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木管六重奏 ディア・イフ・ユー・ウイッシュ
トーマス・ベイトソン
"Dear if you wish" 
Thomas Bateson

編成はFl.2本、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
Bsn.以外を1オクターブ上で演奏しても良いです。
その際はOb.をFl.で演奏可能です。
金管六重奏、クラリネット六重奏、サックス六重奏版は発売中です。

キリスト教の宗教音楽に属さない美しい世俗音楽をぜひ味わってください。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
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「Dear if you wish」は、イギリスの作曲家 トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson) が作曲した6声のマドリガルです。
彼の2つ目のマドリガル集である「Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts」に1618年に収録されました。

トーマス・ベイトソンとは
トーマス・ベイトソンは、16世紀後半から17世紀初頭にかけて活躍したイングランドの作曲家で、特にマドリガルの分野で知られています。
彼は、イタリアからイギリスに伝わったマドリガルのスタイルを巧みに取り入れ、英語の詩に合わせた独自の表現を追求しました。
彼の作品は、豊かなハーモニーと複雑なポリフォニー（多声的な織り合わせ）が特徴で、当時のイギリス・マドリガル楽派の中でも優れた作曲家の一人として評価されています。

マドリガルとは
マドリガルは、ルネサンス後期にイタリアで発展し、後にヨーロッパ各地に広まった無伴奏の世俗合唱曲です。
主に恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が歌詞として用いられ、以下のような特徴があります。

多声性: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で美しいハーモニーを形成します。
ワードペインティング（Madrigalism）: 歌詞の内容を音楽で描写する技法が多用されます。
例えば、「昇る (ascend)」という言葉には音程が上昇するメロディをつけたり、「ため息 (sigh)」には不協和音や休符を挟んだりすることで、詩の情景や感情を聴覚的に表現します。
感情表現: 詩の持つ感情を深く掘り下げ、それを音楽によって豊かに表現しようとします。

「Dear if you wish」の魅力
「Dear if you wish」も、上記のマドリガルの特徴をよく表した作品です。
6つの異なる声部が絡み合い、互いに模倣し合ったり、豊かな和音を形成したりすることで、詩の内容を生き生きと描き出します。

この曲の具体的な歌詞や内容は、当時の恋愛詩に典型的で、愛する人への切なる願いや呼びかけが歌われています。
ベイトソンは、その言葉一つ一つに繊細な音楽的描写を施し、聴く者の心に響く作品に仕上げています。
題名の意味は「あなたが望むなら」または詩的な言い回しとして「もしあなたの願いなら」「ねぇ、もしそうしたいなら…」といった内容です。
このフレーズは非常にやわらかく、相手の気持ちを尊重した控えめな申し出や提案に使われます。

トーマス・ベイトソンの「Dear if you wish」は、ルネサンス期イギリスのマドリガルが持つ、洗練された音楽性と深遠な感情表現を堪能できる一曲と言えるでしょう。

●トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson, c. 1570 – 1630) という、イングランドとアイルランドで活躍したルネサンス後期から初期バロックにかけての作曲家がいます。彼は特にマドリガル（Madrigal）の作曲で知られています。

トーマス・ベイトソンは、2つのマドリガル集を出版しました。

"The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices" (1604年)
"Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts" (1618年)

トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」について
トーマス・ベイトソンのマドリガルは、当時のイギリス・マドリガル楽派の優れた例として評価されています。彼の作品は、イタリアのマドリガルの影響を受けつつも、英語の詩に合わせた独特の表現や、緻密なポリフォニー（多声）が特徴です。

「Madrigali a6」として具体的に作品を挙げるならば、彼のマドリガル集には例えば以下のような6声のマドリガルが含まれています。

"Ah, Cupid, grant" (ああ、キューピッドよ、与え給え) - 彼の初期の作品の一つで、情熱的なテキストと豊かな和声が特徴です。
"Her hair the net of golden wire" (彼女の髪は金糸の網) - 愛の苦悩を歌ったもので、声部の絡みが美しい作品です。
"Fond love is blind" (盲目の恋は) - 視覚的なイメージと音楽的な表現が結びついた、典型的なマドリガルの特徴を持つ作品です。
"When Oriana walk'd to take the air" (オリアーナが散歩に出かけた時) - これは、エリザベス1世を称えるマドリガル集『トリウムフズ・オブ・オリアーナ (The Triumphs of Oriana)』のために書かれたものですが、実際にそのコレクションには採用されなかった作品です。
マドリガルの特徴
マドリガルは、16世紀のイタリアで発展し、後にイギリスにも伝わった無伴奏の多声世俗声楽曲です。

歌詞: 通常、恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が用いられます。
声部: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で豊かなハーモニーを形成します。
ワードペインティング: 歌詞の内容を音楽で描写する「ワードペインティング（Madrigalism）」が多用されます。例えば、「昇る」という歌詞があれば音程が上がったり、「ため息」という歌詞には不協和音や休符が使われたりします。
感情表現: 詩の感情を深く掘り下げ、音楽によって表現しようとする点が特徴です。
トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」も、これらのマドリガルの特徴を色濃く反映しており、ルネサンス音楽の豊かな響きと感情表現を楽しむことができる作品群です。

アトリエ・アニマート
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サックス五重奏 6つの小品 Op.38から4.軍隊行進曲
ルフェブール＝ヴェリー
6 Organ Pieces, Op.38-4. Marche militaire
Lefébure-Wély, Louis James Alfred
(3 Marches & 3 Élévations)

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏、木管五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

フランス・ロマン派の作品を演奏で味わいたいものです。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
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ルイ・ジェームズ・アルフレッド・ルフェブール＝ヴェリー（Louis James Alfred Lefébure-Wély）の作品38は、
6つのオルガン曲からなる組曲です。この組曲は、「3つの行進曲」と「3つのエレヴァシオン」から構成されています。

1. マーチ（C長調）Marche (C major)

調性とリズム：C長調で書かれており、行進曲の特徴的なリズムが際立っています。明るく、軽快な曲調が特徴です。
テーマと変奏：簡潔ながらも活気に満ちたメロディが特徴であり、テーマが提示された後に短い変奏が展開されることが一般的です。
変奏部では、メロディの装飾やリズムの変化が見られます。
オルガンの響き：オルガンの管音やストップを用いて、明るく華やかな響きが楽しめます。

2. エレヴァシオン（E長調）Élévation (E major)

調性と雰囲気：E長調で書かれており、荘厳で神聖な雰囲気が漂います。
エレヴァシオンは、聖体拝領の際に演奏される静かで祈りに満ちた曲です。
テンポと表現：ゆっくりとしたテンポで演奏され、美しい旋律が静かに響きます。表現力豊かな演奏が求められます。

3. エレヴァシオン（A♭長調）Élévation (A♭ major)

調性と感情：A♭長調で書かれています。前のエレヴァシオンと同様に、静かで神聖な雰囲気が特徴ですが、
異なる旋律と和音進行が展開されます。
メロディと和声：美しい旋律が静かに奏でられ、和声の変化が豊かな表現を生み出します。

4. 軍隊行進曲（F長調）Marche militaire (F major)

この楽章は、F長調で書かれています。マーチの形式に則っており、明るく躍動感のある曲想が特徴です。
ルフェブール＝ヴェリーのオルガン曲の中でも、特にこのマーチは人気があります。
調性とリズム：F長調の明るい調子で開始し、マーチの特有のリズムが続きます。
このリズムは、行進をイメージさせる活気に満ちたものです。
テンポと動き：一般的なマーチのテンポで演奏され、リズミカルかつ活気に満ちています。
演奏者は安定感のあるリズムを保ちながら、力強く曲を進めていきます。
テーマと変奏：独自の主題が提示され、その後、様々な変奏が展開されます。
変奏部では、リズムや和音の変化を通じて興味深い展開が行われます。
このマーチは、ルフェブール＝ヴェリーのオルガン曲の中でも重要な位置を占めており、
そのエネルギッシュな雰囲気と技巧的な作曲技法によって知られています。

5. エレヴァシオン（B♭長調）5. Élévation (B♭ major)
調性と表現：B♭長調で書かれており、神聖な雰囲気が漂います。
前のエレヴァシオンと同様に、静かながらも感情豊かな旋律が特徴です。
テンポと表現：ゆっくりとしたテンポで演奏され、静かな響きが聴衆を包み込みます。

6. マーチ（F長調）Marche (F major)
この楽章についても既に解説済みですので、省略します。
これらの楽章は、それぞれ独自の魅力と表現を持ち、組曲全体として多様な音楽的体験を提供します。

●ルイ・ジェームズ・アルフレッド・ルフェビュール＝ヴェリー (1817年11月13日 - 1869年6月30日) は、
19世紀フランスのオルガン奏者、作曲家です。即興演奏の名手として知られ、数多くのオルガン曲を作曲しました。

初期の経歴
ルフェビュール＝ヴェリーは、パリで生まれました。幼い頃から音楽に興味を持ち、ピアノとオルガンを学びました。
1836年、パリ音楽院に入学し、オルガンをルイ・ジメに、作曲をジョゼフ・オーギュスト・ダンジューに師事しました。

演奏家としての活動
1841年、ルフェビュール＝ヴェリーはサン＝ロッシュ教会のオルガニストに就任しました。
彼は、この教会でオルガン演奏の才能を発揮し、多くの聴衆を魅了しました。

1846年、ルフェビュール＝ヴェリーはマドレーヌ教会のオルガニストに就任しました。
彼は、この教会でもオルガン演奏の才能を発揮し、さらに名声を高めました。

作曲家としての活動
ルフェビュール＝ヴェリーは、数多くのオルガン曲を作曲しました。
彼の作品は、即興演奏的な性格とロマンティックな旋律が特徴です。
代表作には、「6つの小品」、「交響曲ト短調」、「幻想曲とフーガ」などがあります。

晩年
ルフェビュール＝ヴェリーは、1869年にパリで亡くなりました。享年51歳。

ルフェビュール＝ヴェリーの評価
ルフェビュール＝ヴェリーは、19世紀フランスを代表するオルガン奏者、作曲家です。
彼は、即興演奏の名手として知られ、数多くのオルガン曲を作曲しました。
彼の作品は、今日でも多くのオルガニストによって演奏されています。

フランスのロマン派オルガン音楽は、19世紀に発展した音楽ジャンルです。
その特徴としては交響曲のような壮大なスケールの作品が多く、
華麗な技巧を駆使した演奏で豊富な色彩感と感情表現が見られます。
代表的な作曲家にはセザール・フランク、シャルル＝ヴィドール、ルイ・ヴィエルヌがいます。

フランス革命によって多くのオルガンが破壊された後、19世紀に入ってオルガン製作技術が進歩し、
カヴァイエ＝コルなどの名製作者が現れました。
フランスのロマン派オルガンは、オーケストラのような音色を出すことができるように設計されています。

代表的な作品としては次のような曲が有名です。
フランク：交響曲ト短調、前奏曲、フーガと変奏曲
ヴィドール：交響曲第6番
ヴィエルヌ：24の即興曲、交響曲第3番

フランスのロマン派オルガン音楽は、後のオルガン音楽に大きな影響を与えました。
フランスのロマン派オルガン音楽は、聴覚的に非常に魅力的な音楽です。オルガン演奏の技術的な高さだけでなく、
作曲家たちの豊かな音楽表現を楽しむことができます。

アトリエ・アニマート
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Solo+鍵盤打楽器三重奏+ 「フェイチソ」
ジャコー・ド・バンドリン
Feitiço
Jacob do Bandolim

編成はソロ楽器、Marim.、Vib.、El.Bs.、ドラムス
およびPerc.(Cabasa、Tamb.、Conga)です。
参考音源はOb.のソロです。

同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、
in C版（Fl.、Pic.、Ob.、Mallet Perc.など）、
in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、
　Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。
in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、
in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。
多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め5種類から選ぶことができます。
金管四重奏、クラリネット四重奏、サックス四重奏、木管四重奏版は発売中です。

陽気なブラジルの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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「Feitiço」は、フランスの作曲家であり、ブラジルの音楽に影響を与えたジャコー・ド・バンドリンによって作曲された曲です。
この曲は、1928年に初めて発表され、バンドリンの最も有名な曲の1つとなっています。
この曲は、ブラジル音楽の歴史において重要な位置を占めている作品の1つであり、20世紀初頭にブラジルで流行した「ショーロ」の
ジャンルの中でも特に有名です。

「Feitiço」とはポルトガル語で「魔法」「呪縛」という意味であり、曲は神秘的で情熱的な雰囲気を持っています。
曲は、フルート、クラリネット、トロンボーン、ヴァイオリン、ギター、ピアノ、ベース、およびドラムなどの楽器で演奏されます。
楽器の組み合わせは、ブラジルの音楽の特徴的なサウンドを反映しています。

「Feitiço」は、3つのセクションから構成されています。最初のセクションは、リズミカルなギターのイントロで始まります。
その後、フルート、クラリネット、トロンボーン、およびヴァイオリンが順番に導入され、曲の主題が提示されます。このセクションは、
神秘的な雰囲気と軽快なリズムが特徴です。

2番目のセクションでは、ピアノのソロが導入され、メロディがアレンジされます。このセクションは、より情熱的な雰囲気があり、
曲の中心部分を担っています。

3番目のセクションは、1番目のセクションに戻りますが、より洗練されたアレンジがされています。
フルート、クラリネット、トロンボーン、ヴァイオリンなどの楽器が交互にソロを取り、曲は徐々に高揚していきます。
最後は、ギターとピアノの繰り返しのリフで終わります。

「Feitiço」は、ジャズの影響を受けたブラジルの音楽に特有のリズミカルなパターンと、情熱的なメロディが特徴的です。
この曲は、ブラジル音楽の黄金時代において、多くのミュージシャンによってカバーされ、世界中で演奏されてきました。
また、ブラジルの音楽に対する国際的な関心を高める一助となりました。

「Feitiço」は、ブラジルの音楽史において重要な位置を占めています。
バンドリンは、ブラジルの伝統的な音楽にジャズの影響を加えた先駆者の1人であり、その影響は今日でもブラジル音楽に見られます。
彼の音楽は、ブラジル音楽にとって非常に重要なものとなり、多くのミュージシャンに影響を与えてきました。

「Feitiço」は、バンドリンの最も有名な曲の1つであり、彼の音楽の代表作として知られています。
この曲は、ブラジル音楽の魅力的な世界を表現し、聴衆を魅了することができる素晴らしい曲です。

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クラリネット五重奏 5声のキリエ（種々のカノン付き）KV 89
W.A.モーツァルト
Kyrie a cinque con diversi canoni (KV 89/73k)
W.A.Mozart

編成はCl.4本、Bs,Cl.です。
サックス五重奏、木管五重奏、金管五重奏版は発売中です。

モーツァルト10歳の若々しく野心に溢れた作品をお楽しみください。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
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■ 概要
曲名：Kyrie a cinque con diversi canoni（5声のキリエ、種々のカノンを付き）

作曲者：ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト

作品番号：KV 89（旧番号では73k）

作曲年：推定 1766年

編成：5声部（SSATB）、オルガン伴奏（当時は通奏低音として演奏されることが多い）

■ 背景
この作品は、モーツァルトが10歳のときに作曲したとされています。1766年、モーツァルト一家はヨーロッパ演奏旅行の最中で、当時モーツァルトはオランダに滞在していました。

この作品は、少年時代における「対位法」の学習の一環として書かれたと考えられています。モーツァルトは父レオポルトの厳格な教育の下で、フーガやカノンといった対位法技法を積極的に学んでおり、その成果が如実に表れている作品の一つです。

■ 特徴
◉ 5声の編成
通常のキリエ（ミサ曲の第1曲目）は4声（SATB）が多いですが、この曲は5声（SSATB）と豊かな編成です。少年モーツァルトが既に多声的テクスチュアを扱えることを示しています。

◉ カノン技法の使用
この作品の大きな特徴は、複数のカノン（模倣技法） が全体に散りばめられていることです。「diversi canoni」という表記もそれを示しています。カノンは一種の模倣形式で、テーマを次々とずらして重ねる高度な書法です。

◉ 宗教的な荘重さ
キリエは「主よ、憐れみたまえ」という祈りを歌う部分で、通常は荘厳で内省的な雰囲気を持ちます。この作品でも、少年ながらに荘重な雰囲気を出すためにポリフォニックな（多声的）書法を駆使しています。

■ 演奏・録音
この曲はモーツァルトの初期作品の中ではあまり演奏される機会が多くありませんが、彼の対位法学習の重要な証拠として、特にモーツァルト研究者や宗教音楽に関心のある演奏家には注目されています。

録音では古楽系の団体や、モーツァルトの宗教曲全集に含まれることが多いです。

■ 音楽的意義
学習曲としての側面：この作品は、後年の《レクイエム》や《アヴェ・ヴェルム・コルプス》といった宗教曲に至るモーツァルトの道のりを示す初期の重要なステップです。

少年期の才能の証明：わずか10歳でこのような高度なカノン技法を使いこなしていることは、天才モーツァルトの非凡さを示しています。

■ まとめ
1.《Kyrie a cinque con diversi canoni KV 89》は、10歳のモーツァルトが対位法の学習として書いた5声の荘厳なキリエ。
2.多彩なカノンを駆使し、少年期の技術力の高さを示す貴重な宗教曲。
3.一般にはあまり知られていないが、研究者や宗教音楽の愛好家にとっては重要な作品。

●構造分析、声部の動き、カノン技法

■ 概要と構造
◉ 形式
単一楽章の Kyrie（「Kyrie eleison」のみ）

ポリフォニック（多声音楽）的書法が中心

大きく見ると 三部的な構造（ただし伝統的なABA形式というより、音楽的発展に基づく自然な推移）

■ カノン技法の概要
この曲の最大の特徴は「diversi canoni」と題されている通り、様々な種類のカノンが用いられている点です。

◉ 基本主題
「Kyrie」 のテキストに対して、短いモティーフ（主題）が提示されます。

この主題を異なる声部で時間差をつけて模倣することで、カノンが形成されます。

◉ カノンの種類
直接カノン（単純カノン）

ある声部が提示した旋律を、そのまま別の声部が追いかける。

反行カノン（inversus）

元の旋律を上下逆にして模倣する。

拡大／縮小カノン（augmentation/diminution）

主題を音価（リズム）を伸ばして（拡大）、または縮めて模倣する。

この曲では、少年モーツァルトはこれらの技法をすべて極端に複雑には用いず、比較的単純な直接模倣が主です。しかし一部に反行的ニュアンスやリズムのずれが含まれ、学習の成果を示しています。

■ 声部構造（SSATB）
◉ ソプラノI & II
主に主題の提示と模倣を担います。

他の声部をリードする役割が多い。

高音域で明るく、旋律線の輪郭を示す。

◉ アルト
内声として、主題模倣と同時に和声補完の役割。

一部ではソプラノの模倣パートを引き受ける。

◉ テノール
中低音域でカノンを支えつつ、対旋律を提示することもある。

テキストの明瞭さとリズム感の確保に寄与。

◉ バス
基礎となる低音線を形成。

模倣パートの最終的な到達点として重要。

■ 具体的な楽譜上の例
🎼 以下、楽譜をお持ちの場合に該当ページを追いやすいよう解説します。（IMSLPなどで楽譜が無料公開されています）

◉ 冒頭（Kyrie主題提示）
最初にソプラノIが主題を提示

続いてソプラノIIが同じ主題を少し遅れて模倣（カノン）

さらにアルト、テノール、バスが順次加わる

これは 単純カノン（stretto風の密接カノン） に近い

◉ 中盤（複合模倣部）
主題が断片化され、短いモティーフのみを繰り返す

声部間のエントリーがより自由に

部分的にテノールとバスが二重カノンのように動く箇所が見られる

◉ 終盤（和声的充実）
全声部がほぼ同時に「eleison」テキストを強調

対位法的処理は維持しつつ、より垂直的（和声的）に展開

最後は荘重な終止（完全終止）

■ 音楽的効果
テキスト表現：

「Kyrie（主よ）」の祈りの繰り返しは、カノンにより輪唱的効果が強まり、祈りが広がるような印象を与えます。

空間性：

5声のポリフォニーは大聖堂のような残響効果を想起させ、少年モーツァルトの教会音楽的感覚が表れています。

技術力：

各声部の独立性と有機的な絡み合いは、当時の学習曲とは思えない完成度を示します。

■ モーツァルトの学習過程との関連
父レオポルトや当時の師（ヨハン・ヴァン・アインデン、パドレ・マルティーニなど）の指導により、対位法技法を徹底的に訓練していた。

KV89 はその成果を宗教曲に応用した実例と考えられています。

この経験が後の《ジュピター交響曲》第4楽章や《レクイエム》のフーガ部など、後年の対位法処理に直接繋がります。

■ まとめ（ポイント）
1.構造：単一楽章で、冒頭から最後までカノン技法が支配的
2.声部：5声（SSATB）が各々主題模倣を展開
3.カノン技法：主に単純カノンを基軸に、一部反行・変形的要素あり
4.音響効果：宗教的荘厳さと対位法的密度が同居
5.学習曲的価値：モーツァルトの対位法学習の成果として重要

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金管五重奏 4. スパッツンネ (ソレイユ・クーシャン、夕日)
ハルモニウムのための6つのスケッチから
シグフリード・カルク＝エルラート
4.Spatsonne.
from 6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10
Sigfrid Karg-Elert

編成はTp.2本、Hn.、Eup.、Tubaです。
サックス五重奏、木管五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

カルク＝エルラートによるロマンチックな作品を演奏で味わいたいものです。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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Sigfrid Karg-Elert（シグフリード・カルク＝エルラート）による「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、
作曲家がオルガンやハルモニウムなどのキーボード楽器のために作曲した6つの小品からなる作品です。

1. シグフリド・カルク＝エルラートとは:
Sigfrid Karg-Elert（1877年-1933年）は、ドイツ出身の作曲家で、主に20世紀初頭に活動しました。
彼は非常に多作な作曲家であり、器楽曲や合唱曲、宗教音楽など幅広いジャンルで作曲しました。
特にオルガンとハルモニウムのための作品で知られ、その音楽はしばしばロマンティックで印象的な特徴を持っています。

エミール・ニコラウス・フォン・レズニチェクに作曲の個人指導を受けた後、ライプツィヒ音楽院でザロモン・ヤーダスゾーンと
カール・ライネッケに師事しました。1919年には自らもその教壇に立ちました。
エドヴァルド・グリーグに認められて作曲活動に取り組む一方、クロード・ドビュッシーやアレクサンドル・スクリャービン、
アルノルト・シェーンベルクに心酔しました。
その影響は調性を拡張し、独自の半音階的な書法を発展させるのみにとどまらず、オルガンのストップの詳細な指定から彼ならではの色彩感の強調が窺えます。
付加6の和音の終止は確実にオリヴィエ・メシアンへ影響を与えた。
彼はクンストハルモニウムのために好んで作曲し、はじめフランス製の精巧な楽器 (Mustel) を入手、後にドイツ製の楽器 (Titz) を愛用しました。
その結果としてクンストハルモニウムのための唯一の教則本を残しました。そのほかにコラールや室内楽曲、ピアノ曲、オルガン曲があります。
フルート業界では「ソナタ・アパッショナータ」が教育の現場で頻繁に用いられています。

最初はワーグナーの影響を強く受けたものの、近代音楽の時代に入り調性音楽の崩壊を目の当たりにした彼は、主要音をのこしながらも
調性の境界が明解でない方向へ舵を切りました。
作曲と演奏の両面で活躍していたカルク＝エーレルトに、グリーグは「作曲で活躍せよ」と助言を与えました。
カルク＝エーレルト作品は、とりわけオルガン曲が、アメリカ合衆国やイギリス、フランスで人気がありました。
カルク＝エーレルトは演奏家としてはあまり評価されず、ドイツ本国にいたっては作曲家としても評価は高くありませんでした。
新古典主義や無調が主流になった1920年代のドイツでは、半音階主義は既に過去の遺物になっていたのです。
ドイツの楽壇に見切りをつけた彼はイギリスへ渡航し、その地では確実に成功しました。
全66曲から成る『コラール即興曲集』の「凱旋行進曲《いざ諸人よ、神に感謝せよ》」が、最も有名です。
金管楽器バンドとの共演が可能であり、セレモニーなどにも頻繁に世界中で用いられています。

2. 「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートによって作曲された楽曲集で、ハルモニウム（鍵盤楽器）のために書かれました。
この作品は、小品集で、それぞれの小品が異なるキャラクターや表現を持っています。

3. 構成:
この作品は、以下の6つの小品で構成されています：

1.Morgensegen. (Priere de matin. Morning-prayer.) - F-sharp major
　1. 朝の挨拶 (朝の祈り) - 嬰ヘ長調
2.Ausfahrt. (Depart. Departure.) - E major
　2. 終わり (出発) - ホ長調
3.Waldeinsamkeit. (Solitude de la foret. Sylvan solitude.) - D-flat major
　3. 森の孤独(森の孤独、シルヴァンの孤独) - 変ニ長調
4.Spatsonne. (Soleil couchant. Sunset.) - D major
　4. スパッツンネ (ソレイユ・クーシャン、夕日) - ニ長調
5.Nachtgesang. (Chant nocturne. Night song.) - A-flat major
　5. 夜の歌 (夜想曲、夜の歌) - 変イ長調
6.Nachklang. (Reminiscence.) - B major
　6. 残響(回想) - ロ長調

これらの楽曲は、各々異なるテーマと性格を持ち、音楽を通じて情感や情景を表現しています。
また、各曲の調性（長調）もその雰囲気を補完し、聴衆にさまざまな感情やイメージを伝えるでしょう。
各小品は個別の音楽的アイデアやテーマ性を探求し、異なるキーやリズム、表現的な要素を持っています。
これにより、演奏家と聴衆は多様な音楽的経験を楽しむことができます。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」全体について:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、シグフリード・カルク＝エルラートによって作曲され、ハルモニウム奏者および音楽愛好家に向けて書かれました。
この楽曲集は、音楽的アイデアとテーマの多様性に富んでおり、カルク＝エルラートの音楽の技巧と感情豊かな表現を示す優れた例です。
この楽曲集は、ハルモニウムの美しい音色を活かし、自然の美、内省、旅立ち、夕暮れ、夜の静けさ、思い出といったテーマに触れます。
それぞれの楽章が異なるキーと性格を持っており、多彩な音楽的体験を提供します。

1. Morgensegen (Priere de matin. Morning-prayer.) - F-sharp major:
この楽章は、F♯長調で書かれており、朝の祈りをテーマにしています。穏やかで宗教的な雰囲気が感じられ、美しい旋律が特徴です。新しい日の始まりを祝福するような曲です。
この楽章は、美しい旋律と宗教的な雰囲気が特徴で、新しい日の始まりと祝福を表現しています。静かで清らかな朝の祈りの瞬間を思い浮かべさせます。

2. Ausfahrt (Depart. Departure.) - E major:
E長調の楽章で、出発をテーマにした作品です。活気にあふれた性格で、冒険や新たな旅立ちを想像させます。リズミカルで陽気な要素が印象的です。
出発をテーマにした楽章で、明るく陽気な性格が冒険と新たな旅への期待を反映しています。リズミカルな要素が楽しさを引き立てます。

3. Waldeinsamkeit (Solitude de la foret. Sylvan solitude.) - D-flat major:
D♭長調の楽章で、森林の中での孤独を表現した作品です。静かで静謐な雰囲気が特徴で、自然の美しさと静けさを賞賛します。
森の中での静寂と孤独を称えた楽章で、D♭長調の静けさが自然の美しさと調和を表現しています。この楽章は、感情を鎮め、聴衆に静寂なひとときを提供します。

4. Spatsonne (Soleil couchant. Sunset.) - D major:
D長調の楽章で、夕日が沈む瞬間を表現した作品です。情感豊かな旋律が夕暮れの美しさを捉えています。感傷的な性格を持つ楽章です。
夕日が沈む瞬間を捉えた楽章で、D長調の情感豊かな旋律が夕暮れの美しさを称えます。夕焼けの色合いや感傷が表現されています。

5. Nachtgesang (Chant nocturne. Night song.) - A-flat major:
A♭長調の楽章で、夜の歌をテーマにした作品です。静かで感傷的な性格で、星空の下での静寂なひとときを想像させます。美しい旋律が聴衆を包み込みます。
夜の静寂と美をテーマにした楽章で、A♭長調の穏やかな性格が星座の下での静寂なひとときを思い起こさせます。美しい旋律が夜の神秘を表現します。

6. Nachklang (Reminiscence.) - B major:
B長調の楽章で、思い出や回顧を表現した作品です。メロディは感傷的で、過去の出来事や経験を振り返るような楽章です。静かな静寂と感情の複雑さが共存しています。
思い出と回顧に捧げられた楽章で、B長調の感傷的な旋律が過去の出来事や経験を振り返り、静かな静寂と感情の複雑さが寄り添います。

解釈と魅力:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートのハルモニウム音楽の魅力を堪能できる楽曲集です。
各楽章は異なるテーマと情感を持ち、ハーモニウムの特異な音色を活かして表現されています。
この楽曲集は、自然の美しさ、静寂、冒険、感傷、思い出など、さまざまな要素を取り入れ、聴衆に感情的な体験を提供します。
カルク＝エルラートは、旋律、ハーモニー、リズムを巧みに組み合わせ、豊かな音楽的言語を通じて感情を表現しました。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートの音楽の多様性と感情的な豊かさを示す素晴らしい作品であり、
ハーモニウムの特有の音色を活かして自然や人間の感情を表現しています。
各楽章は異なる風景と情感を描写し、聴衆にさまざまな音楽的体験を提供します。カルク＝エルラートの独自の音楽的言語と表現力に触れることができる楽曲集です。

4. スタイルと特徴:
カルク＝エルラートの作風は、ロマンティック音楽の伝統に根ざしており、感情豊かで表現力に富んだ楽曲を作曲しました。
彼の作品はしばしばメロディックで、旋律が美しく、和声も豊かです。また、彼は個別の楽曲内で異なる情熱やエモーションを探求することに熱心でした。

5. ハルモニウムの重要性:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、ハルモニウム（またはオルガン）のために書かれた作品です。
ハルモニウムは風圧式の鍵盤楽器で、特に宗教音楽や宗教儀式で使用されました。カルク＝エルラートの楽曲は、この楽器の特性を生かすように作曲され、
音楽的な魅力と表現力を引き立てています。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、シグフリード・カルク＝エルラートの作品の一部として、その独特の音楽スタイルとロマンティックな特質を示す優れた例です。
ハルモニウムの音色と共に、彼の音楽の魅力を探求し、楽しむことができます。

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木管四重奏 オーヴァーチュア組曲 ホ短調から
2 アリア 3 レ・プレジール
ヨハン・ベルンハルト・バッハ
Ouverture-Suite in e Moll 
(D-B Mus. ms. Bach P 291, Faszikel 8)
2 Air 3 Les Plaisirs

編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。
クラリネット四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。

バッハ一族の多様さと魅力をぜひ味わってください。

 

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概要
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bach（1685-1749）によって作曲された作品です。
彼はヨハン・セバスティアン・バッハのいとこであり、バロック音楽の作曲家として知られています。
この作品は、ドイツのバッハ研究所に保管されている楽譜に収められています。

音楽的特徴
形式: この作品は、オーヴァーチュア（序曲）形式から始まり、その後に続く舞曲のセクションが特徴的です。
一般的には、オーヴァーチュアの後にサラバンドやガヴォットなどの舞曲が続きます。

調性: eマイナー（e Moll）は、作品に深い感情やドラマを与えています。
マイナー調は、特にバロック音楽において感情表現において重要な役割を果たします。

メロディーとハーモニー: Johann Bernhard Bachの作品には、流れるようなメロディーと豊かなハーモニーが見られます。
彼の対位法的手法が用いられ、各楽器のパートが巧妙に絡み合っています。

この作品は、バロック時代の典型的なオーヴァーチュア・スイートであり、各楽章は異なる舞曲形式を持っています。
1. Ouverture
特徴: 序曲は、通常、作品全体のテーマを提示し、聴衆の注意を引く役割を果たします。
この楽章は、重厚で荘厳な雰囲気を持ち、しばしばフランス風のスタイルが取り入れられています。
遅い部分と速い部分が交互に現れ、ドラマチックな展開を見せます。

2. Air
特徴: この楽章は、メロディックで流れるような旋律が特徴的です。
感情豊かな表現が求められ、しばしば弦楽器や木管楽器によって演奏されます。
バロック音楽の「アリア」として、歌うような旋律が際立っています。

3. Les Plaisirs
特徴: 「楽しみ」という意味のこの楽章は、軽快で陽気な雰囲気を持っています。
リズミカルで活発な動きがあり、聴衆に楽しさを提供します。
しばしば、舞踏的な要素が強調され、ダンスのような感覚が漂います。

4. Menuet I & II
特徴: メヌエットは、典型的なバロック時代の舞曲で、優雅なリズムが特徴です。
第1メヌエット（Menuet I）は、しばしば華やかで装飾的な要素を持ち、
第2メヌエット（Menuet II）は、通常、少し異なるテーマや雰囲気を持つことが多いです。
これら2つのメヌエットは、舞踏のリズムを強調し、聴衆を楽しませます。

5. Air (2)
特徴: 2つ目の「エア」は、最初のものと同様に歌うような旋律を持っていますが、
異なるハーモニーや表現が用いられることがあります。
感情の深さやドラマが強調され、音楽の流れの中で重要な役割を果たします。

6. Rigaudon
特徴: リゴードンは、フランスの伝統的な舞曲で、活発で軽快なリズムが特徴です。
この楽章は、しばしば対話的な要素を持ち、楽器同士の掛け合いが楽しめます。
ダンスのような動きが強調され、聴衆を引き込む魅力があります。

7. Courante
特徴: クーランテは、速いテンポの舞曲で、しばしば三連符が使われます。
この楽章は、流れるような動きと複雑なリズムが特徴で、バロック音楽の中でも非常に人気のある形式です。
ダイナミックな展開が聴衆を魅了します。

8. Gavotte
特徴: ガヴォットは、2拍子の舞曲で、しばしば軽快でリズミカルな要素が強調されます。
この楽章は、しばしば楽器間の対話や掛け合いが見られ、聴衆を楽しませるための工夫が凝らされています。
ガヴォットは、バロック音楽の中でも特に愛されている舞曲形式の一つです。

「Ouverture-Suite in e Moll」は、各楽章が異なる舞曲形式を持ち、バロック音楽の多様性を示しています。
これらの楽章は、聴衆にさまざまな感情や雰囲気を提供し、Johann Bernhard Bachの音楽的才能を際立たせています。

歴史的背景
Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員として、バロック音楽の発展に寄与しました。
彼の作品は、当時の音楽スタイルを反映しており、特にオーヴァーチュアや組曲の形式が人気を博していました。

評価と影響
このオーヴァーチュア・スイートは、バロック音楽の魅力を持ち、多くの演奏者に愛されています。
彼の作品は、バッハ家の音楽的伝統を受け継ぎつつ、独自のスタイルを確立しています。

結論
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bachの優れた作品であり、
その豊かなメロディーと複雑なハーモニーは、聴く人々に深い感動を与えます。
この作品は、バロック音楽の多様性と技術的な精巧さを示す重要な一例です。

アトリエ・アニマート
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サックス四重奏 カンツォーナ 第4番
クラウディオ・メールロ作曲
Canzona 4
Claudio Merulo

編成はソプラノ、アルト、テナー、バリトンです。
クラリネット四重奏、木管四重奏、金管四重奏版は発売中です。

イタリアにおけるルネサンス音楽の魅力をぜひ味わってください。

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Claudio Merulo作曲の「Canzona 1から4」
作曲家: Claudio Merulo
作品名: Canzona 1から4
ジャンル: オルガン音楽

1. 概要
Canzona: イタリア語で「歌」を意味し、特に器楽のための楽曲形式を指します。
MeruloのCanzonaは、オルガンや鍵盤楽器のために書かれた作品で、リズミカルでメロディックな要素が特徴です。

2. 作品の特徴
多声性: 各Canzonaは複数の声部から構成され、対位法的な手法が用いられています。これにより、豊かなハーモニーが生まれます。
リズムの多様性: 各曲は異なるリズムとテンポを持ち、聴く人に変化に富んだ体験を提供します。
装飾音: Meruloのスタイルには装飾音が多く見られ、演奏者の技術が試される要素が含まれています。

3. 音楽的要素
メロディー: 各Canzonaはキャッチーなメロディーを持ち、聴き手に親しみやすい印象を与えます。
対位法: 複数の旋律が同時に進行し、互いに絡み合うことで音楽的な深みを生み出します。

まとめ
Claudio Meruloの「Canzona 1から4」は、彼の鍵盤楽器音楽の特徴を示す重要な作品です。
対位法的な手法やリズミカルな要素が豊かに表現されており、聴く人に多様な音楽体験を提供します。
これらの作品は、彼の音楽的才能と技術を理解する上で欠かせないものです。

●Claudio Meruloについて

生誕: 1533年、イタリアのヴェネト州
死没: 1604年、イタリアのパルマ
職業: 作曲家、オルガン奏者

1. 音楽的背景
ルネサンス音楽: Meruloはルネサンス期の作曲家であり、その音楽スタイルはこの時代の対位法や和声の技術を反映しています。
鍵盤楽器: 彼はオルガンや他の鍵盤楽器のための作品を多く残しており、特にオルガン音楽において重要な役割を果たしました。

2. 主な業績
作品集: Meruloの代表的な作品集には「Nova Musices Organicae Tabulatura」があり、オルガンのための多くの楽曲が収められています。
この作品集は、彼の音楽的スタイルや技術を示す重要な資料です。
フーガと対位法: 彼の作品にはフーガや対位法的な手法が多く見られ、複雑な構造と豊かなハーモニーが特徴です。

3. 音楽スタイル
装飾音: Meruloの音楽には装飾音が多く取り入れられており、演奏者の技術や即興性が試されます。
色彩感: 彼の作品は「Colorata」と名付けられるように、音楽的な色彩感が強調されており、聴く人に鮮やかな印象を与えます。

4. 影響と遺産
後の作曲家への影響: Meruloの音楽は、後のバロック音楽や鍵盤楽器の発展に影響を与えました。彼の技術やスタイルは、後の世代の作曲家たちに受け継がれました。
評価: 彼はその時代の重要な作曲家の一人と見なされており、オルガン音楽の発展に大きく貢献しました。

まとめ
Claudio Meruloは、ルネサンス期のイタリアの作曲家であり、特にオルガン音楽において重要な役割を果たしました。
彼の作品は、対位法や和声の技術を駆使したものであり、音楽的な色彩感や多様性が特徴です。彼の音楽は後の世代に大きな影響を与え、今日でも評価されています。

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クラリネット五重奏 12のヴォランタリーから第7曲
サミュエル・ウェズリー
12 Voluntaries, Op. 6
Wesley, Samuel

編成はCl.4本、Bs.Cl.です。
木管五重奏、サックス五重奏、金管五重奏版は発売中です。
イギリスの格式と感性を味わえる音楽を、ぜひお楽しみください。

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サミュエル・ウェズリー作曲の「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン演奏における重要な作品集の一つです。
1820年に作曲され、1822年に出版されました。全12曲からなり、自由な形式の前奏曲、ファンタジー、フーガなどの形式で作られています。

作品の特徴
ウェズリーの豊かな音楽性と高度な作曲技法が存分に発揮されており、オルガン音楽の様々な可能性を探求した作品集と言えます。
対位法、和声、リズム、音色など、様々な要素を用いて、表現豊かな音楽を作り上げています。
難易度が高く、演奏には高度な技巧と音楽性が要求されますが、同時に大きな音楽的喜びを与えてくれる作品です。

各曲の特徴
12 Voluntaries, Op. 6の各曲は、それぞれ異なる形式で作られており、様々な表情を見せてくれます。

第1曲: 堂々としたフーガ
第2曲: 優美なカノン
第3曲: 力強いト短調の前奏曲
第4曲: 華麗なロンド
第5曲: 哀愁漂うアダージョ
第6曲: 軽快なスケルツォ
第7曲: 荘厳なパッサカリア
第8曲: 明るい変ロ長調の前奏曲
第9曲: 瞑想的なト短調の前奏曲
第10曲: 華麗なフーガ
第11曲: 優美なカプリッチョ
第12曲: 力強いフィナーレ

演奏
「12 Voluntaries, Op. 6」は、多くのオルガニストによって演奏されています。
有名な演奏家には、ピーター・ハーヴェイ、フランク・ヴィーガント、ロビン・ラッセンなどがあります。

録音
「12 Voluntaries, Op. 6」の録音は多数存在します。
近年では、オルガンの新しい録音技術を用いた高音質な録音もリリースされています。

評価
「12 Voluntaries, Op. 6」は、オルガン音楽史における重要な作品として高く評価されています。
その豊かな音楽性、高度な作曲技法、そしてオルガンという楽器の可能性を最大限に引き出した表現力は、
多くのオルガニストや音楽愛好家を魅了し続けています。

日本での演奏
日本でも、多くのオルガニストによって「12 Voluntaries, Op. 6」が演奏されています。
近年では、オルガン演奏コンクールの課題曲としても取り上げられることがあります。

サミュエル・ウェズリー（1766年2月17日 - 1837年4月11日）は、19世紀イギリスのオルガニスト・作曲家です。

ウェズリーはロンドンで生まれ、父親のチャールズ・ウェズリーから音楽教育を受けました。
1789年から1837年まで、ロンドン各地の教会でオルガニストを務めました。

ウェズリーは、オルガン演奏家としてだけでなく、作曲家としても活躍しました。
オルガンのための作品を中心に、アンセム、合唱曲、室内楽など、様々な作品を残しています。

ウェズリーの作品は、豊かな旋律と高度な対位法技法によって特徴付けられます。
また、オルガンの音色を効果的に使った作品も多く、オルガン音楽の発展に大きく貢献しました。

代表作

12 Voluntaries, Op. 6
6 Fugues, Op. 7
Rejoice in the Lord, Op. 39
Watch with Me, Op. 47

同時代の作曲家との比較
1. ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン (Ludwig van Beethoven)
時代背景: 古典派からロマン派への架け橋として位置づけられる。
スタイル: 力強い感情表現や革新的な形式が特徴。特に交響曲やピアノソナタでの革新が際立つ。
ウェスリーとの違い: ベートーヴェンはオーケストラ音楽や器楽曲での影響力が大きいのに対し、
ウェスリーは主にオルガン音楽や宗教音楽に焦点を当てている。

2. フランツ・シューベルト (Franz Schubert)
時代背景: ロマン派の初期に活動し、歌曲や室内楽で知られる。
スタイル: メロディの美しさと感情の深さが特徴。特に歌曲（リート）での表現力が高い。
ウェスリーとの違い: シューベルトは声楽作品に特化しており、オルガン音楽のような器楽的な作品は少ない。
ウェスリーは宗教的なテーマを持つオルガン音楽に特化している。

3. ロベルト・シューマン (Robert Schumann)
時代背景: ロマン派の作曲家で、特にピアノ音楽と歌曲に貢献。
スタイル: 感情的で個人的な表現が強く、音楽の中に詩的な要素を取り入れる。
ウェスリーとの違い: シューマンはピアノ曲や歌曲が中心で、オルガン音楽に特化した作品は少ない。
ウェスリーは教会音楽の伝統を重視している。

4. フェリックス・メンデルスゾーン (Felix Mendelssohn)
時代背景: ロマン派の作曲家で、オーケストラ音楽や宗教音楽でも知られる。
スタイル: 古典的な形式を重視しつつ、ロマン派的な感情を表現。
ウェスリーとの共通点: メンデルスゾーンも宗教音楽に力を入れており、オルガン作品も残しています。
ウェスリーと同じく、宗教的なテーマを持つ作品がある点で共通しています。

このように、サミュエル・ウェスリーは、19世紀初頭の音楽界において独自の位置を占めており、
特にオルガン音楽や宗教音楽に特化しています。
他の作曲家たちは、より広範なジャンルで活動しており、器楽曲や声楽曲において革新をもたらしました。
ウェスリーの作品は、宗教的なテーマやオルガン音楽の伝統を重視している点で、特異な存在と言えます。

ウェズリーは、イギリスのオルガン音楽史において重要な人物として評価されています。
その作品は、現代でも多くのオルガニストによって演奏されています。

日本では、ウェズリーの音楽はあまり知られていませんが、近年その評価が高まりつつあります。
近年では、オルガニストによる演奏会や、CDのリリースなどが行われています。
サミュエル・ウェズリーは、モーツァルトと同時代に活躍し、「イングランドのモーツァルト」と称賛されることもあります。

生い立ちと音楽教育
ウェズリーは、ブリストルで、著名なメソジスト牧師であり賛美歌作曲家であるチャールズ・ウェズリーの息子として生まれました。
祖父は詩人のサミュエル・ウェズリー、伯父はメソジスト教会の創設者であるジョン・ウェズリーです。

幼い頃から音楽的才能を発揮し、6歳でオルガン演奏を始めました。
10代前半にはロンドンに移住し、作曲家兼オルガニストのトマス・アーネスト・アトウッドに師事しました。

音楽活動
ウェズリーは、ロンドン、ブリストル、グラスゴーなどの主要都市でオルガニストとして活躍しました。
また、数多くの合唱曲、オルガン曲、ピアノ曲、室内楽などを作曲しました。

彼の作品は、古典的な形式とロマン派的な感性を融合させた独自のスタイルで知られています。
特に、オルガン曲には高い評価を得ており、今日でも演奏され続けています。

ウェズリーとモーツァルト
ウェズリーは、モーツァルトの音楽を深く愛しており、その影響を強く受けています。
彼の作品には、モーツァルトの音楽に通じるメロディーの美しさや形式的な完成度が見られます。
また、ウェズリーはモーツァルトのピアノソナタの編曲なども行っています。

晩年
ウェズリーは晩年、精神的な病気を患い、音楽活動から遠ざかりました。
1837年、ロンドンで61歳で亡くなりました。

ウェズリーの音楽的遺産
ウェズリーは、イギリス音楽史における重要な人物であり、その作品は今日でも高く評価されています。
特に、オルガン音楽は、イギリスのオルガン演奏の伝統に大きな影響を与えました。

ヴォランタリー（Voluntary）は、オルガン演奏における自由な形式の作品です。
特定の礼拝の儀式に関連付けられることなく、演奏者の任意で演奏されるのが一般的です。

ヴォランタリーの起源は16世紀イングランドに遡ります。当初は、礼拝の開始前や終了後に演奏される短い即興演奏でした。
その後、徐々に形式化され、作曲されたヴォランタリーも登場するようになりました。

ヴォランタリーには、特定の形式はありません。
前奏曲、フーガ、ファンタジー、コラール前奏曲など、様々な形式の作品がヴォランタリーとして演奏されます。

ヴォランタリーは、オルガニストの技量を披露する場としてだけでなく、礼拝堂の雰囲気を盛り上げたり、
聴衆の祈りを深めたりする役割も担っています。

代表的な作曲家

ヴォランタリーを代表する作曲家には、以下のような人物がいます。
ディートリヒ・ブクステフーデ：ドイツのバロック時代の作曲家。華やかで技巧的なヴォランタリーで知られています。
ヨハン・セバスチャン・バッハ：ドイツのバロック時代の作曲家。深みのある音楽性と高度な作曲技法を駆使したヴォランタリーを残しています。
ウィリアム・ボイス：イギリスのバロック時代の作曲家。優美で洗練されたヴォランタリーで知られています。
フェリックス・メンデルスゾーン：ドイツのロマン派時代の作曲家。ドラマティックで表現豊かなヴォランタリーを残しています。
シャルル＝ヴィドール：フランスのロマン派時代の作曲家。瞑想的で詩情豊かなヴォランタリーで知られています。

現代におけるヴォランタリー
現代でも、多くの作曲家がヴォランタリーを作曲しています。
また、オルガニストによる即興演奏も盛んに行われています。

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金管四重奏 オペラ『カルメン』から「ハバネラ」
ジョルジュ・ビゼー
Habanera from Carmen
Georges Bizet

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
サックス四重奏、木管四重奏、クラリネット四重奏、鍵盤打楽器三重奏版は発売中です。

キューバのダンス音楽「ハバネラ」に基づいた感情豊かなビゼーの魅力をぜひ味わってください。

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参考音源
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作曲者: Georges Bizet
作品名: Habanera
出典: オペラ『カルメン』
初演: 1875年

Habaneraについて
「ハバネラ　Habanera」は、ジョルジュ・ビゼー（Georges Bizet, 1838-1875）作曲のオペラ『カルメン（Carmen）』の第一幕で歌われる曲です。
冒頭の歌詞から「恋は野の鳥　L’amour est un oiseau rebelle」とも呼ばれています。

『カルメン』は、フランスの作家プロスペル・メリメの小説をもとに、ビゼーが作曲した4幕のオペラです。
歌の間をセリフでつないでいくオペラ・コミック様式で書かれています。
スペインが舞台ですが、フランス語で書かれており、フランスオペラの代表作と評価されています。

しかし、1875年3月3日にパリのオペラ・コミック座で初演されたときは、スキャンダラスな内容だったせいか不評に終わりました。
初演から3カ月後、ビゼーは急死してしまいます。そこで、ビゼーの友人である作曲家のエルネスト・ギローが改作を担当し、ウィーン公演では大成功を収めました。

「ハバネラ　Habanera」は、第一幕のカルメンが登場するときに歌われます。曲を聴けば「聴いたことがある！」と思う人も多いでしょう。
第二幕でエスカミーリョが歌う「闘牛士の歌」と並んで有名な曲です。

そもそも「ハバネラ」とは、19世紀のキューバで起こった舞曲のこと。キューバの首都ハバナにちなんで名付けられました。
ゆったりとした4分の2拍子のリズムであることが特徴です。

1. 背景
Georges Bizet: フランスの作曲家で、特にオペラ『カルメン』で知られています。彼の作品は、印象主義やロマン派音楽の影響を受けています。
Habanera: この曲はオペラ『カルメン』の中のアリアで、主人公カルメンが歌う非常に有名な楽曲です。

2. 音楽的特徴
スタイル: Habaneraはキューバのダンス音楽「ハバネラ」に基づいており、独特のリズムとメロディーが特徴です。
リズム: 2拍子のリズムに乗せて、ゆったりとしたテンポで進行します。リズムの特徴が曲全体に情熱的な雰囲気を与えています。
メロディー: キャッチーで魅力的なメロディーが展開され、聴く人を引き込む力があります。

3. 歌詞のテーマ
内容: 歌詞では、愛や自由、情熱について歌われています。カルメンは、愛の儚さや自由な精神を表現し、聴衆に強い印象を与えます。

4. 文化的影響
オペラの名曲: Habaneraはオペラの中でも特に有名なアリアの一つで、多くの歌手によって演奏されています。
ジャンルの融合: この曲は、フランスのオペラとキューバの音楽スタイルを融合させた例としても評価されています。

まとめ
Georges Bizetの「Habanera」は、オペラ『カルメン』の中で非常に重要な役割を果たすアリアです。
情熱的なメロディーとリズミカルなスタイルが特徴で、愛や自由についての深いテーマを持っています。
この曲は、オペラ界の名曲として今もなお広く演奏されています。

オペラ『カルメン』
1. ハバネラ歌詞のテーマ
愛の自由: カルメンは、愛は自由であり、束縛されるものではないと歌います。
彼女は愛の儚さや変わりやすさを強調し、愛がどのように人を魅了し、また去っていくかを表現します。
情熱的な性格: カルメンのキャラクターは、情熱的で自由を求める女性として描かれています。彼女は自分の感情に素直であり、愛に対する態度を率直に語ります。

2. 主なメッセージ
「愛は自由なもの」: カルメンは、愛は強制されるものではなく、自分の意志で選ぶものであると強調します。この考え方は、彼女の自由な精神を象徴しています。
愛の儚さ: 愛は美しいが、同時に儚いものであることを認識しており、そのために愛を楽しむべきだと歌います。
まとめ
Habaneraでカルメンが歌う内容は、愛の自由さや情熱、そして愛の儚さについてです。
彼女の歌は、聴衆に強い印象を与え、彼女のキャラクターを象徴する重要な要素となっています。

『カルメン』の物語は、1820年頃のスペインのセビリアが舞台。

タバコ工場で働くジプシーの女カルメンは、歌で男たちを魅了します。
竜騎兵伍長のドン・ホセは、ミカエラという母親の決めたフィアンセがいるにもかかわらず、美しいカルメンに挑発されて、破滅への一途をたどります。
捕らえられたカルメンを逃がした罪で、投獄されてしまったのです。

しかし、カルメンは、ホセの投獄中に出会った闘牛士のエスカミーリョに心変わりしてしまいました。嫉妬の炎を燃やすホセ。

危篤の母のために一度は故郷に戻ったホセでしたが、再びカルメンの前に現れ、復縁を迫ります。
カルメンは「エスカミーリョを愛している」と言い放ち、ホセからもらった指輪を投げつけて拒絶します。
すると、逆上したホセは、カルメンを刺し殺してしまうのでした。

「ハバネラ Habanera」原曲歌詞と日本語訳

L’amour est un oiseau rebelle
Que nul ne peut apprivoiser,
Et c’est bien en vain qu’on l’appelle,
S’il lui convient de refuser.
Rien n’y fait, menace ou priere,
L’un parle bien, l’autre se tait;
Et c’est l’autre que je prefere.
Il n’a rien dit, mais il me plait
L’amour (× 4)

恋は野の鳥
誰にも手なずけられないの
呼んでもムダよ
どうせ断られるのだから
脅されてもお願いされてもどうにもならないわ
おしゃべりと無口なら
私は無口なほうが好き
何も言わなくても、それでいいの
それが恋！恋なの！
それが恋！恋なの！

*L’amour est enfant de boheme,
Il n’a jamais, jamais, connu de loi:
Si tu ne m’aimes pas, je t’aime;
Et si je t’aime, prends garde a toi!
Si tu ne m’aimes pas, si tu ne m’aimes pas, je t’aime!
Prends garde a toi!
Mais si je t’aime, si je t’aime, prends garde a toi!

＊恋はジプシーの申し子
ルールなんて知らないの
たとえ想われていなくても、私はあなたに恋している
でも私に想われたのなら、どうか気をつけてね
たとえ好きになってもらえなくても、どんなに想われなくても、
私はあなたに恋している
だから気をつけてね
私に想われたのなら、もし私が恋したら、どうか気をつけてね

＊くりかえし

L’oiseau que tu croyais surprendre
Battit de l’aile et s’envola;
L’amour est loin, tu peux l’attendre;
Tu ne l’attends plus, il est la!
Tout autour de toi, vite, vite,
Il vient, s’en va, puis il revient,
Tu crois le tenir, il t’evite,
Tu crois l’eviter, il te tient!
L’amour (× 4)

捕まえたと思っても
鳥は翼をはばたかせて、飛び去ってしまう
恋が遠くにあると、あなたは待っているのかもしれないけれど
もう待たなくていいのよ、恋はここにあるのだから！
あなたのまわりを、くるくると素早く
来たかと思えば行ってしまい、そしてまた戻ってくる
捕まえたはずなのに、逃げていき
逃げたと思えば、あなたを捕まえている
それが恋！恋なの！
それが恋！恋なの！

＊くりかえし

アトリエ・アニマート
https://animato-jp.net/

木管八重奏 二つの4声による10のパッサメッツェ
ヨハネス・シュルツ
Johannes Schultz
Zwo-Chorige Passametzen.

編成はFl.2本、Ob.2本、Cl.2本、Bsn.2本です。
クラリネット八重奏版、サックス八重奏版、金管八重奏版は発売中です。
コンサートのオープニングに何度でも使える1分あまりのファンファーレが10曲セットになっています。
それぞれの版は調性の互換がありますので、左右で配置する楽器群や
楽器群の中で混在させて演奏していただけます。

Prima Variatio(第1曲)
Secunda Variatio(第2曲)
Tertia Variatio(第3曲)
Quarta Variatio(第4曲)
Quinta Variatio(第5曲)
Sexta Variatio(第6曲)
Septima Variatio(第7曲)
Octava Variatio(第8曲)
Nona Variatio(第9曲)
Decima Variatio(第10曲)

イタリアのG.ガブリエリ以前にドイツで開花していた、
対をなす楽器群による華麗な響きをぜひ演奏表現してください。
コンサートやコンテストピースに、ぜひどうぞ。

youtu.be
楽譜をお求めの際はこちらからお願いします。

https://animato.official.ec/

参考音源
https://youtu.be/9Cd7Ia2EsRI

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3
https://animato-jp.net/rec-band/gakufu.html

「40 Neuwe auserlesene schone liebliche Paduanen, 8声 Intraden und Galliard」は、
16世紀の音楽家ヨハネス・シュルツ（Johannes Schultz）によって作曲された作品です。
この作品は、当時の音楽スタイルや文化的背景を理解するための重要な資料となっています。

1. 背景
ヨハネス・シュルツは、ルネサンス期のドイツの作曲家であり、特に器楽音楽や室内楽の分野で知られています。
この時期、音楽は宗教的なものから世俗的なものへと移行し、多様なスタイルが発展しました。
シュルツの作品もこの流れを反映しており、彼は特にダンス音楽や器楽曲に力を入れていました。

2. 構成
「40 Neuwe auserlesene schone liebliche Paduanen」は、パドワン（Pavane）と呼ばれる舞曲を中心に構成されています。
パドワンは、ゆったりとした4拍子の舞曲で、通常は優雅で洗練された雰囲気を持っています。
シュルツはこのスタイルを巧みに取り入れ、40曲のパドワンを作曲しました。

また、作品には「8声 Intraden」と「Galliard」が含まれています。
インターデン（Intraden）は、舞踏会や演奏会の際に最初に演奏される前奏曲で、しばしばダンスの導入として機能します。
ガリアード（Galliard）は、より速いテンポの3拍子の舞曲で、活気に満ちたリズムが特徴です。
このように、シュルツは異なるスタイルの舞曲を組み合わせることで、聴衆に多様な音楽体験を提供しました。

3. 音楽的特徴
シュルツの音楽は、メロディの美しさと和声の豊かさが際立っています。
彼は旋律的な要素を重視し、シンプルでありながらも印象的なメロディラインを作り出しました。
また、和声の進行は、当時の音楽理論に基づき、調和のとれたものとなっています。

4. 影響と重要性
「40 Neuwe auserlesene schone liebliche Paduanen」は、シュルツの代表作の一つであり、彼の音楽スタイルを知る上で欠かせない作品です。
この作品は、ルネサンス音楽の発展に寄与し、後のバロック音楽への橋渡しともなりました。
また、シュルツの影響を受けた作曲家たちが多く存在し、彼のスタイルは後の世代に受け継がれています。

5. 現代における評価
今日でも、シュルツの作品は演奏会や音楽教育の場で取り上げられています。
特に、ルネサンス音楽を専門とするアンサンブルやオーケストラにおいて、彼の舞曲は人気があります。
演奏者たちは、シュルツの音楽を通じて、当時の文化や社会を感じ取ることができると同時に、彼の音楽的美学を体現することが求められます。

結論
「40 Neuwe auserlesene schone liebliche Paduanen、8声 Intraden und Galliard」は、
ヨハネス・シュルツの音楽の魅力を余すところなく伝える作品です。
彼の音楽は、ルネサンス期のダンス音楽の精髄を示しており、聴く人々に深い感動を与えます。
シュルツの作品を通じて、私たちは過去の音楽文化を理解し、楽しむことができるのです。

●「zwo-chorige Passametzen」は、シュルツの作品に含まれる重要な音楽形式の一つです。

1. パッサメッツェの概要
パッサメッツェ（Passamezzo）は、ルネサンス期の舞曲の一種で、通常は4拍子で演奏されます。
このスタイルは、特にイタリアで人気があり、後に他の国々にも広まりました。
パッサメッツェは、優雅でリズミカルなダンス音楽として、多くの作曲家によって取り入れられました。

2. 二つの4声形式
「zwo-chorige」という表現は、二つの合唱（または声部）からなることを意味します。
この形式は、対位法的な要素を強調し、異なる声部が互いに絡み合うことで、豊かな音楽的テクスチャを生み出します。
シュルツはこの形式を用いることで、メロディの対話を楽しむことができ、聴衆に対して深い印象を与えることを意図しました。

3. 音楽的特徴
パッサメッツェは、通常、明るく軽快なリズムを持ち、ダンスの際に演奏されることが多いです。
シュルツの「zwo-chorige Passametzen」では、以下のような特徴が見られます。

メロディの対話: 二つの声部が交互にメロディを歌い上げることで、音楽に動きと活気を与えます。
和声の豊かさ: 各声部の和声進行が巧妙に組み合わさり、全体として調和のとれた音楽を形成します。
リズムの多様性: パッサメッツェのリズムは、ダンスの性質を反映し、聴く人々を引き込む要素となっています。

4. 文化的背景
パッサメッツェは、ルネサンス期の社交ダンスや音楽文化において重要な役割を果たしました。
この時期、音楽は貴族の娯楽や社交の場で重要な位置を占めており、ダンス音楽は特に人気がありました。
シュルツの作品は、当時の文化を反映し、聴衆を楽しませるために工夫されたものです。

5. 現代における評価
「zwo-chorige Passametzen」は、シュルツの作品の中でも特に注目される部分であり、ルネサンス音楽の魅力を体現しています。
現代の演奏家や音楽愛好家にとって、これらの作品は歴史的な価値だけでなく、音楽的な楽しさを提供するものとしても評価されています。

結論
「zwo-chorige Passametzen」は、シュルツの音楽における重要な要素であり、ルネサンス期のダンス音楽の特性を示しています。
二つの4声形式を用いることで、メロディの対話や和声の豊かさを実現し、聴衆に深い感動を与える作品となっています。
このような作品を通じて、私たちは過去の音楽文化を理解し、その魅力を享受することができます。

●ヨハネス・シュルツ（Johannes Schultz）は、16世紀のドイツの作曲家であり、特にルネサンス音楽の分野で重要な存在です。
彼の音楽は、当時の文化や音楽スタイルを反映しており、後の音楽の発展にも影響を与えました。

1. 生涯
シュルツの正確な生年や死年は不明ですが、彼はおそらく1530年代に生まれ、1600年頃まで活動していたと考えられています。
彼はドイツの音楽界で活動し、特に器楽音楽や室内楽の作曲に力を入れていました。
シュルツは、音楽教育を受けた後、教会や宮廷で音楽家としてのキャリアを築いたとされています。

2. 音楽スタイル
シュルツの音楽は、ルネサンス期の特徴を色濃く反映しています。彼の作品には以下のようなスタイル的特徴があります。

ダンス音楽: シュルツは、パドワンやガリアードなどの舞曲を多く作曲しました。これらの舞曲は、当時の社交ダンスで広く演奏され、聴衆に親しまれました。
対位法: 彼は対位法を巧みに用い、複数の声部が絡み合うことで豊かな音楽的テクスチャを生み出しました。
メロディの美しさ: シュルツの作品は、旋律的でありながらもシンプルで、聴き手に親しみやすい印象を与えます。

3. 代表的な作品
シュルツの代表作には、「40 Neuwe auserlesene schone liebliche Paduanen」が含まれます。
この作品は、40曲のパドワンと8声のインターデン、ガリアードから構成されており、彼の音楽スタイルを知る上で重要な資料です。
また、彼の作品は、器楽アンサンブルや合唱の形式で演奏されることが多く、演奏者たちにとっても魅力的なレパートリーとなっています。

4. 影響と重要性
シュルツは、ルネサンス音楽の発展に寄与し、後のバロック音楽への橋渡しを行った作曲家の一人です。
彼の音楽は、多くの後継者に影響を与え、特にダンス音楽のスタイルは、後の時代の作曲家たちにも引き継がれました。

5. 現代における評価
現在でもシュルツの作品は、ルネサンス音楽を専門とするアンサンブルやオーケストラによって演奏されています。
彼の音楽は、歴史的な価値だけでなく、演奏する楽しさや聴く喜びを提供するものとして高く評価されています。

結論
ヨハネス・シュルツは、16世紀のドイツにおける重要な作曲家であり、ルネサンス音楽の発展に寄与した人物です。
彼の作品は、ダンス音楽の精髄を示しており、今日でも多くの演奏者や音楽愛好家に愛されています。
シュルツの音楽を通じて、私たちは過去の音楽文化を理解し、その魅力を享受することができます。

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