く楽章への興味を引き立てます。

2. Caprice
特徴: 自由な形式と即興的な要素を持つ楽章で、しばしば感情的な表現が強調されます。メロディは流動的で、技巧的な演奏が求められます。
役割: カプリースは、作品全体の中で独特な色合いを加え、聴衆の注意を引く役割を果たします。

3. Marche
特徴: 行進曲のスタイルで、力強いリズムと明確なビートが特徴です。通常、軍楽隊のような荘厳さがあります。
役割: 祝賀や特別な場面を演出するために使用され、全体の雰囲気を高めます。

4. Passepied
特徴: フランスの舞曲で、軽快でリズミカルな性格を持ちます。通常は3拍子で、優雅さと活気を兼ね備えています。
役割: この楽章は、作品の中で軽やかな変化をもたらし、聴衆に楽しさを提供します。

5. Caprice
特徴: 再度登場するカプリースで、前のカプリースとは異なるメロディやリズムを持つことがあります。技巧的な演奏が強調されます。
役割: 作品におけるテーマの再現や発展を示し、全体の統一感を保ちます。

6. Air
特徴: 静かで美しいメロディが特徴の楽章で、感情的な深みを持ちます。通常はゆったりとしたテンポで演奏されます。
役割: 聴衆に感動を与え、作品の中での静寂や内面的な探求を表現します。

7. La joye
特徴: 「喜び」を意味するタイトルを持ち、明るく陽気なメロディが特徴です。軽快なリズムで、楽しい雰囲気を醸し出します。
役割: 作品全体に明るさを加え、聴衆を楽しませる役割を果たします。

8. Caprice 3
特徴: 3番目のカプリースで、これまでのカプリースとは異なるテーマやリズムを持つことがあります。技巧的な要素が強調されます。
役割: 作品のクライマックスに向けての構成を持ち、聴衆の興味を引き続ける役割を果たします。
結論

これらの楽章は、Johann Bernhard Bachの「Ouverture-Suite in D Dur」において、バラエティに富んだ音楽的表現を提供し
、聴衆に多様な感情や雰囲気を体験させる重要な要素です。各楽章は、全体の構成の中で特有の役割を持ち、作品全体の魅力を高めています。

●Johann Bernhard Bachについて
基本情報

生年月日: 1676年3月16日
没年月日: 1749年5月17日
職業: 作曲家、オルガニスト

経歴
Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員であり、ヨハン・セバスティアン・バッハの遠い親戚です。
主にドイツの音楽界で活動し、特にオルガン音楽において重要な役割を果たしました。
音楽スタイル

バロック音楽のスタイルを基盤にしており、特にオルガン曲や宗教音楽に力を入れていました。
彼の作品は、メロディーの美しさと複雑な対位法が特徴です。

主な作品
オルガンのためのソナタやコラール前奏曲が多く、彼の作品は宗教的な儀式や礼拝で演奏されることが多かったです。

影響
Johann Bernhard Bachは、後の作曲家たちに影響を与え、特にオルガン音楽の発展に寄与しました。
彼の作品は、バッハ家の音楽的伝統を受け継ぐ重要な一翼を担っています。

まとめ
Johann Bernhard Bachは、バロック時代の重要な作曲家であり、彼の音楽は今日でも演奏され、評価されています。
彼の作品は、オルガン音楽の発展に寄与し、バッハ家の音楽的伝統を支えました。

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サックス五重奏 悲劇的音楽劇『メデ』より序曲
シャルパンティエ
Prologue: Ouverture from Médée, H.491
Marc-Antoine Charpentier

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏、木管五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

フランス・バロック期の劇中音楽を演奏で味わいたいものです。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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マルカントワーヌ・シャルパンティエ（Marc-Antoine Charpentier, 1643–1704）の《Médée, H.491（メデ）》は、彼の最高傑作の一つとされる悲劇的音楽劇（tragédie en musique）です。

概要
作曲者：マルカントワーヌ・シャルパンティエ（Marc-Antoine Charpentier）
台本：トマ・コルネイユ（Thomas Corneille）
初演：1693年12月4日、パリのオペラ座（Académie Royale de Musique）
形式：プロローグと5幕からなるフランス悲劇的音楽劇（Tragédie lyrique）
原作題材：ギリシャ神話の「メーデイア（Medea）」伝説。裏切りと復讐を描いた物語。

あらすじ（概要）
プロローグ
神々が平和と栄光を称える場面。ルイ14世への賛美を含む典型的な「王の賛歌」形式で、政治的寓意を持つ。
第1幕
メデがイアソンと共にコリントに逃れ、王クレオンに保護されている。しかし、クレオンは娘クレウサをイアソンの妻にと望む。メデは裏切りの兆しに不安を抱く。
第2幕
イアソンは野心と愛の狭間で苦しむが、最終的にメデを裏切り、クレウサとの結婚を受け入れる。
第3幕
メデは絶望し、復讐を誓う。魔法を呼び覚まし、恐ろしい力を行使し始める。
第4幕
メデの怒りが爆発。魔法で豪華な衣装を呪い、その衣装を着たクレウサは炎に包まれて死ぬ。
第5幕
メデはイアソンとの間の子どもを殺して完全な復讐を果たし、竜に引かれた戦車で空へと飛び去る。イアソンは絶望に沈む。

音楽的特徴
フランス・バロック様式の完成形：
リュリの伝統を継承しつつ、より劇的で感情豊かな旋律と和声表現を発展させている。
メデの心理描写：
特に第3幕以降のメデのアリアやレシタティフは、バロック期としては驚くほど心理的で、近代的な心理劇のよう。
オーケストレーション：
弦楽五部構成（Dessus, Haute-contre, Taille, Quinte, Basse de violon）＋通奏低音。
音色の変化と緊張のコントラストで劇的効果を高めている。
舞曲と合唱：
フランス伝統の舞踏音楽（サラバンド、メヌエット、ジグなど）が巧みに組み込まれ、悲劇に華やかさを添える。

プロローグについて
この楽譜は《Médée – Prologue: Ouverture（序曲）》の部分です。
この序曲は次のような特徴を持ちます：
典型的なフランス風序曲形式
前半：荘厳で重厚なドットリズム（付点リズム）による行進的部分。
後半：より軽快なフーガ風の動き。
象徴性：序曲は王（ルイ14世）の栄光と秩序を象徴し、プロローグの神々の賛歌へ導く。
舞台指示：
“Le théâtre représente un lieu rustique, embelli par la Nature de rochers et de cascades.”
（舞台は自然の岩や滝に飾られた田園の場所を表している）
→ 美しい自然の中で神々が登場し、メインドラマ（人間の情念）とは対照的な平和の序章を示す。

作品の意義
《Médée》は当時はリュリの影に隠れ興行的成功を収められませんでしたが、
今日では「フランス・バロック・オペラの最高傑作の一つ」として高く評価されています。
特に、メデの人物像を音楽で深く描き出した点は、後のオペラ作曲家（ラモー、グルック、さらにはベルリオーズ）にまで影響を与えました。

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木管五重奏 グラジオラス・ラグ
スコット・ジョプリン
Gladiolus Rag
Scott Joplin, 1868–1917

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
サックス五重奏、金管五重奏、クラリネット五重奏、鍵盤打楽器とコントラバス四重奏版は発売中です。
20世紀初頭のジャズ導いたラグタイム作品を、ぜひお楽しみください。

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参考音源
https://youtu.be/4F3RZ_c5ZxE

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概要
タイトル（英）：Gladiolus Rag
作曲者：Scott Joplin（スコット・ジョプリン）
作曲年：1907年頃
出版年：1907年（John Stark & Son, St. Louis）
ジャンル：ラグタイム（ピアノ曲）
調性：Cメジャー
形式：典型的なラグタイム形式（AABBACCDD）

タイトルの意味
「Gladiolus（グラジオラス）」はユリ科の花の名で、
ラテン語で「小さな剣」という意味を持つ言葉に由来します。
日本語では「グラジオラス」や「トウショウブ」と呼ばれる花で、
“高貴”“誠実”を象徴する花でもあります。

ジョプリンはこの花の優雅で上品なイメージを音楽に重ね、
ラグタイムでありながらも洗練された響きに仕上げています。

音楽的特徴
《Gladiolus Rag》は、ジョプリン後期の円熟した作風を示す傑作で、
以下のような特徴があります。

構成の完成度が非常に高い
　伝統的なラグタイム形式（AABBACCDD）で構成され、
　各セクションの調性変化・モチーフ展開が巧みです。

メロディが滑らかで、和声が繊細
　単なるリズムの快楽ではなく、旋律線が美しく「歌う」よう。
　同時期の《Pine Apple Rag》や《Fig Leaf Rag》と並ぶ叙情的作品です。

リズムの扱いが成熟
　初期の《Maple Leaf Rag》よりも穏やかで、
　テンポも落ち着いており「クラシカル・ラグ」と呼ばれる傾向が強い。

ピアニスティックな書法
　左手の伴奏は軽やかで、右手の旋律とのバランスが美しい。
　演奏には一定の技巧と表現力が求められます。

位置づけと評価
《Gladiolus Rag》は、ジョプリンの「成熟期ラグタイム」の代表作。
単なるダンス音楽ではなく、芸術的完成度の高い作品として評価されています。
同時期の《The Chrysanthemum（クリサンセマム）》や《Euphonic Sounds》などと並び、
　ジョプリンが“ラグタイムを芸術の域へ高めた”作曲家であることを証明する曲です。
　紫色のグラジオラスは“情熱的な恋”、ピンク色のグラジオラスは“ひたむきな愛”。何のことかわかりますでしょうか？　
答えは、グラジオラスの花言葉です。この曲は、Dセクションの最後で転調をするところが妙に印象に残ります。全体として統一感があり、本当に素晴らしいラグだと思います。
　調の選択といい、展開の仕方といい、名曲「Maple Leaf Rag」と共通点の多い曲です。
映画“スティング”では、「Ragtime Dance」とミックスしたアレンジのDセクションが使われていました。

豆知識
出版社は、ジョプリンと長く協力した ジョン・スターク社（John Stark & Son）。
スタークはこの作品を「The King of Ragtime Writers（ラグタイム王）」ジョプリンの代表作として積極的に売り出しました。
当時の楽譜表紙には、上品な花のイラストが描かれており、
　“ラグタイム＝洗練されたアート”というイメージ戦略が見て取れます。

聴きどころ
Aテーマ（冒頭）：明るく流麗な主題。
Bテーマ：軽快なリズムと和声の工夫が際立つ。
Cテーマ（トリオ）：転調により穏やかなムードへ。
Dテーマ：再び明朗なクライマックスを形成。
全体としては「静かな幸福感」に満ちた作品です。

まとめ
項目    内容
作曲者    スコット・ジョプリン
年代    1907年頃
ジャンル    ラグタイム
特徴    優雅で叙情的、完成された構成美
聴きどころ    メロディと和声の上品な調和
位置づけ    ジョプリン円熟期の名作、「クラシカル・ラグ」の代表格

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金管四重奏 バターリャ第2番
ホセ・ヒメネス
Batalla 2(Segunda)
José Jiménez

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
サックス四重奏、木管四重奏、クラリネット四重奏版は発売中です。

17世紀スペイン黄金期、世俗的劇的効果の融合の魅力をぜひ味わってください。

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参考音源
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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
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スペイン黄金期のオルガン音楽家 José Jiménez (1601–1672) 
その代表的作品である 《Batalla 1 de sexto tono》、《Batalla 2 de sexto tono》 

José Jiménez (1601–1672)
スペイン・セビーリャ出身のオルガニスト、作曲家。
セビーリャ大聖堂のオルガニストであった Francisco Correa de Arauxo に師事。
1640年以降は トレド大聖堂のオルガニストを務め、当時スペインで最も権威あるオルガン奏者の一人に数えられた。
作風は、スペイン・オルガン楽派の典型として、厳格な対位法と劇的な即興的パッセージを融合させている。

Batalla（バターリャ）というジャンル
「Batalla」＝スペイン語で「戦い（Battle）」を意味する。
16世紀後半から17世紀にかけてスペイン・ポルトガルのオルガン音楽で盛んに作曲された様式。

特徴：
金管ファンファーレ風の和音連打
リズミカルで戦闘的な模倣動機
左右手の掛け合いによる対抗効果
礼拝中に戦争や勝利を象徴的に表現するために用いられることもあった。

《Batalla 1 de sexto tono(Primera)》
調性：「第6旋法」（モード的解釈で ヒポリディア、現代的には F 旋法または近似的にニ短調／ヘ長調系に聞こえる）。
特徴：
開始部でオクターブの強奏を模倣的に繰り返し、戦いの開始を描写。
中間部では分散和音的モチーフが繰り返され、攻防の応酬を思わせる。
最後は荘厳な和音で締めくくられる。

教育的要素：対位法的模倣と和音の強調を両立させる練習曲的性格を持つ。

《Batalla 2 de sexto tono(Segunda)》
第1番に比べてより発展的で、複雑なリズム処理と多声部的展開が目立つ。

特徴：
戦闘的リズムが次第に音域を広げ、オルガン全体を響かせる。
ティエント（自由対位法的オルガン曲）の技法とバターリャの戦闘的効果を融合。
和声的な緊張と解放を繰り返しながら、勝利の高揚感を強調する。
芸術的完成度：第1番が比較的単純で「典型的バターリャ」であるのに対し、第2番はより壮大で発展的な構築を持つ。

まとめ
José Jiménez はスペイン黄金期オルガン楽派の中核的存在であり、その Batalla 作品は当時の「戦いを描く音楽」の代表。
《Batalla 1 de sexto tono》：典型的な戦闘音楽、明快で教育的。
《Batalla 2 de sexto tono》：発展的・壮麗で、劇的効果が強い。
両曲は、礼拝と世俗的劇的効果の融合を示す17世紀スペイン・オルガン音楽の典型であります。

José Jiménez（ホセ・ヒメネス, 1601–1672） は、17世紀スペインの作曲家・オルガニストで、スペイン黄金時代（Siglo de Oro） に活躍した宗教音楽と鍵盤音楽の作曲家として知られています。彼はイベリア半島のポリフォニー伝統を継承しつつ、バロック初期の和声的・装飾的なスタイルへと移行する過程に大きな役割を果たした人物です。

生涯
生没年：1601年ごろ – 1672年ごろ
出身地：スペイン南部と考えられています（正確な出生地は不明）。
職業：オルガニスト、作曲家
活動拠点：主にセビーリャ大聖堂（Catedral de Sevilla） に所属していたとされます。
セビーリャ大聖堂は当時、スペイン最大級の宗教音楽の中心地であり、ヒメネスはそこのオルガニストとして活躍しました。

音楽スタイルの特徴
José Jiménez は、スペインのオルガン音楽の中でも特に対位法的な精密さと強いリズム感、華やかな装飾音が特徴的です。
彼の作品は、後のJuan Cabanilles（フアン・カバニリェス）に繋がるスペイン・オルガン楽派の伝統の中で重要な位置を占めています。

主な特徴
厳格な対位法：ルネサンス的なポリフォニーの技法を保持している。
リズミカルな活力：「Batalla（バターリャ＝戦い）」などの作品で見られる軍楽的・祝祭的なリズム。
装飾的旋律線：鍵盤音楽に特有の即興的装飾（グロッサ）を多用。
和声の明確化：バロック的な調性感の萌芽を示す。

代表作
《Batalla 1 de sexto tono》および《Batalla 2 de sexto tono》
ジャンル：オルガンのための戦闘的作品（Batalla＝戦い）
「Batalla」は当時のスペインで人気の形式で、トランペットのファンファーレや軍隊行進を模倣しています。
ヒメネスの《Batalla》は、明確なリズム、力強い和声、装飾的な即興風のパッセージが特徴で、聴く者を惹きつける英雄的・祝祭的な響きを持ちます。
曲名にある「de sexto tono」は、「第6教会旋法（mode 6）」を意味し、調性概念が未確立だった時代の旋法的音楽構造を示しています。

スペイン・オルガン楽派との関係
José Jiménez は、フランシスコ・コレア・デ・アラウホ（Francisco Correa de Arauxo, 1584–1654）の後継世代にあたります。
彼はその伝統を受け継ぎ、後のJuan Cabanillesへと続くスペイン・オルガン音楽の系譜を形成しました。
この系譜は次のように整理できます：
Correa de Arauxo → José Jiménez → Juan Cabanilles
この流れの中で、ヒメネスはルネサンス的厳格さと初期バロック的自由さの橋渡しをした人物です。

まとめ
名前    José Jiménez（ホセ・ヒメネス）
生没年    1601–1672
出身／活動地    スペイン（主にセビーリャ）
職業    作曲家・オルガニスト
代表作    《Batalla 1 de sexto tono》《Batalla 2 de sexto tono》など
音楽様式    スペイン・バロック初期、対位法的・旋法的・装飾的
影響    Juan Cabanilles など後のスペイン鍵盤音楽家に影響

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クラリネット四重奏 四声のフーガHess 238-2
L・V・ベートーヴェン
Fuga Hess 238-2
L.v.Beethoven

編成はCl.3本、Bs,Cl.です。
サックス四重奏、木管四重奏、金管四重奏版は発売中です。

ベートーヴェンの情熱溢れたフーガ作品をお楽しみください。

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「Hess 238-2」は、ベートーヴェンによるフーガの草稿断片の一つで、Hess 238-1と同様に、彼が後期に試みた対位法的実験・練習の一部と考えられています。以下に詳しく解説いたします。

■ 基本情報
項目と内容
タイトル    Fuga in F major (Fragment), Hess 238-2
作曲者    ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（Ludwig van Beethoven）
調性    ヘ長調（F major）
形式    フーガ（断片）
分類番号    Hess 238-2（Hessカタログ番号）
作曲時期    正確な時期は不明だが、後期作品とされる

■ 背景と位置づけ
Hess 238 全体について
「Hess 238」は、複数の未完成フーガ断片を含む集合作品番号です。

通常、「238-1」「238-2」などと細分されて研究されています。

これらはすべて、ベートーヴェンが後期にフーガや対位法を集中的に探究していた時期の草稿であると考えられています。

ベートーヴェンとフーガ
ベートーヴェンは晩年、「フーガ」形式への強い関心を示しました。

例として、《ハンマークラヴィーア・ソナタ》第4楽章（Op.106）や《大フーガ》（Op.133）、弦楽四重奏曲Op.131などがあり、いずれも高度な対位法技術が駆使されています。

これらの「Hess 238」断片も、そうした作品群に至る技術的・創造的探究の一環と見なされています。

■ Hess 238-2 の内容的特徴
フーガ主題が明確に提示されているが、展開が未完成

対位法的な導入と一部の模倣技法が記されている

楽器編成は指定されていないが、鍵盤楽器（おそらくピアノ）向けの草稿と推定される

完成度の低さゆえに、演奏されることは少ないが、補筆版が存在する場合もある

■ 音楽的意義
後期ベートーヴェンの思考過程を垣間見ることができる資料

和声進行の冒険性、主題の構造的明瞭さなど、未完成ながらベートーヴェンらしい片鱗がうかがえる

完成作品（例：Op.133）との技術的・思想的連関を読み取る手がかりになる

■ まとめ
ポイントと解説
未完成だが貴重な資料    フーガの断片でありながら、後期ベートーヴェンの音楽観を伝える重要な草稿。
演奏より研究向け    実演機会は稀だが、音楽学的には非常に価値がある。
技術的試みの記録    複雑な対位法を駆使した完成作品へとつながる布石とされる。

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サックス六重奏 サーシス・オン・ヒズ・フェア・フィリスズ・ブレスト・リポウジング
トーマス・ベイトソン
Thirsis, on his fair Phillis' breast reposing
Thomas Bateson

編成はソプラノ2本、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管六重奏、木管六重奏、クラリネット六重奏版は発売中です。

キリスト教の宗教音楽に属さない美しい世俗音楽をぜひ味わってください。

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https://youtu.be/d--e3wPZiOk

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Thomas Bateson（c.1570–1630）は、イギリス後期ルネサンス期の作曲家で、特にマドリガルの作曲家として有名です。

マドリガルは当時、イギリスでも非常に流行していた多声音楽（声楽アンサンブル用の無伴奏作品）で、恋愛や牧歌的な詩をテーマにしたものが多く作られました。

Thirsis, on his fair Phillis' breast reposing"
「サーシスは、美しいフィリスの胸に寄りかかって安らいでいる」
Thirsis（サーシス） は牧歌詩によく出てくる羊飼いの男性キャラクター（理想化された恋人像）。
Phillis（フィリス） は理想化された女性キャラクターで、愛や純粋さ、美の象徴。
reposing は「横たわる」「安らぐ」という意味で、恋人同士の親密で甘い瞬間を描写しています。

詩の内容（イメージ）
このマドリガルでは、サーシスという羊飼いが恋人フィリスの胸に身を預けて、夢の中で幸せな情景を味わっている様子が歌われています。
当時のマドリガルではこうした牧歌的、理想的な恋愛描写が人気で、「自然と愛の調和」を象徴する情景としてよく用いられました。

詩的ニュアンスと感情
この作品は単なる恋愛歌というより「理想の愛の静かな幸福」を表す小さな詩的ドラマです。
聴いている人は、サーシスの安らぎとフィリスの優しさ、そして夢のような幸福感に共感できます。

声部編成とテクスチャ
6声部（a6）
英国マドリガルでは比較的多めの声部数。
豊かなハーモニーと、より立体的な音響空間を生むために6声が選ばれている。
テクスチャは、緻密に重なり合うポリフォニーと、ところどころで見られるホモフォニー（同じリズムで進む部分）の対比が特徴。

模倣（イミテーション）の技法
冒頭は 模倣的に各声部が順にモチーフを提示 する構造が多い。
「Thirsis」と「Phillis」といった言葉が呼応するようにメロディが引き継がれることで、恋人同士の親密さを音楽的に表現している。

ハーモニー
調性はG系またはD系（多くのマドリガルがこの音域にある）。
全体的に明るい長調的和声感を持ち、牧歌的で穏やかな響きを作り出している。
「reposing」（安らぐ）の箇所ではしばしば和声が柔らかく沈むように動き、心地よい解決感を表現。

リズム
基本的に柔らかく流れる拍感（拍子は4/4や2/2系に近い感覚）。
感情を強調したい単語の部分でリズムを伸ばしたり、装飾的な動きを加えている。

テキスト表現（ワードペインティング）
「breast reposing（胸に安らぐ）」の部分で、メロディが下降し、ハーモニーが溶け合うように進む＝安らぎと落ち着きを聴覚的に描写。
「fair Phillis」の部分では、より明るい響きや跳躍音程を使って、フィリスの美しさと輝きを象徴。

フレーズ構造
短い詩句に合わせてフレーズが小分割されており、歌詞の意味と音楽が密接に結びついている。
フレーズ終わりにはしばしば カデンツ（終止） が明確に示され、区切りと安堵感を作る。

 感情的効果
6声の厚みある響きが、「夢見心地」 のようなふわっとした感覚を作り出す。
同時に、各声部が緻密に絡み合うことで「二人の親密さ」を象徴する構造的美しさがある。

●トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson, c. 1570 – 1630) という、イングランドとアイルランドで活躍したルネサンス後期から初期バロックにかけての作曲家がいます。彼は特にマドリガル（Madrigal）の作曲で知られています。

トーマス・ベイトソンは、2つのマドリガル集を出版しました。

"The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices" (1604年)
"Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts" (1618年)

トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」について
トーマス・ベイトソンのマドリガルは、当時のイギリス・マドリガル楽派の優れた例として評価されています。彼の作品は、イタリアのマドリガルの影響を受けつつも、英語の詩に合わせた独特の表現や、緻密なポリフォニー（多声）が特徴です。

「Madrigali a6」として具体的に作品を挙げるならば、彼のマドリガル集には例えば以下のような6声のマドリガルが含まれています。

"Ah, Cupid, grant" (ああ、キューピッドよ、与え給え) - 彼の初期の作品の一つで、情熱的なテキストと豊かな和声が特徴です。
"Her hair the net of golden wire" (彼女の髪は金糸の網) - 愛の苦悩を歌ったもので、声部の絡みが美しい作品です。
"Fond love is blind" (盲目の恋は) - 視覚的なイメージと音楽的な表現が結びついた、典型的なマドリガルの特徴を持つ作品です。
"When Oriana walk'd to take the air" (オリアーナが散歩に出かけた時) - これは、エリザベス1世を称えるマドリガル集『トリウムフズ・オブ・オリアーナ (The Triumphs of Oriana)』のために書かれたものですが、実際にそのコレクションには採用されなかった作品です。
マドリガルの特徴
マドリガルは、16世紀のイタリアで発展し、後にイギリスにも伝わった無伴奏の多声世俗声楽曲です。

歌詞: 通常、恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が用いられます。
声部: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で豊かなハーモニーを形成します。
ワードペインティング: 歌詞の内容を音楽で描写する「ワードペインティング（Madrigalism）」が多用されます。例えば、「昇る」という歌詞があれば音程が上がったり、「ため息」という歌詞には不協和音や休符が使われたりします。
感情表現: 詩の感情を深く掘り下げ、音楽によって表現しようとする点が特徴です。
トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」も、これらのマドリガルの特徴を色濃く反映しており、ルネサンス音楽の豊かな響きと感情表現を楽しむことができる作品群です。

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木管五重奏 12のヴォランタリーから第11曲
サミュエル・ウェズリー
12 Voluntaries, Op. 6
Wesley, Samuel

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
サックス五重奏、クラリネット五重奏、金管五重奏版は発売中です。
イギリスの格式と感性を味わえる音楽を、ぜひお楽しみください。

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https://youtu.be/9hVGdVq1Fsk

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サミュエル・ウェズリー作曲の「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン演奏における重要な作品集の一つです。
1820年に作曲され、1822年に出版されました。全12曲からなり、自由な形式の前奏曲、ファンタジー、フーガなどの形式で作られています。

作品の特徴
ウェズリーの豊かな音楽性と高度な作曲技法が存分に発揮されており、オルガン音楽の様々な可能性を探求した作品集と言えます。
対位法、和声、リズム、音色など、様々な要素を用いて、表現豊かな音楽を作り上げています。
難易度が高く、演奏には高度な技巧と音楽性が要求されますが、同時に大きな音楽的喜びを与えてくれる作品です。

各曲の特徴
12 Voluntaries, Op. 6の各曲は、それぞれ異なる形式で作られており、様々な表情を見せてくれます。

第1曲: 堂々としたフーガ
第2曲: 優美なカノン
第3曲: 力強いト短調の前奏曲
第4曲: 華麗なロンド
第5曲: 哀愁漂うアダージョ
第6曲: 軽快なスケルツォ
第7曲: 荘厳なパッサカリア
第8曲: 明るい変ロ長調の前奏曲
第9曲: 瞑想的なト短調の前奏曲
第10曲: 華麗なフーガ
第11曲: 優美なカプリッチョ
第12曲: 力強いフィナーレ

演奏
「12 Voluntaries, Op. 6」は、多くのオルガニストによって演奏されています。
有名な演奏家には、ピーター・ハーヴェイ、フランク・ヴィーガント、ロビン・ラッセンなどがあります。

録音
「12 Voluntaries, Op. 6」の録音は多数存在します。
近年では、オルガンの新しい録音技術を用いた高音質な録音もリリースされています。

評価
「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン音楽史における重要な作品として高く評価されています。
その豊かな音楽性、高度な作曲技法、そしてオルガンという楽器の可能性を最大限に引き出した表現力は、
多くのオルガニストや音楽愛好家を魅了し続けています。

日本での演奏
日本でも、多くのオルガニストによって「12 Voluntaries, Op. 6」が演奏されています。
近年では、オルガン演奏コンクールの課題曲としても取り上げられることがあります。

サミュエル・ウェズリー（1766年2月17日 - 1837年4月11日）は、19世紀イギリスのオルガニスト・作曲家です。

ウェズリーはロンドンで生まれ、父親のチャールズ・ウェズリーから音楽教育を受けま
した。
1789年から1837年まで、ロンドン各地の教会でオルガニストを務めました。

ウェズリーは、オルガン演奏家としてだけでなく、作曲家としても活躍しました。
オルガンのための作品を中心に、アンセム、合唱曲、室内楽など、様々な作品を残しています。

ウェズリーの作品は、豊かな旋律と高度な対位法技法によって特徴付けられます。
また、オルガンの音色を効果的に使った作品も多く、オルガン音楽の発展に大きく貢献しました。

代表作

12 Voluntaries, Op. 6
6 Fugues, Op. 7
Rejoice in the Lord, Op. 39
Watch with Me, Op. 47

同時代の作曲家との比較
1. ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン (Ludwig van Beethoven)
時代背景: 古典派からロマン派への架け橋として位置づけられる。
スタイル: 力強い感情表現や革新的な形式が特徴。特に交響曲やピアノソナタでの革新が際立つ。
ウェスリーとの違い: ベートーヴェンはオーケストラ音楽や器楽曲での影響力が大きいのに対し、
ウェスリーは主にオルガン音楽や宗教音楽に焦点を当てている。

2. フランツ・シューベルト (Franz Schubert)
時代背景: ロマン派の初期に活動し、歌曲や室内楽で知られる。
スタイル: メロディの美しさと感情の深さが特徴。特に歌曲（リート）での表現力が高い。
ウェスリーとの違い: シューベルトは声楽作品に特化しており、オルガン音楽のような器楽的な作品は少ない。
ウェスリーは宗教的なテーマを持つオルガン音楽に特化している。

3. ロベルト・シューマン (Robert Schumann)
時代背景: ロマン派の作曲家で、特にピアノ音楽と歌曲に貢献。
スタイル: 感情的で個人的な表現が強く、音楽の中に詩的な要素を取り入れる。
ウェスリーとの違い: シューマンはピアノ曲や歌曲が中心で、オルガン音楽に特化した作品は少ない。
ウェスリーは教会音楽の伝統を重視している。

4. フェリックス・メンデルスゾーン (Felix Mendelssohn)
時代背景: ロマン派の作曲家で、オーケストラ音楽や宗教音楽でも知られる。
スタイル: 古典的な形式を重視しつつ、ロマン派的な感情を表現。
ウェスリーとの共通点: メンデルスゾーンも宗教音楽に力を入れており、オルガン作品も残しています。
ウェスリーと同じく、宗教的なテーマを持つ作品がある点で共通しています。

このように、サミュエル・ウェスリーは、19世紀初頭の音楽界において独自の位置を占めており、
特にオルガン音楽や宗教音楽に特化しています。
他の作曲家たちは、より広範なジャンルで活動しており、器楽曲や声楽曲において革新をもたらしました。
ウェスリーの作品は、宗教的なテーマやオルガン音楽の伝統を重視している点で、特異な存在と言えます。

ウェズリーは、イギリスのオルガン音楽史において重要な人物として評価されています。
その作品は、現代でも多くのオルガニストによって演奏されています。

日本では、ウェズリーの音楽はあまり知られていませんが、近年その評価が高まりつつあります。
近年では、オルガニストによる演奏会や、CDのリリースなどが行われています。
サミュエル・ウェズリーは、モーツァルトと同時代に活躍し、「イングランドのモーツァルト」と称賛されることもあります。

生い立ちと音楽教育
ウェズリーは、ブリストルで、著名なメソジスト牧師であり賛美歌作曲家であるチャールズ・ウェズリーの息子として生まれました。
祖父は詩人のサミュエル・ウェズリー、伯父はメソジスト教会の創設者であるジョン・ウェズリーです。

幼い頃から音楽的才能を発揮し、6歳でオルガン演奏を始めました。
10代前半にはロンドンに移住し、作曲家兼オルガニストのトマス・アーネスト・アトウッドに師事しました。

音楽活動
ウェズリーは、ロンドン、ブリストル、グラスゴーなどの主要都市でオルガニストとして活躍しました。
また、数多くの合唱曲、オルガン曲、ピアノ曲、室内楽などを作曲しました。

彼の作品は、古典的な形式とロマン派的な感性を融合させた独自のスタイルで知られています。
特に、オルガン曲には高い評価を得ており、今日でも演奏され続けています。

ウェズリーとモーツァルト
ウェズリーは、モーツァルトの音楽を深く愛しており、その影響を強く受けています。
彼の作品には、モーツァルトの音楽に通じるメロディーの美しさや形式的な完成度が見られます。
また、ウェズリーはモーツァルトのピアノソナタの編曲なども行っています。

晩年
ウェズリーは晩年、精神的な病気を患い、音楽活動から遠ざかりました。
1837年、ロンドンで61歳で亡くなりました。

ウェズリーの音楽的遺産
ウェズリーは、イギリス音楽史における重要な人物であり、その作品は今日でも高く評価されています。
特に、オルガン音楽は、イギリスのオルガン演奏の伝統に大きな影響を与えました。

ヴォランタリー（Voluntary）は、オルガン演奏における自由な形式の作品です。
特定の礼拝の儀式に関連付けられることなく、演奏者の任意で演奏されるのが一般的です。

ヴォランタリーの起源は16世紀イングランドに遡ります。当初は、礼拝の開始前や終了後に演奏される短い即興演奏でした。
その後、徐々に形式化され、作曲されたヴォランタリーも登場するようになりました。

ヴォランタリーには、特定の形式はありません。
前奏曲、フーガ、ファンタジー、コラール前奏曲など、様々な形式の作品がヴォランタリーとして演奏されます。

ヴォランタリーは、オルガニストの技量を披露する場としてだけでなく、礼拝堂の雰囲気を盛り上げたり、
聴衆の祈りを深めたりする役割も担っています。

代表的な作曲家

ヴォランタリーを代表する作曲家には、以下のような人物がいます。
ディートリヒ・ブクステフーデ：ドイツのバロック時代の作曲家。華やかで技巧的なヴォランタリーで知られています。
ヨハン・セバスチャン・バッハ：ドイツのバロック時代の作曲家。深みのある音楽性と高度な作曲技法を駆使したヴォランタリーを残しています。
ウィリアム・ボイス：イギリスのバロック時代の作曲家。優美で洗練されたヴォランタリーで知られています。
フェリックス・メンデルスゾーン：ドイツのロマン派時代の作曲家。ドラマティックで表現豊かなヴォランタリーを残しています。
シャルル＝ヴィドール：フランスのロマン派時代の作曲家。瞑想的で詩情豊かなヴォランタリーで知られています。

現代におけるヴォランタリー
現代でも、多くの作曲家がヴォランタリーを作曲しています。
また、オルガニストによる即興演奏も盛んに行われています。

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Solo+金管四重奏『金婚式』
ガブリエル＝マリー
La Cinquantaine(The Golden Wedding)
Jean Gabriel Marie

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、TubaおよびSoloパートです。
同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、
in C版（Fl.、Ob.、Mallet Perc.など）、、
in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,など）、
in C低音Tuba、St.Bs.版、
in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、
in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。
多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め4種類から選ぶことができます。
クラリネット四重奏版、木管四重奏版、サックス四重奏版は発売中です。

優雅でロマンチックな小品をさまざまな楽器の演奏で味わいたいものです。
参考音源ではA.Sax.がSoloを担当しています。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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参考音源
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『金婚式 La cinquantaine』は、フランスの作曲家ガブリエル・マリー（Gabriel Marie/1852-1928）によるガヴォット風のピアノ独奏曲。
フランス語のタイトル「cinquantaine（サンカンテーヌ）」は「50」を意味し、50回目の結婚記念日を金製品の贈り物で祝う、文字通り「金婚式」を指しています。
今日では、ヴァイオリンとピアノの室内楽やヴァイオリン独奏、フルート独奏曲、管弦楽曲などに編曲されて演奏される機会が多い作品です。
ガブリエル・マリーは指揮者としても活躍しており、サン＝サーンスらの主導で設立された国民音楽協会（Société nationale de musique）の演奏会で7年間指揮を務めました。
なお、ガブリエル・マリーが作曲した作品はいくつか確認されていますが、この『金婚式 La cinquantaine』以外の曲は現代ではほとんど知られていません。
現在、作曲者の作品の中では唯一知られている曲で、もとは『チェロとピアノのための2つの小品（Deux Pieces pour Cello et Piano）』の2曲目ですが、チェロの代わりにヴァイオリンで演奏されることも多く、その旋律の単純な美しさからオーケストラやピアノ独奏用にも編曲され、広く演奏されています。
金婚式（結婚記念日）のお祝いという目的や、ヴァイオリンで演奏される場合はG線を使わないので澄んだ音色となり、演奏技術上も多くを求められないため、原曲をも超えてヴァイオリン愛好家に広く親しまれ、人気の高い作品です。
日本における演奏（録音）のもっとも早い例として、1934年に当時14歳の諏訪根自子がSPレコードで録音を残しています（コロムビアレコード）。

1. 楽曲の概要
項目詳細
原題La Cinquantaine (ラ・サンカンテーヌ)
副題Air dans le Style ancien（古い様式によるエール）
作曲年1887年頃
ジャンル軽快な性格的小品、ピアノ独奏曲（原曲）
調性ト短調（G Minor）のことが多い
フランス語の原題「La Cinquantaine」は「50年」という意味で、文字通り「金婚式（結婚50周年）」を指します。

2. 楽曲のスタイルと特徴
◇ 古典舞曲風の軽快さ
この曲には「古い様式によるエール（Air dans le Style ancien）」という副題が付けられており、ガヴォットやメヌエットといった古典的な舞曲を思わせる、優雅で軽快なリズムと曲調を持っています。ロマン派の時代に、意図的に古典的な形式や雰囲気を取り戻そうとした作品の一つです。

◇ 楽器編成と普及
原曲: 当初はピアノ独奏曲として作曲されました。
普及: しかし、今日最もよく知られ、演奏されているのは、ヴァイオリン独奏とピアノ伴奏のための編曲版です。その他にも、チェロ、フルート、管弦楽など、様々な楽器用に編曲されて広く親しまれています。
音楽の性格: 単純明快で耳に残る美しいメロディと、リズミカルな伴奏が特徴です。哀愁を帯びたト短調の主部と、明るい変ロ長調の中間部（トリオ）の対比が魅力となっています。

3. 作曲家 ガブリエル＝マリーについて
ガブリエル＝マリーは、主に指揮者としてフランスで活躍した人物です。
主な活動: パリ音楽院で学び、コンセール・ラムルーの合唱指揮者や、国民音楽協会（サン＝サーンスらが設立）の演奏会指揮者を務めました。
代表作: 彼の残した数少ない作品の中で、現代でも演奏されるのはこの『金婚式』と『陽気なセレナード (Sérénade Badine)』くらいであり、特に『金婚式』が彼の代名詞となっています。『金婚式』は、技術的には比較的取り組みやすいため、発表会やアンコールピースとしても人気が高く、優雅でロマンチックな小品として世界中で愛され続けています。

アトリエ・アニマート
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