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金管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ
Favorito, Tango
エルネスト・ナザレ
Ernesto Julio Nazareth

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
木管四重奏、サックス四重奏版、クラリネット四重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。
「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。

お求めの際はこちらからお願いします。

アトリエ・アニマート・ショップ
https://animato.official.ec/

参考音源
https://youtu.be/phLSlb73b_U

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

Favorito, Tango　ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ
　この作品は娘のMaria de Lourdesに捧げられた曲で1895年に作曲されました。1912年にナザレはこの曲の演奏をCasa Edisonに録音しています。
また後に作詞者不明の歌詞がつけられました。原曲はイ長調、A-B-A-C-A-B-A形式です。同じ旋律が一音ずつ上昇していく単純な仕掛けの曲ですが、
それがわくわくして気分が高揚していくような雰囲気を醸し出しています。Bメロは嬰ヘ短調、Cメロはニ長調に転調します。
2拍子の1拍目最後の16分音符にアクセントをつけて演奏するとタンゴらしく良い演奏になります。

「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。
南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。
ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、
カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。
特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」

エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。
一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。
そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、
残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。
しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。
中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。
早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、
リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。
1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。
最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。
その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、
アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。

長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。
外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。

1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、
客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、
解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。

ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。
ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、
演奏するのに振り当てられました。
そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。
ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。

ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。
また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。
作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう
民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。

ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。
フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。
ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。
その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。

ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。
ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。
しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、
ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。
また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、
リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。
ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、
ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ
「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。

およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。
ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、）
アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。
ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、
そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、
実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。
もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。

最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』
『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。
ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、
さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。

晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。
ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。

作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、
作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、
クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。

アトリエ・アニマート
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木管五重奏 メンデルスゾーン 無言歌集　第2巻 作品30-3「慰め」
Lied ohne Worte, Op.30-3 Consolation
Mendelssohn, Felix

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
金管五重奏版、クラリネット五重奏版、サックス五重奏版は発売中です。

可愛らしくもロマンチックで優美なメロディーを、ぜひお楽しみください。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

『無言歌集 Lieder ohne Worte』は、メンデルスゾーンが生涯にわたって作曲したピアノ独奏のための作品集です。
全8巻からなり、各巻6曲ずつで合計48曲が収められています。
メンデルスゾーンのピアノ作品として最も有名で、しかもロマン派の教材として取り上げられることの多いのが「無言歌集」です。
ワーグナーが「第一級の風景画家」と言ったように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。
この“言葉のない歌曲”、「無言歌」、という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。
歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏することが重要です。

メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。
そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。

《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。
1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を
もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。

標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。
実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。

この第3曲《慰め》は滑らかなアルペッジョに始まって優美な旋律が終始流れます。
原調はホ長調ですが中間部では五度上に転調し、感情の高まりを表現します。
慰めを求める心の安らぎを表現できれば素晴らしい演奏になるでしょう。

第2巻 作品30
出版年代：1835年

1.変ホ長調、アンダンテ・エスプレッシーヴォ　《瞑想》　（作曲年代不明）
2.変ロ短調、アレグロ・ディ・モルト　《安らぎもなく》　（作曲年代不明）
《心配》と呼ばれることもあります。
3.ホ長調、アダージョ・ノン・トロッポ　《慰め》　（作曲年代不明）
カトリック聖歌集第100番「しずかに神と」、讃美歌第30番および讃美歌21・第211番「朝風しずかに吹きて」として教会で歌われています。
4.ロ短調、アジタート・エ・コン・フォコ　《さすらい人》　（1834年1月30日作曲）
《道に迷って》とも呼ばれます。
5.ニ長調、アンダンテ・グラツィオーソ　《小川》　（1833年12月12日作曲）
6.嬰ヘ短調、アレグレット・トランクィロ　『ヴェネツィアの舟歌 第2』　（作曲年代不明）
メンデルスゾーンが自分でつけた『ヴェネツィアの舟歌』の第2番。

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クラリネット四重奏 10の小品 から第8曲「スロバキア民謡」
ベーラ・バルトーク作
曲 Sz. 39 
BB 51

Easy Piano Pieces, BB39
8.Slovakian folksong. Poco andante
Bela Bartok

編成はCl.3本、Bs,Cl.です。
金管四重奏、サックス四重奏、木管四重奏版は発売中です。
このアレンジは基本七重奏で、第5.6.8.10曲のセレクションです。第6.8曲は降版ありの四重奏です。
4曲の通し演奏時間は約7分です。

バルトークによる民俗色豊かな名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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https://youtu.be/iB-QeWuLtOM

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

10の小品 Sz.39, BB.51 （Ten Easy Pieces, Sz. 39, BB 51』は、ハンガリーの作曲家ベーラ・バルトークのピアノのための小品集で、
1908年にブダペストにて作曲されました。

当初は『11のピアノリサイタル小品集』として構想されていましたが、1曲が脱落し、バルトークの『14のバガテル』のバガテルとして使用されました。
しかし、出版社との契約上、11曲を書く必要があったため、番号は付されていないものの、セットを補完する役割を果たしました。
このため、このセットと彼のバガテル群は、和声やリズムのスタイルにおいても、教育的な使命においても、関連性があります。
これらの作品は、バルトークの民族音楽への憧れや、その頃名を馳せていたドビュッシーへの憧れから大きな影響を受けています。
14のバガテルが若いピアニストにとって明らかに難解であるのに対し、このセットは学生にとって簡単な現代音楽の準備として計画されたものです。
このセットは、1年後の1909年にロズナイ・カーロイ社から出版されました。全体の演奏時間はおよそ17分です。
このセットは全部で11曲で構成されていますが、最初の献呈曲には番号が付けられていません。楽章リストは以下の通り。

0.Dedication 献呈
1.Peasant song. Allegro moderato 農民の歌
2.Frustration. Lento フラストレーション
3.Slovakian boys' dance. Allegro スロバキア少年の踊り
4.Sostenuto. ソステヌート

5.Evening in Transylvania. Lento, rubato トランシルヴァニアの夕べ
6.Hungarian folksong. Allegretto ハンガリー民謡
7.Dawn. Molto andante 夜明け
8.Slovakian folksong. Poco andante スロバキア民謡
9.Five-finger exercise. Moderato 五本指の運動
10.Bear dance. Allegro vivace 熊の踊り

第8曲「スロバキア民謡」は素朴で哀愁を帯びた民謡が高音部で歌われます。
Poco andanteの指示があり、後半は低音部で再び民謡の旋律が歌われ、静かに曲を閉じます。

バルトークは、五音音階、モード、新しいハーモニー、オスティナートを多用し、すべての曲の演奏時間は1-2分程度です。
全11曲中、民謡を題材にしたのは3曲（3番、6番、8番）だけです。
残りの曲は、民謡風の構成と旋律を用いたピアノのための小品を数多く作っていたバルトークが、全曲を創作したものです。
献呈曲は、彼が最初のヴァイオリン協奏曲を献呈した友人であるヴァイオリニスト、ステフィ・ガイヤーにちなんだ素材を用いている。
この献呈のモチーフは、協奏曲と《2つの肖像》、そして1906年から1908年にかけて書かれた《14のバガテル》の最後にも徹底的に使われました。

このセットは、献呈の、たった4つの音からなるゆっくりとしたモチーフで始まります。
献呈に続いて始まる第1曲は、ユニゾンで奏される非常にシンプルな旋律で、アレグロ・モデラートと記されています。
第2曲は「苦痛のレスリング」と訳され、右手でメロディーを弾きながらオスティナートのベースラインを奏でます。
第3曲は民謡を編曲したものですが、ユニゾンと伴奏の両面で、これまでの作品に見られた要素がすでに出ています。
第4曲は、メロディーを左手と右手の両方で演奏するスローテヌートの曲となっていますが、ユニゾンは行われません。
第5曲は、このセットの中で最も長い曲です。構成は厳密にABABAで、メロディーは右手だけで演奏されます。
第6曲は民謡を編曲したもので、両手でリズムを取ります。
第7番は、あらかじめ設定された民謡を中心にメロディが展開される第6番とは対照的に、ハーモニーが絶えずぶつかり合う3分の1のメロディが展開されます。
第8曲は、やはり民謡の旋律を用いたテヌート的な作品です。
そして、9曲目は5本の指で音階を練習するための習作です。
最後に第10曲は、よく知られたメロディにベースラインの跳躍音を添えたものです。

バルトークは1929年11月20日に第5番と第10番を演奏して録音したことが知られていますが、残りの曲を自分で演奏して録音したことがあるかどうかは不明です。
教育的な目的で使用される楽曲を丸ごと録音することは、長時間の録音には費用がかかるため、当時は珍しいことでした。

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Solo+サックス五重奏　交響的断章 作品88／アレクサンドル・ギルマン
Morceau Symphonique Op.88
Alexandre Guilmant

編成はSoloおよびソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏、クラリネット五重奏、木管五重奏版は発売中です。
SoloはTbn.、Eup.またはBsn.に対応しています。

低音楽器による独奏のためのフランス.ロマン派音楽を、お楽しみください。

お求めの際はこちらからお願いします。

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参考音源
https://youtu.be/ol0j6J4REk0

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

この作品はトロンボーンとオルガンのために書かれた彼の作品の中では珍しい編成の曲です。
この曲は序奏の重々しい響きに導かれ、独奏が優しく叙情的な旋律を奏でて始まります。
一転してアンサンブルが軽快な旋律を奏でると、独奏も力強く旋律を奏で、穏やかな部分と力強い部分を交互に見せていきます。
独奏のカデンツァがしばらく続いたあと、アンサンブルの軽快な響きに続き独奏が絡んでいきます。
お互い掛け合いながら曲は進行していき、独奏がコラール的な旋律を奏でたあと、最後は華麗さをみせつつ盛り上がって力強く終わります。
ソロはトロンボーンまたはユーフォニアムのほかファゴット（バスーン）でも演奏できます。

アレクサンドル・ギルマン - Alexandre Guilmant (1837-1911)は、フランスのオルガニスト・作曲家です。
彼は、コンサート・オルガン奏者として国際的な名声を博していました。30年間パリのトリニテ寺院のオルガニストを務め、
ウィドールの後任としてパリ・コンセルヴァトワールのオルガン科教授に就任しました。弟子にはマルセル・デュプレがいます。
ギルマンの名は、ウィドールと並んで、フランスのオルガン交響曲の発展に大きく寄与しました。
彼は同世代のオルガン音楽の第一人者であり、多くのオリジナル曲や初期のオルガン曲の編曲を提供しました。

彼は父親の手ほどきを受けた後、ベルギー人のジャック＝ニコラ・レメンスに師事し、郷里でオルガン奏者と音楽教師を務めました。
1871年にパリの聖トリニテ教会(後のオリヴィエ・メシアンがオルガニストを務めたことでも知られる)のオルガニストに任命されました。
1878年以降は旧トロカデロ宮でコンサートを開くなど、ヴィルトゥオーソとしての道を歩み、ヨーロッパの各地で演奏旅行を行い、
オルガン音楽のレパートリー拡大と普及に尽力しました。 また、後にアメリカでも演奏旅行を実現させ、フランス人で初めてアメリカで演奏会を行った
作曲家として認められる様になりました。
1894年にシャルル・ボルド（フランス語版）やヴァンサン・ダンディと共同でパリ・スコラ・カントルムを設立。
1897年にはシャルル＝マリー・ヴィドールの後任として、パリ音楽院オルガン科教授に就任。門下にはマルセル・デュプレなどがいます。 
1909年に最愛の妻が亡くなると、自身も病に冒され、1911年に亡くなりました。 
アンドレ・ピロと共同で『オルガンの巨匠の書庫Archives des Maitres de l'Orgue 』を刊行、フランスの古典的なオルガン音楽が、
1894年から1914年にかけて10巻にわたって出版された。外国の古典的なオルガン音楽については、同じような曲集
『オルガン楽派の古典 l'Ecole classique de l'Orgue 』を出版しました。
主な作品
自分の楽器であるオルガンのための作品が多く残っています。 その他のジャンルにおける作品は演奏機会が稀ですが、2曲のオルガン付き交響曲をはじめ、
作品は充実した和声語法、堅固で保守的な形式を備えています。この曲「交響的断章」は、トロンボーンの主要レパートリーとして今では定着しています。

バイオグラフィー
ギルマンはムードンで生まれました。最初は父親、後にベルギーの巨匠ジャック・ニコラ・レメンスの学生であり、彼は生まれ故郷でオルガニストと教師になりました。
1871年に彼はパリのラトリニテ教会で定期的にオルガンを演奏するように任命され、この役職を30年間務めました。
ギルマンは、コンサートと教会の両方での即興演奏で知られていました。彼のインスピレーションはグレゴリオ聖歌から来ました、そして
彼はメロディーの彼の習得のために彼の同僚の間で大いに注目されました。それ以来、ギルマンは名人としてのキャリアをたどりました。
彼はアメリカ（その国をツアーした最初の主要なフランスのオルガニスト）、カナダ、そしてヨーロッパでコンサートを行い、特にイギリスを頻繁に訪れました。
彼のアメリカでの業績には、現在フィラデルフィアのワナメーカーオルガンの中核として保存されている世界最大のオルガンであるセントルイス万国博覧会での
40回以上のリサイタルの1904シリーズが含まれていました。
ギルマンは、彼の若い同僚であるアンドレピロとともに、1750年以前のフランスの多数の作曲家の作曲をまとめたスコアのコレクション、
ArchivesdesMaitresdel'Orgue（オルガンの巨匠のアーカイブ）を出版しました。コレクションは10巻で印刷され、最初は1898年、最後は1914年に印刷されました。
ギルマンは外国の作曲家によるオルガン作品のかなり類似した調査を提供し、l'EcoleClassiquedel'Orgue（オルガンの古典派）。
これらのアンソロジーは、ギルマン自身の時代から起こったすべての音楽学的発展にもかかわらず、古楽の非常に貴重な情報源であり続けています。
1894年、ギルマンはシャルル・ボルドとヴァンサン・ダンディとともにスコラ・カントルムを設立しました。
彼は1911年にパリ近郊のムードンにある自宅で死ぬまでそこで教えました。
さらに、1896年にシャルル・マリー・ウィドールをオルガン教師として引き継いだパリ国立高等音楽院で教えました。
教師として、ギルマント彼の優しさと細部へのこだわりで有名でした。彼の生徒たちの回想は、攻撃、解放、性格など、
メモのすべての側面に特に焦点を当てた説明を特徴としています。マルセル・デュプレは彼の多くの学生の中で最も有名でした。
その他にはオギュスタン・バリエ、ジョセフ・アーサー・ベルニエ、ジョゼフ・ボンネット、アレクサンドル・ウジェーヌ・セリエ、アベル・ドゥコー、
ガブリエル・デュポン、チャールズ・ヘンリー・ギャロウェイ、フィリップ・ヘイル、エドガーHenrichsen、エドゥーアード・ミナン、
およびエイミール・ポイロットがいます。
マルセル・デュプレに対するギルマンの関心は、マルセル・デュプレが子供の頃に始まりました。有名なマルセルの父であるアルバート・デュプレは、
息子が生まれる前の7年間、ギルマンにオルガンを学びました。デュプレの回想録には、ギルマンが生まれたときに母親を訪ね、
子供がオルガン奏者になることを宣言するという逸話が含まれています。幼少期を通して頻繁に訪れた後、マルセルデュプレは、
11歳で正式にギルマンに師事し始めました。この時から彼の死まで、ギルマンは若い巨匠を擁護し、彼のキャリアを前進させるために多くのことをしました。

クラレンス・エディとアレクサンドル・ギルマン、1898年
ギルマンは、熟練した非常に多作な作曲家でした。すべての主要なジャンルで大量の音楽を制作したウィドールとは異なり、
ギルマンはほぼ完全に自分の楽器であるオルガンの作品に専念していました。彼のオルガンの作品には次のものが含まれます。
「実用的なオルガニスト」、12冊の本で出版されました。18の「新しい部品」; と「L'Organisteliturgique」、10冊の本で出版されました。
ギルマンの8つのソナタは、ラトリニテのカヴァイレコルオルガンを念頭に置いて考案されたため、スタイルと形式がシンフォニックであり、
セザールフランクのシンフォニックオルガン作品やシャルルマリーウィドールのオルガン交響曲と並んでいます。
オルガンとオーケストラのためのソナタ第1番/交響曲第1番、作品42は、1930年代にセルゲイ・クーセビツキーによってプログラムされましたが、
イゴール・ブケトフがバトラー大学オーケストラとの1977年のライブ録音のためにそれを復活させるまで再び聞こえませんでした。
数は少ないですが、オルガン以外の楽器の作品も完全に無視されていません。この曲、シンフォニックピース(交響的断章 作品88)は、
最も頻繁に演奏されるトロンボーンソロのひとつであり、プロと上級生の両方のトロンボーン奏者の間で長年の人気を誇っています。

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Solo+金管四重奏+「ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）」 
Doce de coco(coconut candy)
Jacob do Bandolim

編成はソロ楽器、Tp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、ドラムス、マリンバ、エレキベース（チューバ）に加えて
パーカッション（Trigl.、Wood Block or Cowbell、Timbalesの3名）で総勢11名です。
エレキベースはチューバに変更可能でパート譜は同梱しています。

同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、
in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、
in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、
in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、
　Tubaは1オクターブ下げて演奏可能です。
in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、
in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。
多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め5種類から選ぶことができます。
クラリネット四重奏版、サックス四重奏版、木管四重奏版、鍵盤打楽器二重奏版は発売中です。

陽気なブラジルの名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

お求めの際はこちらからお願いします。

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参考音源
https://youtu.be/l3Shaj5cuzc

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

Doce de cocoは「ココナッツの実で作った甘いお菓子」「ココナッツキャンディー」のほか「御しやすい人」という
意味もあります。

ジャコー・ド・バンドリンは、このスタイルと深い関わりを持ったショーロ・ミュージシャンです。そのこだわりは、このスタイルにしかない
録音や作品を数多く含む個人的なアーカイブを大切にしたことにも表れています。伝記作家のErmelinda Paz（1997）は、
その著書「Jacob do Bandolim」の中でこのことに言及しています。

ジャコーは、ブラジルの文化的ルーツを守ることに強い関心を持つ本格的な音楽家として、音楽界にその地位を確立しました。
この関心から、忘れがたい作曲者が生まれ、結晶化したのです。

著者の言葉からは、ジャコーのこだわりだけでなく、彼の作品に繰り返し登場するブラジル文化への関心にも気づくことができます。
ジャコーは、MIS（Museu da Imagem e do Som）で記録されたインタビューの中で、ショーロを感情表現として定義しています。

ショーロには刷り込まれた感覚があり、そこには正確なオマージュがある。ヨーロッパで生まれたポルカから、ダンサブルで転調の多い、ショーロが生まれました。
ショーロはポルカとして知られ続け、最古の印刷物や記録の中にchoroという言葉を見つける人はいません、それらはすべてポルカでした。
演奏は聞いた人を感動させ、人々を泣かせるためにショーロ・ソングと呼ばれていました。

このスピーチの中で、ジャコーは、ショーロが密接に関係しているテーマ、つまりブラジル文化や、それが植民地・帝国ブラジルの歴史と直接的に
関係していることへの関心も示しています。ここでいう3つの悲しい人種とは、ポルトガルの植民地支配者、インド人、黒人奴隷の人種を指します。
ジルベルト・フレイレは、その名著『カサ・グランデ・エ・センザラ』の中で、そのような議論を展開しています。
おそらく、ジャコーの言葉から、彼はブラジルのポピュラー音楽の保存だけでなく、ブラジル文化全体の保存に関心を持ち、ブラジルの過去がどんなに良くても
悪くても、彼の音楽が聴く人をどこか別の瞬間に運んでくれるのではないかと考えたのです。

ショーロ・ドーセ・デ・ココ（ココナッツキャンディー）

ジャコー・ド・バンドリンとショーロというジャンルとの関係や、この作曲家がブラジル文化に与えた重要性がよくわかったので、
ドーセ・デ・ココという作曲も理解できると思います。聴いてみると、作曲者自身が昔のショーロについて述べているように、このショーロは悲壮感を持って
演奏されているのではないことがすぐにわかります。それとはまったく逆に、楽しい感覚をもたらすのが音楽です。
この矛盾を理解するために、MIS（Museu da Imagem e do Som）にあるジャコーのインタビューに再び戻ってみると、ジャコーがショーロの偉大な人物だと考える
ピシンギーニャの重要性について語っている箇所があります。

ショーロは本当に、ピシンギーニャと素晴らしい功績をあげました。ピシンギーニャは、ショーロにリズムを与えました。それまでのショーロは、泣くための歌、
人を泣かせるための歌の集まりとされてました。

この曲のもう一つの特徴は、両パートがト長調の2部形式で構成されていることです。ショーロは伝統的に3部形式で作曲され、そのパートは通常、
最初のパートがある調で、2番目のパートが最初のパートと相対する調に行き、最後のパートが最初のパートと同じ調で逆のモード
（つまり、最初のパートがト長調ならト短調に、その逆）になるように構成されれています。ジャコーが選んだ2部形式について、彼がピシンギーニャに言及した、
同じく2部形式の曲『Ingenuo』について、ジャコーも熟知しています。

メロディの美しさ，ハーモニーの美しさ、リズム感、たった2つのパートしかないのに転調がうまくつながっていること、それが一般的なショーロから抜け出ている
唯一の点です。

このインタビューの中で、ジャコーは伝統を守ることにこだわりながらも、ピシンギーニャが2つのパートしかない曲を作曲したことについては、何の不安も感じていないのです。
さらに、メロディとハーモニーの美しさ、転調のうまさなどを評価しています。ドーセ・デ・ココでも、そのような性質、特に予期せぬ転調を作曲者は探求し、
それは彼が大切にし、バックヤードのショーロ文化の一部であると語っています。

今回取り上げた曲では、18小節目のト長調からト短調への変化、46小節目のト長調からロ長調への変化、51小節目のト長調そのものへの回帰など、
ショーロの伝統的な転調のなかにも意外なものが見受けられます。このような転調は、パート間の和声経路を考慮すると、
ショーロでは珍しいことです。また、AパートからBパートへの変化に転調がないのも意外で、このような特徴を持つ珍しいショーロです。

ドーセ・デ・ココでは、意外な転調もありますが、旋律のシンコペーション、7分音符を含むドミナント・コードを除いた3和音の多用、2/4拍子など、
伝統的な特徴が維持されていることも特筆すべき点です。

また、特に注目すべき特徴は、作品のタイトルです。ジャコーが「ドーセ・デ・ココ（ココナッツ・キャンディー）」と名づけたとき、まず期待できるのは、
陽気で楽しいショーロであることです。この期待を裏切ることはありません。
しかし、作者が音楽に与えたい本当の意味を理解するためには、このお菓子の意味を深く掘り下げる必要があります。

ドーセ・デ・ココは、サボンゴまたはサンボンゴとも呼ばれ、その起源は植民地時代の奴隷制国家ブラジルで、白人のプランテーション所有者と所有者に代わって土地を耕す
アフリカ系黒人奴隷が2大社会圏となっていたことにあります。

ここで、植民地時代のブラジルにおけるサトウキビの関連性について触れてみます。サトウキビは、徹底的に搾取され、ポルトガルへ大規模に輸出されました。
この製品は、ヨーロッパ列強の重商主義的搾取のために経済的利益と肥沃な土地という意味で、ブラジルを象徴しているのです。
また、新大陸の人々の不安定な食生活も象徴しています。

赤身肉や卵、牛乳などの動物性食品を食用に提供する工場はまれｄふぇした。ブラジル人の多くは栄養失調で暮らしていました。赤痢や栄養失調になるケースは、
不安定な食生活を送っていたかつてのこのブラジルでは珍しいことではありませんでした。この時代をよりよく理解するために、
『Acucar: Uma Sociologia do Doce』（砂糖：甘い社会学）（1987年）からの抜粋に目を向けてみます。

植民地時代から、マーマレード、カシューナッツ、グアバが大邸宅の大きなお菓子となりました。シナモン入りの焼きバナナや揚げバナナは、家長の家で最も尊敬されている
デザートの一つで、マンジョク粉入り蜂蜜、カラ入り、マカシェイラ入り、サボンゴ（製粉所の蜂蜜入りココナッツ飴）、グリーンココナッツ飴、後にはチーズ入り飴に続く、
ブラジルらしい美味しい組み合わせです。

この記述の中で、フレイレはココナッツキャンディーなどのお菓子を用いて、植民地時代のブラジルのプランテーションハウスにおける過去の出来事を描写しています。
ここで興味深いのは、ジャコー・ド・バンドリンが、ブラジルの歴史を守るための作曲家であり、楽器奏者であったことです。ジャコーはこのキャンディーを
音楽のタイトルにすることで、リスナーに共感覚的に感じてほしい聴覚的な感覚（耳に運ばれるココナッツキャンディーの味）を描写しているだけでなく、
文字通りの体験が不可能な過去の歴史をリスナーの中で追体験してほしいからなのです。芸術の領域以外では決して再現されることのない歴史的な瞬間を、
音楽で蘇らせた例をここに見ることができるのです。

おそらく、ジャコーは知らず知らずのうちに、彼の音楽の中に、記憶に残るメロディーや独創的なコード配列、それ自体が美しいだけでなく、
過去のブラジルへの通路を提供することができたのでしょう。20世紀のジャコーが住んでいたブラジルと同じように、植民地時代のブラジルもまた、階級間の経済格差が大きく、
生産手段を支配できる者は少なかったのです。また、衛生、健康、教育、インフラの問題があり、貧しいブラジルでありました。

それでも作曲者は、砂糖をベースに作られた甘い食べ物、この過ぎ去った時代の象徴的な産物を見つけ、聴く者を過去のブラジルへといざなうのです。

例えば、3-6小節の最初のフレーズでは、旋律が繰り返され、その直後に1音高くなって聴こえます。そして、このフレーズは19-22小節目に短調で再び登場します。
Bでも同様だが、最初のフレーズが終わった直後、正確に繰り返されます。Bでは、61小節目にメロディーのクライマックスがあり、作曲の最高音が出てきます。

また、ハーモニックな面では、ジャコーはショーロでは珍しい転調のある作品や、パートチェンジで転調をしない作品など、これも珍しい特徴を持っています。
これらの重要な配慮とは別に、ジャコーはショーロによくあるコード進行、シンコペーションの効いたメロディ・フレーズを使い、ベースラインは一般に半音階的な方向、
または4分の1のサイクルに沿っています。

音楽的な分析という技術的な意味以外にも、ジャコーとショーロの関係には感情的な再現性が見いだされます。ブラジルの伝統的なお菓子の名前を曲名に使うのは
初めてではないし（チョロ「ペ・デ・モレケ」もある）、ブラジルの伝統と密接に結びついたもの（サッカー選手ガリンチャを描いた「ジンガ・ド・マネ」）でもありません。
彼のインタビューも、かつてのブラジルや昔のショーロのミュージシャンについてなど、常にノスタルジーを持っています。
この音楽家が、ブラジル音楽の美学的変化に貢献しながらも、常に伝統的なショーロに同調し、大規模な音楽シーンの変化に抵抗したのは当然といえば当然です。

ジャコーはショーロの中心人物であり、その影響は今日でもコンサートや演奏会で感じることができます。この世俗的な音楽を、ブラジルの伝統として、
過去のブラジルに私たちを連れて行くことができる楽器スタイルとして、しかし今日のブラジルに挿入されることを止めずに維持するために、
この人の重要性を今日私たちはよりよく理解することができるかもしれません。

アトリエ・アニマート
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木管五重奏「来たり給え、創造主なる聖霊よ」 BWV 667
J.S. バッハ：「18コラール」より
J.S. Bach: Chorale "Komm, Gott, Schopfer, heiliger Geist," BWV 667
 from "18 Chorales"

編成はFl.、Ob.、Cl.、Bs.Cl.、Bsn.です。
金管五重奏、クラリネット五重奏、サックス五重奏版は発売中です。

Bach傑出したコラールで、深く心を揺さぶる音楽の見事な技をお楽しみください。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

「Komm, Gott Schopfer, Heiliger Geist」（「来れ、創造主なる神、聖霊よ」）は、ルーテル派の聖霊降臨祭の賛美歌で、
ラテン語の「Veni Creator Spiritus」に基づいてマルティン・ルターが作詞したものです。7段からなるこの讃美歌は、1524年に初めて出版されました。
讃美歌の曲は、ラテン語の讃美歌の聖歌に由来するZahn 294番と、その旋律を後に変形させたZahn 295番です。
現在のプロテスタント讃美歌集Evangelisches Gesangbuch (EG) の番号は126番です。

ヨハン・セバスティアン・バッハは、この賛美歌のコラール前奏曲を『オルガンビュッシュライン』のBWV631として、また『18番コラール前奏曲集』のBWV667として
作曲しました。讃美歌は翻訳され、いくつかの讃美歌集に曲とともに掲載されています。
この『18コラール前奏曲』のBWV 667はアーノルド・シェーンベルクが1922年に大オーケストラ向けに編曲しました。

「来たり給え、創造主なる聖霊よ」 BWV 667はオルゲルビュッヒラインの若々しい珠玉のコラールに、自在の境地の加筆を加えて、
さらに生き生きとして、輝きにあふれた、神品とも言える姿に昇化させた作品です。

荘厳に響きわたるバッハの重要作品『ライプツィヒ・コラール』
バッハがライプツィヒ時代の1730年代から1740年代にかけて記入した一冊の手稿があります。まず1730年頃に、
6曲のオルガンのためのソナタ（トリオ・ソナタ BWV 525 - 530）を書き込みまし。その際バッハは、これらのソナタを記入するために必要な
およそ倍の用紙を用意し、その残りの部分は、約10年間空白のままでした。そして1739年から1742年の間に、2頁の空白を置いて、
13曲のオルガンのためのコラール作品（BWV 651 - 663）を書き込みました。さらに約5年の間を開けて、
1746年か1747年にさらに2曲（BWV 664 - 665）を書き込みました。そして、1747年から1748年の間に、4頁、2つの見開き頁を開けて、
1747年にミーツラーの「音楽学協会（Sozietat der musikalischen Wssenschaften）」に入会するに際して、印刷して提出した
コラール「高き天より私はやってきた（Vom Himmel hoch da komm ich her）」によるカノン形式の変奏曲（BWV 769）に修正を加えたものを
書き込みました。この記入が終わった頁の残りの部分と、現在は失われてしまった次の頁にわたって、
コラール「私はここに貴方の御座の前に進み出ます（Vor deinen Thron tret ich hiermit）」(BWV 668）が書き込まれています。
15曲のコラールを記入した後の4頁は、娘婿のヨハン・クリストフ・アルトニコルが、おそらくバッハの死後、1751年以降に、
2曲のコラール（BWV 666 - 667）を書き込みました。
　この手稿に記入されたバッハの自筆譜はいずれも浄書体で、作曲のために作製した手稿から書き写したものです。その手稿の状態から、
誰かに贈る目的ではなく、自ら作品を保存するために作製したものと思われます。15曲の自筆のコラール作品とアルトニコルの筆写による2曲には、
いずれもバッハがヴァイマール時代に作曲した原曲が残されていて、あるものは大幅に拡大される一方、長さはそのままで、
細部に手を加えただけのものもあります。手稿の最後に記入された、現在は最初の25小節半だけが残されている
「 私はここに貴方の御座の前に進み出ます（Vor deinen Thron tret ich hiermit）」(BWV 668）は、バッハが死の直前に
「目が見えないので、友人の一人に口述で書き写させた」とされ、フーガの技法の出版譜の最後に収められた
コラール「我々がこの上ない困難にあるとき（Wenn wir in hochsten Noeten, BWV 668a）」と同じ曲です。この曲を手稿に書き込んだのは、
氏名不詳の人物で、実際にこの記入が上の記述にある口述に基づくものかどうかは不明です。このコピストは、1742年頃からバッハの身近にあって、
いくつもの重要な作品の筆写に従事しています。この曲の原曲は、「オルゲルビュッヒライン」の同名のコラール（BWV 641）で、
その点でも他の17曲と同じくヴァイマール時代の作品を原曲とした作品として、これを加えて「18のコラール」とされています。
　バッハが最初の13曲を書き込んだ1739年から1742年という時期は、クラフィーア練習曲集第III部（1739年）が出版された直後に当たります。
このクラヴィーア練習曲集第III部に含まれるコラール曲は、教会における日曜・祝日の礼拝で、教会暦に関係なく演奏される、
ルター派のミサ（キュリエ、グローリア）、信仰告白（クレード）、主の祈りなどのコラールを集めたものです。これに対して主に教会暦によって各日曜・祝日によって
異なる礼拝の主題に従ったコラールに基づく曲を集めたものが、この手稿の18のコラールです。バッハはヴァイマール時代に、オルガニストとしての任務上の必要から、
すべての教会暦の日曜・祝日のためのコラールを集めた作品集を作ろうと考えました。これが今日「オルゲルビュッヒライン」（BWV 599 - 644）と
名付けられている手稿です。この手稿は未完のままに終わりましたが、手稿全体を通じて、書き込むべきコラールの冒頭の歌詞を記入してあります。
「オルゲルビュッヒライン」のコラールは、 間奏なしにコラールの一節を奏する、会衆がコラールを歌う前の前奏のような役割を持っていますが、
「18のコラール」は、長さはまちまちですが、より拡大された作品で、コラールの歌詞の区切りごとに間奏が挿入されていたり、コラールの旋律に装飾が加えられていたり、
様々な様式で、礼拝中の聖餐式の行われる間に演奏されたり、オルガンの試奏などの機会に演奏するための曲と思われます。
　バッハがこれらのコラール作品を出版する意図を持っていたかどうかは明らかではないのですが、たとえ出版するとしても、「オルゲルビュッヒライン」のように
すべての日曜・祝日のためのコラールを網羅したものにする意図はなかったようです。それは、降誕節第1日曜のためのコラール「来たれ、異邦人の救い主」や
「グローリア」のドイツ語コラール「天にまします神にのみ栄光あれ（Allein Gott in der Hohe sei Ehr）」が3曲ずつあることからも推察できます。
むしろバッハは、コラールに基づく曲の様々な様式、作曲技法の多様さを示そうとしたのかも知れません。いずれにしても、この「18のコラール」は、
バッハのコラール曲の傑作として、数少ない自筆楽譜で残されている貴重な作品群なのです。
　また、この手稿に含まれるコラール「高き天より私はやってきた（Vom Himmel hoch da komm ich her）」 によるカノン形式の変奏曲（BWV 769a）は、
1747年に印刷したものにさらに手を加え、曲順を一部入れ替えたものです。印刷版では、(1) 8度のカノン、(2) 5度のカノン、(3) 7度のカノン、(4) 8度のカノン、
(5) コラール旋律自体による反行カノンで、旋律の区切りごとに6度、3度、2度、9度のカノンと変化し、その後に2小節の短縮旋律部、
そして3小節のコラール旋律がすべて同時に提示される終結部が来て、最後に”BACH”の名前が音名で奏されて終わります。
また、各楽章には様々なカノンの技法が示されていて、ミーツラーの「音楽学協会（Sozietat der musikalischen Wssenschaften）」入会のための作品として
作曲されたことを示しています。しかしバッハは、この手稿に書き込む際には、第5楽章の複雑な構成のカノンを真ん中に置いて、
シンメトリー構造を意図したことが分かります。この自筆譜にある版が、バッハの最終的意図を示しているという観点から、最近ではこのBWV 769aが演奏されることが
多いようです。

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小中編成吹奏楽のための「ハワイの涼風 Vol.5」（メドレー）
編曲 瀬 浩明
Hawaiian Breeze - Vol.5
Arranged by Hiroaki Se

編成はPic.、Fl.、Cl.3本、Bs.Cl.、A.Sax.、T.Sax.、B.Sax.、Tp.3本、Hn.2本、
Tbn.2本、Eup.、Tuba、Glock.、Vib、Drums、Perc.(Cowbell、Claves、Maracas、Bongo)です。
25名で演奏できます。すべてのパート譜は同梱しています。

ハワイアンソングの名曲をフラダンスとともに、ぜひどうぞ。

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アトリエ・アニマート楽譜ページ1/3

この曲はハワイアンの定番曲をメドレーで綴ります。恋のホノルル、ワイキキの浜辺で、カナカワイワイの3曲が含まれます。
Vol.1から6まで発売しています。
    
ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な位置を占める芸術形式です。
ハワイアンソングは、ハワイ語で歌われ、しばしばウクレレやスチールギターなどの伝統的な楽器によって演奏されます。
フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られる伝統的なダンスで、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしています。

ハワイアンソングには、ハワイの自然や文化について歌われた曲が多数あります。例えば、「Aloha Oe」は、
ハワイ王国の最後の女王であるリリウオカラニが書いた別れの歌であり、世界中で知られています。
また、「Waikiki」は、ハワイの有名なリゾート地であるワイキキビーチについて歌われた曲で、
多くのアーティストによってカバーされています。

フラダンスは、ハワイアンソングに合わせて踊られるダンスであり、古代ハワイの伝統的なダンスを継承しています。
フラダンスには、手の動きや足の動きを含む様々な要素があり、踊り手はその要素を使って物語を表現します。
フラダンスは、ハワイ文化の中で非常に重要な役割を果たしており、祭りや式典などの様々な場面で演じられます。

ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の中で重要な役割を果たしており、ハワイ文化を広く世界に知らしめる役割も
果たしています。これらの芸術形式は、世界中で愛されており、多くのアーティストやダンサーがハワイアンソングや
フラダンスに影響を受けています。
今後も、ハワイアンソングとフラダンスは、ハワイ文化の重要な要素として愛され続けることでしょう。

現在注目を集めているフラを吹奏楽で踊ってみませんか。 舞台と客席でフラがあふれ、
リラグゼーションの世界をお客様とともに味わえるステージになること間違いなし！
●「フラ」の魅力
　 常夏の島、ハワイの伝統的な踊りであるフラダンスが今、中高年の女性を中心にさまざまな年代の人たちの間で全国的に人気を集めています。
フラダンスは老若男女問わず誰でも気軽にはじめられ、ほどよい運動になることはもちろんリラグゼーション効果 など心の健康にもよいのです。
最近では教室やイベントなども増えています。    　    
●文化としての「フラ」
　私たち日本人にとって、フラ（フラダンス）はショー等で見る華やかな観光イベントとして有名ですが、ハワイでの「フラ」は重要な
伝統文化のひとつと考えられています。70年代に起こった“ハワイアンルネッサンス”と呼ばれる「ハワイ独自の言葉や文化を見直し、
後世に伝えていこう」という運動によってフラは復活し、ハワイ語とともに大切に引き継がれてきました。ハワイの伝統的な
フラ教室（ハワイ語で“ハラウ”）は踊りだけにとどまらずハワイ文化そのものを学ぶ場所です。
●文字のない時代に話を伝える踊り「フラ」
　文字がまだない古代ハワイでのコミュニケーションや伝達の手段として独自の手話と踊りで表現していたものがフラダンスの原形です。
女性が踊るという印象が強いのですが、カメハメハ大王が統治する以前は、神聖なフラダンスを男性だけが踊っていました。
女性が踊りを認められたのは、島内の統一が行われ規制が緩くなった1778年頃です。 フラダンスのフラは「踊り」という意味です。
フラは文字がなかった時代に神々の伝説や先祖の話を伝えるコミュニケーション手段でしたから、火山の噴火があったとき、
神の怒りを静めるために踊るなど、神聖な意味を持っていました。こうした伝統的な踊りは今でもフラ・カヒコとして伝えられています。
　フラは神への畏敬の念をあらわす神聖な踊りです。ハワイの人々の心をあらわす表現手段として、常にハワイアンの身近にありました。
●フラは愛・言葉・ 心にも体にもやさしい癒しのダンス
　シンプルな中に奥深さがある踊り、フラのよいところは、有酸素運動であるところです。激しい運動ではないので、お年寄りから妊婦、
子どもまで誰でも気軽にはじめられます。更年期障害が緩和されたという人もいれば、ストレス解消になったという人もおられ、
きれいな衣装を着ること自体にも自己啓発や癒し効果 として魅力たっぷりな要素です。 フラを一言で表現すると
「自分の中から湧き出る感情を体全てで表現すること」なのです。

●「フラ」の基本

(1)フラの基本ステップ
1.“フラポジション”両足を肩幅に広げ、軽くひざを曲げて背筋を伸ばして立ちます。この立ち方がすべての基本になります。
ポイントは、ひざが伸びすぎないことです。
2.「カホロ」 基本のフラポジションを保ち、左右にステップする動きです。 右へ4歩、左へ4歩を交互に繰り返します。
フラポジションからスタートして、フラポジションに戻るのがベーシックです。
3.「カオ」とは体重移動のステップです。
フラポジションを保ち、左右に体重移動します。無理に腰を振るのではなく、体重移動で自然に腰が動くようにします。
(2)上半身の動きで物語（歌の歌詞）を表現
1.フラでは、下半身でリズムを、上半身で物語を伝える動きを作ります。
2.「花」のポーズ（プア）：咲いている花、つぼみなど、花全般 を表現するポーズです。
3.「風」のポーズ（マカニ）：花が風に揺れている様子を表します。
4.「香り」のポーズ：風にそよぐ花の香りを表します。
5.太陽のポーズ（ラー）：両腕を正面 高く上げて、大きな太陽のように円形を作ります。バスケットボールくらいの大きさです。
6.「アロハのこころをあなたに」のポーズ：深呼吸するように両手を広げて胸の前へ運びます。
最後は、前方に伸ばしていきます。上半身の動き「フリ」と下半身のステップを組み合わせて相手へ伝えたい思いを表現していきます。
7.踊りの最初と最後は左右に振付ける手の動き「フラの手」があります。 優雅に決めましょう。

●健康と癒しの「フラ」

　裸足になって足を開放し、豊かな自然に囲まれてのびやかに踊る。観る人、踊る人もハッピーな気分にさせてくれるフラダンス。
自然界の一部に溶け込むような感覚に浸れる癒しがあります。フラダンスは音楽と手話のコラボレー ションでもあります。
音が鳴るものはすべて楽器だととらえ、ひょうたんに木や動物の皮を張った太鼓、鳥の羽や砂、ココナッツや貝、石、 
葉など自然の中に存在するものを上手く使って音を奏でます。また、動きの ひとつひとつに意味が込められ、花、波、恋愛や感情、
神話などあらゆるものを表現するのです。

「心地よい音楽バックに自分が表現したいことを脳で理解しながら手を動かしステップを踏む。
脳も体も活性化してくるので若返り効果 もあります。また、花を飾り、南国風の美しい衣裳を身に付けることでも
年齢に捕われず生き生きと踊れるのもフラの魅力です。陽気で優雅な音楽が流れ、楽しく踊りながら健康になれるのが
フラダンスの魅力です。エアロビクスより軽く、ゆっくり手足を動かし、じっくりと汗をかくので基礎代謝が徐々に上がり、
次第に痩せやすい体質になります。体力に自信がない方でも入門しやすいのです。
フラの基本姿勢は、足を軽く開き、ややひざを曲げて腰を落とし、両足で地面 をしっかり踏みしめる姿勢です。
腰は真正面に固定します。足は大地の底へと根を張るようなイメージ。この姿勢で太ももの前、ふくらはぎの筋肉が収縮して
締っているはず。
上半身は天空をめざしてのびやかに、そして腕は上下左右になびくように動かしているので運動不足の腕や肩にほどよい
筋肉がつきます。
　 また、腰を振る動きは脇腹を鍛え、ボディラインを引き締めます。フラダンスを1曲踊るのに数百歩のステップをしますから、
ウォーキングよりも、楽しんで健康づくりとダイエットができます。ダンス中は常に腰を落としているので太ももの前の筋肉、ふくらはぎが締り、
素足は足裏に高低差がなくリラックスするので足腰に負担がかからず自然に効くのです。
また、下半身を安定させて腰を左右に振るのでボディラインにくびれが生まれ、ウエストのシェイプアップにつながります。 
自然の中に存在する楽器を多く使ったハワイアン音楽で心地よいリラクゼーションを受けながら踊るので、開放的な気分を味わえます。
これによってストレス発散につながり精神が落ち着くのです。ハワイ旅行の気分も味わえそうですね。
皆さんんの演奏で多くの聴衆に感動が与えられることをお祈りしています。

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クラリネット四重奏 イタリア風パヴァーナによる変奏曲
アントニオ・デ・カベソン
Diferencias sobre la Pavana Italiana
Antonio de Cabezon

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
木管四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。
典型的なイベリア半島のルネッサンス音楽を、ぜひお楽しみください。

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スペインの盲目の作曲家、オルガニスト、アントニオ・デ・カベソン（1510頃-1566）の「イタリア風パヴァーナ」を題材にした
ディファレンスの作品です。
16世紀、ヨーロッパ大陸の西の果てのイベリア半島に、偉大な盲人オルガン奏者が出現します。
それがアントニオ・デ・カベソン(1510ごろ－1566)です。
当時のスペイン音楽の技法に、西洋音楽史上はじめての変奏曲形式と言われる
「ディフェレンシアス（diferencias、スペイン語で「たがいに異なるもの」の意)というのがありますが、
ディフェレンシアス発展の立役者だったのが、ほかならぬこのカベソンです。

ランディーニと同様、カベソンも幼少時に失明しましたが、オルガン演奏技法を習得すると、1539年以後、
スペイン王家に仕える音楽家として身を立てます。彼は「ディフェレンシアス」と、
もうひとつスペインバロック特有の変奏曲様式「ティエント」によるオルガン独奏曲を数多く残しました。
鍵盤音楽の大家として名を馳せたカベソンは「スペインのバッハ」の異名をとり、つづく世代のコレア・デ・アラウホとともに、
スペインバロックのオルガン音楽黄金時代を築いたのです。

16世紀から18世紀にかけてのイベリア半島の鍵盤楽器のレパートリーの作品には、多くの版で誤りがあり、その中には重要なものもあります。

これらは、転写や印刷の場合もあります
。しかし、多くの場合、これらの誤りは原典にすでに存在しており、その多くは後期写本です。

著者のオリジナルではありません。

Antonio de Cabezon (c1510-1566), Castrillo Matajudios (Burgos) アントニオは、若い頃から目が見えませんでした。
しかし、音楽的な資質を買われて、イザベラ・カトリックやシャルル5世などの宮廷で音楽家として活躍することになりました。
その後、フィリップ2世の主人となり、ヨーロッパを旅行する際に同行し、フィリップ2世とメアリー・チューダーとの結婚の際には
ロンドンへも赴きました。
当時、最も優れたキーボード奏者の一人とみなされています。彼の音楽は典型的なイベリア音楽で、
ハープ奏者や吟遊詩人によって演奏されたこともありま。ベネガス・デ・ヘネストローサの本には、すでにいくつかの作品が収録されていましたが、
それらを出版したのは主に息子のエルナンドでした。エルナンド自身は、
「カベソンが即興で演奏したときが本当の神童であり、これらの出版物はパン屑に過ぎない」と語っています。

アントニオ・デ・カベソンは、叔父が教区の総督を務めていたパレンシアで音楽の訓練を受けました。
1526年にイザベラ王妃の礼拝堂のオルガニストになり、その後フィリップ2世に仕え、王位に就く前も後も、
王とイギリス女王メアリーとの結婚に伴う海外旅行などに同行しました。当時のキーボード奏者としては第一人者でした。
彼の3人の息子と2人の娘も王室に仕え、そのうち前者2人はオルガン奏者、作曲家として活躍しました。

鍵盤音楽

アントニオ・デ・カベソンは、オルガン奏者、クラヴィコード奏者として卓越した存在でした。
彼の鍵盤音楽は、技巧と雰囲気の異なる29のティエントス、俗曲の変奏曲であるディフェレンシアス、詩篇の8音を和声化した
ベルシージョ、マニフィカト、そして他の作曲家のポリフォニック作品に基づく作曲であるグローザから構成されています。

アントニオ・デ・カベソン（1510-1566）はスペインのルネサンス時代の作曲家、オルガニストで
彼は幼児期に失明したものの、素晴らしい音楽的才能を発揮し、オルガンと鍵盤楽器のための作品を数多く残しました。
当時はジョスカン・デ・プレの音楽が流行していて、カベソンも彼の声楽曲を鍵盤楽器用に編曲したものもありますが、
一方、当時としては先鋭的な技法を用い、後のバロック音楽を先取りするかのような作品も数多くあります。
 彼の代表作であるティエントとは、イベリア半島に発生したポリフォニー様式の器楽作品の様式で、
スペイン語の「触れる」という意味のtentarが語源と言われていて、その起源はフォリア（狂乱を表す舞曲）や、
民謡にさかのぼることができます。形式は変化に富んでいますが、カベソンの曲は即興的な前奏とリチェルカーレを元にした、
比較的厳格なもので、オルガン音楽の発達にも多大なる貢献をしています。

アントニオ・デ・カベソン（Antonio de Cabezon, 1510年3月30日 ブルゴス - 1566年3月26日）は、スペインのルネサンス音楽の
作曲家・オルガニスト。幼児期に失明した。オルガンのためのティエントで有名。多くの作品が出版譜のかたちで現存します。
カベソンの作品は、現存する初期のオルガン作品の一つです。
作品には多くのIntabulations（ジョスカン・デ・プレなどのポリフォニー声楽を鍵盤楽器に編曲したもの）、ティエント、
ディフェレンシアスがあります。

生前に40曲がVenegas de Henestrosaの編纂したLibro de cifra nueva (Alcala de Henares, 1557)に収められ出版されましたが、
大部分は彼の死後、息子のエルナンドによってObras de musica para tecla, arpa y vihuela (Madrid, 1578)として刊行されました。
この中に収められた275曲のほとんどが、オルガンないし他の鍵盤楽器のためのものです。撥弦楽器とアンサンブルのための器楽曲、
歌曲も作曲しましたが、今はただ1曲の歌曲が残っているのみです（Cancionero de la Casa de Medinaceli中のInvocacion a la letania）。
クエンカのカテドラルに所蔵された1611年の楽譜目録にカベソン作のミサ曲が載っていますが、おそらく他の多くの曲もそうだったように、
曲そのものは失われました。

ティエントはイベリア半島で誕生したポリフォニー様式の器楽であり、tastar de corde（即興的な前奏）と
リチェルカーレ（即興的前奏、後に発達して厳格な模倣対位法による作曲法）に関連づけられてきました。
カベソン作の29のティエントが現存している。うち14曲がLibro de cifra nuevaに収められていますが、
これらはすべて長い音価で書かれていて、模倣対位法と非模倣的な部分が交互に現れます。通常3ないし4つの主題があり、
最初の主題がもっとも展開されます。非模倣的な部分では頻繁に、拡張された2重奏、オスティナートに変化して行く動機といった、
当時のこの分野としては珍しいな技法が用いられています。別の12曲がObras de musicaに収められていて、
6曲は若い頃のもの、6曲は晩年のものです。初期の作品が多くの点でLibro de cifraに収められた作品に似る一方で、
後期のティエントはより短い音価、より長く特徴的な主題を用いる傾向があり、多くの特徴がバロック音楽を先取りするものとなっています。

変奏曲を得意としていたカベソンですが、盲人ゆえに研ぎ澄まされた感覚があったのでしょう。
多声的な作品が多いのですが、旋律の織りあいや構成のバランス感覚が素晴らしい作品が見られます。
鍵盤音楽黎明期にこれほどまでに驚異的な作品を書き、オルガン音楽界の扉を開きました。
肖像画は残念ながら残っていないようです。

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無料楽譜(カラオケ)「うまくいくさ」

元気を失ったり落ち込んだりしたすべての人を応援する曲です。失敗を繰り返しながら一歩を踏み出す決意を歌っていただければ幸いです。
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うまくいくさ

作詞：伊香オリヘス
作曲：瀬　浩明

１もしかしたら辛かったのは
　自分だけじゃないかもしれない

　どんな壁が待っているのかわからず
　避ける方法も準備できなかった

　周りをゆっくり見渡しながら
　自分と向き合ってからやり直すよ
　うまくいくさ

２もしかして不安だったのは
　自分だけじゃないかもしれない

　誰にとっても未知の出来事ばかり
　巡り来る世界で生きているんだ

　過去にとらわれる事がないよう
　あれこれ試しながらやり直すんだ
　うまくいくさ

　人生はトラブルの連続だけど
　刺激的な道を僕は行くんだ

　周りをゆっくり見渡しながら
　自分と向き合ってからやり直すよ
　うまくいくさ

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木管四重奏 ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ
Favorito, Tango
エルネスト・ナザレ
Ernesto Julio Nazareth

編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。
サックス四重奏、クラリネット四重奏版、金管四重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。
「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。

お求めの際はこちらからお願いします。

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Favorito, Tango　ファヴォリート（お気に入り）、タンゴ
　この作品は娘のMaria de Lourdesに捧げられた曲で1895年に作曲されました。1912年にナザレはこの曲の演奏をCasa Edisonに録音しています。
また後に作詞者不明の歌詞がつけられました。原曲はイ長調、A-B-A-C-A-B-A形式です。同じ旋律が一音ずつ上昇していく単純な仕掛けの曲ですが、
それがわくわくして気分が高揚していくような雰囲気を醸し出しています。Bメロは嬰ヘ短調、Cメロはニ長調に転調します。
2拍子の1拍目最後の16分音符にアクセントをつけて演奏するとタンゴらしく良い演奏になります。

「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。
南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。
ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、
カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。
特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」

エルネスト・ジュリオ・ナザレー （Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。
一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。
そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、
残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。
しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。
中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。
早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、
リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。
1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。
最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』 （あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。
その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、
アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。

長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。
外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。

1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、
客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、
解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。

ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。
ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、
演奏するのに振り当てられました。
そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。
ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。

ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。
また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。
作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう
民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。

ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。
フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。
ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。
その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。

ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。
ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。
しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、
ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。
また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、
リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。
ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、
ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ
「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。

およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。
ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、）
アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。
ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、 サンバ、
そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、
実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。
もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。

最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』
『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。
ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、
さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。

晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。
ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。

作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、
作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、
クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。

アトリエ・アニマート
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