Gallery

参考音源
https://youtu.be/y9P4lwtOdlA

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

「オー・ハッピー・デイ」 (Oh Happy Day) は、エドウィン・ホーキンズが18世紀の賛美歌をもとに書いた楽曲です。
エドウィン・ホーキンズ・シンガーズ名義で1969年4月に発表されました。
録音は1967年にカリフォルニア州バークレーにある教会で行われました。
Billboard Hot 100チャートで4位（1969年5月31日～6月7日）、
R&Bチャートで2位を記録しました。
1993年にはミュージカル映画『天使にラブ・ソングを2』でも使われました。
その後、さまざまな作曲家によって編曲されているため、混声合唱曲としても知られています。

「天使にラブソングを２」で有名曲となった「OH HAPPY DAY」は1967年にリリースされたゴスペルソング。
18世紀の讃美歌516番の「主イエスを知りたる嬉しきこの日や」をもとに作られました。
讃美歌を明るいイメージでアップテンポでポップな雰囲気にアレンジしました。
1969年のポップチャートでは全米4位、イギリス2位の記録を持ちます。1993年公開の映画「天使にラブソングを２」の
劇中歌としてクローズアップされたことで世界中でリバイバルヒットしました。

「OH HAPPY DAY」は曲名からは単純に「幸せな日」と単に歌っているのではなく、とても深い意味を持っています。
の歌詞を簡単に日本語に訳すと、
「神が私の罪を清めてくれた。そして、誰もが調和と努力と祈りを忘れないことで喜びに満ちた日々を送ることができる。」
とても単純な歌詞の中に秘められた、パワーやエネルギーや当たり前と思うことに感謝する、
そんな思いを伝える歌なのです。ゴスペルの魅力は、明るさとPOPな雰囲気の中に込められる人々の想いや、
生き方、生きる意味、エネルギーをそれぞれが自然に感じることができることにおいては
世界最高峰の音楽ジャンルだと言えます。
神様は生きている人間すべての罪を許し、洗い流してくれる、そのためには努力を怠らず、周りとの調和を図り、
努力と祈りを忘れないことで、喜びを感じることができ幸せを与えてくれる、という思いを込めた歌なのです。
ゴスペル、楽しく歌うだけでなく心の奥底から、魂から、表現できる、そんな音楽なのだと思います。
ゴスペルが世界中で愛される理由は、誰もが神から平等に与えられた、「エネルギーに満ち溢れた幸せの歌」だからです。
奥深いゴスペルの世界に浸りたいものです。

Oh Happy Day（歌詞）

Oh happy day (oh happy day)
Oh happy day (oh happy day)
When Jesus washed (when Jesus washed)
When Jesus washed (when Jesus washed)
Jesus washed (when Jesus washed)
Washed my sins away (oh happy day)
Oh happy day (oh happy day)

ああ幸せな日
神様が、私の罪を清めて（赦して）くださったから
私の罪は洗い流された。
ああ、なんて幸せな日

Oh happy day (oh happy day)

Oh happy day (oh happy day)
Oh happy day (oh happy day)
When Jesus washed (when Jesus washed)
When Jesus washed (when Jesus washed)
When my Jesus washed (when Jesus washed)
He washed my sins away

He taught me how (oh, He taught me how)
To wash (to wash, to wash)
Fight and pray (to fight and pray)
Fight and pray
And he taught me how to live rejoicing
yes, He did (and live rejoicing)
Oh yeah, every, every day (every, every day)
(oh yeah) Every day!

神は教えてくださった　どうやって心を清め、どうやって戦い、祈るのかを。
それから、どうやって喜びとともに生きるのかを、神は教えてくださった。
毎日、毎日。
毎日。

Oh happy day (oh happy day)
Oh happy day, yeah (oh happy day)
When Jesus washed (when Jesus washed)
When my Jesus washed (when Jesus washed)
When Jesus washed [hits high note] (when Jesus washed)
My sins away (oh happy day)

ああ幸せな日
神様が、私の罪を清めて（赦して）くださったから
私の罪は洗い流された。
ああ、なんて幸せな日

I'm talking about that happy day (oh happy day)

He taught me how (oh yeah, how)

To wash (to wash)
Fight and pray (sing it, sing it, c'mon and sing it)
Fight and pray
And to live
yeah, yeah, c'mon everybody (and live rejoicing every, every day)
Sing it like you mean it, oh....

私は幸せな日について話してるの。
神が教えてくれた（どうやって）
心を清めて、
戦って、
祈るのかを（歌おう、さあ、歌おう！）

Oh happy day (oh happy day)
I'm talking about the happy days (oh happy day)
C'mon and talk about the happy days (oh happy day)
Oh, oh, oh happy days (oh happy day)
Ooh talking about happy day (oh happy day)
Oh yeah, I know I'm talking about happy days (oh happy day)
Oh yeah, sing it, sing it, sing it, yeah, yeah (oh happy day)
Oh, oh, oh
Oh happy day

アトリエ・アニマート
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2022/06/20 animato

木管五重奏シューベルト:軍隊行進曲第2番

木管五重奏シューベルト:軍隊行進曲第2番
2 Marches militaires
Schubert, Franz

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
サックス五重奏版、クラリネット五重奏版、金管五重奏版は発売中です。
明るい力強さの中に軽やかさを備えた楽しい音楽を、ぜひお楽しみください。

木管五重奏シューベルト:軍隊行進曲第2番
2 Marches militaires
Schubert, Franz

お求めの際はこちらからお願いします。

参考音源
https://youtu.be/qlN-uNh0nIM

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

フランツ・ペーター・シューベルト（Franz Peter Schubert/1797年?1828年）の『軍隊行進曲』は、ピアノ連弾のための曲集で
彼のピアノ作品の中でも有名なものです。
特に第1番は広く知られており、管弦楽用やピアノ独奏用にも編曲され親しまれています。
作曲年は諸説ありますが、1818年が有力だと現在ではされています。

作曲されたとされる1818年頃、シューベルトは貧しい生活を送っていました。
1816年に教師の職を辞めたことで、安定して稼げる仕事がなくなったためです。

しかし仕事を辞めてからは音楽を愛する仲間たちと出会い、彼らに助けられて貧しいながらも充実した時間を過ごしていました。
また1818年は作曲した作品数自体は少ないものの、シューベルトが自らの作品のためのコンサートを初めておこなった年でした。

さらには同年夏(1818年)、シューベルトはエステルハージ伯爵一家の音楽教師としてハンガリーのツェリスにも招かれます。
エステルハージ伯爵家には2人の娘がいましたので、そのために連弾曲が書かれたと推測もされています。

シューベルトはこの地でとても楽しい夏を過ごしたと言われています。
その影響もあるのか、『軍隊行進曲』は3曲とも明るく活発な音楽が印象的です。
この年は、シューベルトにとって明るい道筋が少しずつ開けるような年だったようです。

軍隊行進曲シューベルト
シューベルト(Franz Peter Schubert/1797?1828)
『軍隊行進曲』は、シューベルトがピアノ連弾のために作曲した曲集『3つの軍隊行進曲 Trois Marches Militaires』 D733 作品51。

作曲された年については諸説あり、一説によれば、シューベルトがエステルハージ伯爵家の娘の教師を務めていた頃と説明されることがあります。
この作品の第１番は、現在シューベルトの作品の中でもっともポピュラーなピアノ曲のひとつとして、独奏されることが多いのですが、
もとはピアノ連弾曲である。シューベルトがジェリズに赴任していた1818年に作曲されました。
この年はエステルハージ伯爵家のふたりの娘にピアノを教授するため、多くの連弾曲が生み出されています。
この行進曲は３曲とも、明るい力強さの中に軽やかさを備えた楽しい連弾曲です。

この作品のもとはピアノ連弾曲です。シューベルトがジェリズに赴任していた1818年に作曲されました。
この年はエステルハージ伯爵家のふたりの娘にピアノを教授するため、多くの連弾曲が生み出されています。
この行進曲は３曲とも、明るい力強さの中に軽やかさを備えた楽しい連弾曲であり、エステルハージ家での楽しいピアノ・レッスンの風景を想像させます。
第1番は特に有名で、広く演奏されています。オーケストラ編曲やタウジッヒによるピアノ独奏編曲があります。
　他の多くのシューベルトの連弾作品が家庭的な楽しみのために書かれたようにこの作品も書かれたのでしょう。

第1番　ニ長調　4分の2拍子　Allegro vivace
　下属調のトリオをはさむ三部形式でできています。
ファンファーレ風に始まる軽快な行進曲となっています。
トリオはト長調で優しい感じの歌謡風な旋律です。

第２番　ト長調　4分の４拍子　Allegro　molto moderato
1番同様下属調のトリオをはさむ三部形式でできています。

第3番　変ホ長調　４分の４拍子　Moderato
ファンファーレのような短い序奏で始まります。
最初の主題は付点音符のリズムによるとてもリズミックな旋律です。
トリオはやはり下属調の変イ長調です。トリルの入ったアウフタクトで始まる優美な旋律です。

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2022/06/19 animato

金管五重奏「美しきロスマリン」クライスラー

金管五重奏「美しきロスマリン」クライスラー
Schon Rosmarin
Fritz Kreisler

編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
クラリネット五重奏版、サックス五重奏版、木管五重奏版は発売中です。

20世紀初頭の美しい名曲を、ぜひお楽しみください。

金管五重奏「美しきロスマリン」クライスラー
Schon Rosmarin
Fritz Kreisler

編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
クラリネット五重奏版、サックス五重奏版、木管五重奏版は発売中です。

20世紀初頭の美しい名曲を、ぜひお楽しみください。

お求めの際はこちらからお願いします。

参考音源
https://youtu.be/A4FjpySLddY

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

『美しきロスマリン Schon Rosmarin』は、オーストリア出身の音楽家フリッツ・クライスラー（Fritz Kreisler/1875-1962）による
ヴァイオリンとピアノのための小作品です。ヴァイオリンだけでなく、フルートやチェロ、クラリネットなどでも演奏されています。
「ロスマリン」とは、ハーブとして有名なローズマリー（rosemary）のことです。属名Rosmarinus（ロスマリヌス）は
「海のしずく」を意味します。
イングランド民謡『スカボローフェア Scarborough Fair』でも、パセリやセージと並んで、歌詞にローズマリーが登場します。
ハーブとしても用いられる植物の名前ですが古代ヨーロッパでは神秘的な力を持つと言われ、「貞操」「変わらぬ愛」の象徴と
されていることから女性の名前としても使われることが多いようです。
爽やかな強い香りがあり、丈夫で育てやすく、
古代ギリシャ時代から、ローズマリーは悪魔から守られる神秘的な力をもつとされていました。
葬儀の際には棺の上に小枝をのせたり、花嫁の冠に編み込んだりしたのです。
葬儀にローズマリーを利用する習慣は、やがてヨーロッパ各地に定着して行きました。
薬草として強壮剤や収れん剤などに利用されたりしたようです。
強力な抗酸化成分であるロスマリン酸が発見された事により、若返りのハーブとしての古くからの評判が再認識されています。

クライスラー『美しきロスマリン』においては、ロスマリンは花の名前というよりも、むしろ美しい女性、
愛らしい女性の象徴として用いられています。
曲調もその名の通りとても可愛らしく、ちょっとおてんばな感じがするところはとてもチャーミングな一曲です。
小刻みなヴァイオリンがワルツのリズムを踏むように軽やかなメロディで始ります。
とても喜んではしゃいでいるような軽やかなメロディはとても新鮮で華麗に流れてきます。
中盤ではリズムがややなだらかになり、少ししっとりとした雰囲気を聴かせてくれますが、後半はまた明るく美しいメロディに
戻り軽快なステップを踏むように華麗な曲を聴かせてくれます。
演奏時間は2分足らずと、とても短い曲ですが、短い時間の中にあふれんばかりの笑顔をふりまいてくれるような、楽しい曲です。

クライスラーの有名な作品といえば、この『美しきロスマリン』以外にも、同じくヴァイオリンとピアノのための楽曲である
『愛の喜び』、『愛の悲しみ』が広く知られています。
クライスラーは、これら3曲を自身のコンサートでのアンコール曲として頻繁に演奏していたほか、1911年に3曲をピアノソロに
編曲した「ウィーン古典舞曲集 Alt-Wiener Tanzweisen」を出版しています。
現代でもこの３作品はアンコール曲として演奏されるほか、3曲を一連の作品として取り上げる機会が多く見られます。
ちなみに、『愛の喜び Liebesfreud』の英語タイトルは『Love's Joy』、『愛の悲しみ Liebesleid』は『Love's Sorrow』、
そして『美しきロスマリン』は『Lovely Rosemary』（ラブリー・ローズマリー）と言います。
これら3曲で「ラブ・ラブ・ラブ」の愛の三部作として輝きを放ち続けています。

英国ロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス（RAD）から発売されているバレエ・レッスン用ピアノ曲集には、
バレエにおける基本的な回転動作「ピルエット」用の曲として、この『美しきロスマリン』が収録されています。

彼は７歳で特例でウィーン音楽院に入学し、１０歳にして首席で卒業、その後パリ国立高等音楽院に留学し、
１２歳にして首席で卒業と言う神童ぶりを発揮しました。その翌年の１８８８年からヴァイオリニストとしてのキャリアを
スタートさせ、２０世紀前半を代表するヴァイオリニストとして名を馳せています。

アトリエ・アニマート
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2022/06/18 animato

クラリネット八重奏「夏至の歌」ディーリアス

クラリネット八重奏「夏至の歌」ディーリアス
Midsummer Song 　　
F.ディーリアス
Frederick Theodore Albert Delius

編成はCl.6本、Bs.Cl.2本です。
木管八重奏、サックス八重奏版、金管八重奏版は発売中です。
無限のノスタルジアの世界を持つ清冽な音楽を、ぜひお楽しみください。

クラリネット八重奏「夏至の歌」ディーリアス
Midsummer Song 　　
F.ディーリアス
Frederick Theodore Albert Delius

お求めの際はこちらからお願いします。

参考音源
https://youtu.be/nakFFBm5cfs

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

夏至の歌は1908年、ディーリアスによって作曲されました。無伴奏混声合唱（8声）の作品です。
英国音楽を代表する作曲家の一人であるディーリアスは、1862年1月29日にブラッドフォードに誕生し、
2022年に生誕160周年を迎えます。

ドイツ人を両親に英国に生まれ育ったディーリアスは、22歳の年に渡米し、音楽教師をしながら作曲もしますが、24歳のときにはドイツのライプツィヒ音楽院に進み、26歳で卒業後はパリに移住、35歳でパリ郊外のグレ＝シュール＝ロワン村に居を構えてからは、72歳で亡くなるまで同地で人生を過ごすこととなります。
つまりディーリアスが英国にいたのは人生最初の22年間と、戦時の疎開などの一時的滞在くらいで、その疎開の際にも
グレ＝シュール＝ロワン村を故郷のように懐かしむなど、生活の拠点はあくまでグレ＝シュール＝ロワン村にあったようです。
このイギリスとフランスに加え、最初の仕事場で現地女性との間に子供までいたともいわれるアメリカ南部や、
若き日に過ごした北欧といった地域からの影響が、ディーリアスの音楽に複雑な魅力を与えているのかもしれません。

グレ＝シュール＝ロワン村は、画家たちや芸術家、文化人が集まる場所として有名で、ディーリアスがこの地に移り住んだのも、
パリで知り合い恋愛関係にあった画家のイェルカ・ローゼンが、絵を描くためにこの村の別荘に住むようになったからでした。
ニーチェに対する共通の興味からディーリアスと意気投合したイェルカは、作曲家でピアニストのイグナツ・モシェレスの孫娘で、
ディーリアスとは1903年に結婚、ディーリアスが亡くなった翌年に世を去り、現在は二人揃ってロンドン郊外のリムスフィールドに
埋葬されています。

19世紀の終わりから20世紀初頭にかけて書かれたディーリアスの音楽は、ロマン派や印象派の雰囲気を感じさせる自由なもので、
魅力的な旋律に恵まれた仕上がりの美しい作品が多いのが特徴となっています。
クラシック音楽の趨勢からすると、ディーリアスの音楽は異端の部類に属するかもしれません。
ディーリアスの音楽は、非常に分かりやすい音楽です。
一度ハマってしまえば、おそらく一生離れることが出来ないと思います。
ディーリアスのメッセージは、現在の私たちに実にタイムリーです。彼の世界の魅力は、ノスタルジアだけではなく、
現在における普遍的な真理の問いかけにあると言えます。
彼による一流の仕上げが、どの曲にも懐かしい光を放っています。
そして私たち聴き手は、ディーリアスの、無限のノスタルジアの世界に引きこまれていきます。
なんとも清冽な世界の深みを十分に堪能できる作品ばかりです。

夏至の歌
Midsummer Song 　　
ディーリアス
Frederick Theodore Albert Delius
　　　　
詩：ディーリアス (Frederick Theodore Albert Delius，1862-1934)　イギリス　　　　
曲：ディーリアス (Frederick Theodore Albert Delius，1862-1934)　イギリス　　
歌詞言語：英語

On midsummer day we’ll dance and we’ll play
And we’ll wander and stray through the woods.
We’ll dance and we’ll kiss whilst it’s youth，love and bliss
And the night is not far away，heigh-ho!

夏至の日に　われらは踊ろう　われらは遊ぼう
それからわれらはさすらい　さまようのだ　森の中を
われらは踊ろう　キスしよう　若さと愛と至福のうちに
夜は遠く離れてはいない　ヘイ・ホー！

アカペラ合唱曲　詞はR.S.ホフマンのもの（ドイツ語）を作曲者自身が訳したものです。

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2022/06/17 animato

サックス五重奏シュペールのソナタ・ニ短調

サックス五重奏シュペールのソナタ・ニ短調
Sonata in d moll
Daniel Speer

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏版は発売中です。
バロック期の壮麗な響きをコンサートのオープニング・ピースに、ぜひどうぞ。

サックス五重奏シュペールのソナタ・ニ短調
Sonata in d moll
Daniel Speer

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参考音源
https://youtu.be/ln6bWEpSaWE

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https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

ダニエル・シュペール - Daniel Speer
Georg Daniel Speer（1636年7月2日-1707年10月5日）は、ドイツの作曲家であり、バロックの作家です。
シュペールはブレスラウ（現在はポーランドのヴロツワフ）で生まれ、ドイツのゲッピンゲンで亡くなりました。
ダニエル・シュペールは17世紀末に南ドイツ地方で活躍していました。
音楽理論家としても教科書や理論書を出版しています。「四声ソナタ」のほか、三重奏の「二つのソナタ」も
トロンボーン奏者にはお馴染みの曲です。曲は単純なつくりですが、ハーモニーや細かいパッセージに高い技術が要求されます。
バロック時代の美しい響きをお楽しみ下さい。

1687年に彼はミドルバロック音楽を理解するのに役立つと考えられている音楽に関する論文を発表しました。
彼の音楽への執筆は、1世紀以上にわたってドイツのバロックトロンボーン作品に影響を与えました。
作曲家として、例えばSpeerはトロンボーンのための音楽を発表しました。キーボードの小品も残っています。
彼は金管五重奏のためのDie Bankelsangerliederのソナタ第29番で最もよく知られているかもしれません。
この曲は、結婚式やフォーマルな機会によく演奏されます。

彼のトロンボーンソナタはすべて、同じ基本的な楽器（2つまたは3つのコルネット、3つまたは4つのトロンボーン、および通奏低音）を
使用して書かれています。
これらのソナタでは、トロンボーンが主要な主題またはテーマを演奏し、コルネートが対旋律を提供し、通奏低音が調和して演奏されます。
メロディーラインは、異なる範囲の4つのトロンボーンすべての間で演奏されます。
通常、アルトトロンボーンはテーマの最初のテーマを演奏し、次にテーマは2番目のアルト/テナートロンボーンに移動し、
テナートロンボーンが引き継ぎ、最後にバストロンボーンまたはコントラバストロンボーンがテーマの最後のイテレーションを演奏します。
そして、4つのトロンボーンは、トニックコードで一致または調和して終了します。

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2022/06/16 animato

木管五重奏+ ワシントン・ポスト (行進曲)

木管五重奏+ ワシントン・ポスト (行進曲)
The Washington Post
作曲者ジョン・フィリップ・スーザ
J.P.Sousa

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.およびDrum Setです。
金管五重奏版、サックス五重奏版、クラリネット五重奏版は発売中です。
マーチ王と讃えられるスーザの音楽を、ぜひお楽しみください。

木管五重奏+ ワシントン・ポスト (行進曲)
The Washington Post
作曲者ジョン・フィリップ・スーザ
J.P.Sousa

お求めの際はこちらからお願いします。

参考音源
https://youtu.be/6dibaOpOeF4

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

『ワシントン・ポスト』（英語: The Washington Post）は、1889年にジョン・フィリップ・スーザによって作曲されたアメリカ合衆国の
愛国的な行進曲です。アメリカをはじめ多くの国で、スーザの最も有名な行進曲の1つとして親しまれています。
1889年、アメリカの新聞『ワシントン・ポスト』のオーナーが、紙上で行われた作文コンテストの表彰式で使う行進曲の作曲を
当時アメリカ海兵隊楽団長であったスーザに依頼しました。
スーザはその依頼に応え作曲し、同年6月15日の表彰式において、新聞名と同じタイトルのこの行進曲を初演しました。
この行進曲は、かつては平凡な新聞であったワシントン・ポスト紙に名声と注目をもたらしました。
この出来事から、あるイギリス人のジャーナリストはスーザのことを「マーチ王」と呼びました。スーザはワシントンD.C.にある
ワシントン・ポスト・ビルの一角において、ワシントン・ポスト紙とアメリカ合衆国への貢献が称えられています。

この曲の楽式は行進曲形式で構成されており（IAABBCCDCDC：ABCDIは旋律を表します）、同じスーザの代表曲である『星条旗よ永遠なれ』と同じく
中間部（トリオ）から主部に戻らない形をとっています。拍子は8分の6拍子で書かれています。第1旋律は有名で多くの人に知られていて、
荘厳で堂々としたテンポ（110-120BPM）で演奏されます。トリオでは、唐突な6つの8分音符が旋律を先へ進めていきます。
一風変わった落ち着いた移行部は、トリオ部の旋律のシンプルな変形となっています。それに続く一回目のトリオの繰り返しから、
金管楽器の低音による対旋律（オブリガート）が始まります。

作曲当時『ワシントン・ポスト』はツー・ステップというダンスのための音楽として流行しました。
ワシントン・ポストは最も演奏されたスーザの作品の1つです。コンサートやマーチングバンドなどで区別無く広く演奏され、
また重要な曲として研究されています。曲のタイトルは"The Washington Post"、"Washington Post March"、また単純に"Washington Post"などと
様々な表記がされることがあります。しかし、元の楽譜では2つの線の上に
The Washington Post.
March.
のように書かれ、それぞれにピリオドが付けられていました。またスーザの下の手書き楽譜は同様の形式になっていました。
そして楽譜の表紙にも中央部に新聞の表紙の切り抜きを貼り付けた形で"The Washington Post"と配置され、
下部に"March By John Philip Sousa."と書かれていました。以上のことはスーザと出版者がタイトルは"The Washington Post"で、
"March"は行進曲であることの説明だと考えていたようです。
この行進曲は1978年に大ヒットした映画『アニマル・ハウス』（National Lampoon's Animal House）にも取りあげられました。
演奏時間は約2分半。

J.P.Sousa
彼はワシントンD.C.で生まれ、13歳のときにワシントン海兵隊楽団に入団。5年間在籍した後、各地のオーケストラやブラスバンドで演奏活動を続ける中で
創作活動を行いました。オペレッタの分野でも多くの作品を残していますが、有名なのはやはり行進曲です。彼の曲は、アメリカを象徴する音楽であると同時に
世界中で演奏されていて、今でも行進曲といえば、真っ先にスーザの名前が上がるほど、彼の功績は偉大です。

作品には、『ワシントン・ポスト』『士官候補生』『雷神』など広く知られた行進曲がたくさんありますが、何といっても彼の名を不滅にしたのは、
1896年に作曲された『星条旗よ永遠なれ（Stars and Stripes Forever）』でしょう。この曲は「アメリカ合衆国第二の国歌」とも呼ばれています。

合衆国第21代大統領チェスター・A・アーサーの依頼により作曲されたこの曲は、誇り高く勇壮で、時に「男の哀愁」をも感じさせる主部のテーマ、
ドラムマーチに導かれてトランペットが奏でる晴れやかな中間部など、いかにも整然と行進する兵隊の姿が目に浮かぶようで、行進曲の魅力を
すべて兼ね備えた名曲です。この曲は、アメリカ海兵隊の公式行進曲に制定されています。

スーザは、77年の生涯に100曲を超える行進曲を残していて、まだまだ隠れた名曲とも呼べる素晴らしい曲がたくさんあります。
なお、マーチングバンドでよく見かける、演奏者の身体に巻き付いた大きなアサガオのような金管楽器「スーザフォン」は、彼が考案したことにちなんで
名付けられています。

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2022/06/15 animato

金管四重奏ベートーヴェンメヌエット Op.20から第3楽章

金管四重奏ベートーヴェンメヌエット Op.20から第3楽章
Menuetto from Septet in E-flat major, Op.20
L. V. Beethoven

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
サックス四重奏版、木管四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。

若きのベートーヴェンの明るい作品を、ぜひお楽しみください。

金管四重奏ベートーヴェンメヌエット Op.20から第3楽章
Menuetto from Septet in E-flat major, Op.20
L. V. Beethoven

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
サックス四重奏版、木管四重奏版、クラリネット四重奏版は発売中です。

若きのベートーヴェンの明るい作品を、ぜひお楽しみください。

お求めの際はこちらからお願いします。

参考音源
https://youtu.be/SixFKpEp1SQ

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

この第3楽章はトリオを伴ったメヌエットです。主部で弦楽器の奏でる旋律はピアノソナタ第20番の第2楽章からの転用しています。
トリオでは管楽器が主に活躍します。

この七重奏曲変ホ長調作品20 は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンが作曲した、7つの楽器による室内楽曲です。
作曲者によるピアノ三重奏への編曲版も存在します（ピアノ三重奏曲第8番変ホ長調作品38）。
ベートーヴェン初期の傑作で、明るい旋律と堂々としたリズムをもち、作品が公開された当初から広く親しまれました。
初版が出版される前から海賊版が出回っていたとも言われています。作曲されたのは1799年から1800年にかけてで、
同時期に作曲されたものに交響曲第1番などがあります。
ベートーヴェンの作曲人生の中では古典派音楽の勉強と自らの独自性を模索する時期になります。
モーツァルトのディヴェルティメントのように、娯楽的でサロン向けの音楽として書かれていますが、旋律やリズム、構成の面などで
その後のベートーヴェンらしい作品の登場を予感させる部分も随所に見られます。第5楽章のスケルツォはそのひとつです。

しかし、この作品の人気とは裏腹に当のベートーヴェンは、いつまでもこの作品がもてはやされ続けるのを拒んだと言われていて、
「あの七重奏曲のベートーヴェンさん」と形容されるたびに不快感を示したといわれています。
これはベートーヴェンにとって、この作品が大衆迎合の域を出ておらず、自分の追い求める音楽とは違っているということの意思の現れでしょう。

シュポーアやフンメルなど、古典派から初期ロマン派の作曲家にこの編成が多く、ブランやブルッフのようにロマン中期の作曲家にも同編成での作品があります。
シューベルトはこの作品に影響されて八重奏曲を書いたとされています。

ベートーヴェン生存中で最も人気のあった室内楽作品として、この弦楽器と管楽器の編成による七重奏曲「変ホ長調」作品20が挙げられます。
1799年に作曲され皇帝フランツ2世皇妃マリア・テレジアに献呈されました。
演奏時間およそ40分にも及ぶこの大作は、6楽章からなるセレナーデあるいはディヴェルティメント型の作品です。

大変な人気で、1810年ころまでに10種類以上の編曲版が出版されていました。ギター二重奏から管楽十一重奏版まで実にさまざまです。

セレナーデとディヴェルティメントは、明るい娯楽的な器楽形式のことです。
クラリネット、ホルン、ファゴット、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスという編成によるこの作品は、とても人気があったようです。
「交響曲第1番ハ長調」が初演されたコンサートでは、この七重奏曲が当時の名手たちによって披露され、好評を博しました。
当時、多くの人を虜にした作品だったのです。

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2022/06/14 animato

クラリネット四重奏「失われた幸福」メンデルスゾーン

クラリネット四重奏「失われた幸福」メンデルスゾーン
メンデルスゾーン :無言歌集　第3巻 Op.38から第2曲
Mendelssohn, Felix:Lieder ohne Worte Heft 3 Op.38-2

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
木管四重奏、サックス四重奏版、金管四重奏版は発売中です。
メランコリックなノスタルジーを感じさせてくれる音楽を、ぜひお楽しみください。

クラリネット四重奏「失われた幸福」メンデルスゾーン
メンデルスゾーン :無言歌集　第3巻 Op.38から第2曲
Mendelssohn, Felix:Lieder ohne Worte Heft 3 Op.38-2

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参考音源
https://youtu.be/ozqhpe8ScdQ

Youtubeチャンネル
https://www.youtube.com/channel/UCbc_7CUTWTYOuyu_WQcflxQ

この曲は1837年にメンデルスゾーンによって作曲されました。
低音と旋律の間の和音構成音がシンコペーションによる、あと打ちのリズムで装飾する形をとっています。
少し悲しげで、幸せだった過去を振り返るようで、どこかノスタルジックな雰囲気の漂う曲調です。
アレグロ・ノントロッポの指示があるように、停滞感が出てしまわないように注意して演奏したいものです。

ワーグナーが「第一級の風景画家」と言われたように、メンデルスゾーンは情景描写や標題音楽の作曲において才能を発揮しています。
この“言葉のない歌曲”「無言歌」という形でメンデルスゾーンは心象風景や感情描写までも、表現しました。
歌曲風の旋律をもった器楽曲であるため、旋律線をはっきりと浮き立たせ、抒情的に演奏すると良い演奏になります。
メンデルスゾーンが活躍したこの時期、ブルジョアジーの家庭を中心に、ピアノが教養として普及しました。
そのため、家庭で気楽に弾ける作品が多く作られましたが、この《無言歌集》もその一つです。
《無言歌集》は各６曲ずつの計８集からなり、生前に出版されたのは、第6集までです。第７集は、1851年、第８集は1867年に出版されました。
1832年、第１集を出版したときには、メンデルスゾーンは、《ピアノのためのメロディー》と記していて、《無言歌集》の名称を
もつようになったのは1835年に第２集を出版してからのことでした。
標題をもっているものが多いのですが、作曲者自身によってつけられたものはわずかです。実際、メンデルスゾーンは標題をつけることによって、
音楽的な想像力が限定されることを嫌っていたようです。

第3巻は次のようになっています。
1.変ホ長調「夕べの星」 / op.38-1 (1837)
2.ハ短調「失われた幸福」 / op.38-2 (1837)
低音と旋律の間の和音構成音がシンコペーションによる、あと打ちのリズムで装飾する形をとっています。
少し悲しげで、幸せだった過去を振り返るようで、どこかノスタルジックな雰囲気の漂う曲調です。
アレグロ・ノントロッポの指示があるように、停滞感が出てしまわないように注意して演奏したいものです。
3.ホ長調「詩人の竪琴」 / op.38-3 (1837)
4.イ長調「希望」 / op.38-4 (1837)
5.イ短調「情熱」 / op.38-5 (1837)
第２曲と同様、シンコペーションによる、あと打ちのリズムを利用した楽曲構成になっています。情熱というよりは、
焦燥感や不安をかきたてられるような印象の作品です。
6.変イ長調「デュエット」 / op.38-6 (1836)
６曲中唯一、メンデルスゾーン自身によって命名された作品です。テンポはゆっくりめですが、動きはゆるやかではありません。
「常に両声部をくっきりと際立たせなければならない」と記されていて、装飾声部を均質に演奏しながら、２つの主要な旋律を
はっきりとうきたたせることが大切です。やや技巧的な曲です。

アトリエ・アニマート
https://animato-jp.net/

2022/06/13 animato

19世紀イギリスの作曲家、アーサー・サリバンによるコラール

Solo+サックス五重奏　ザ・ロスト・コード（失われた琴線）
The Lost Chord
Arthur Sullivan

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンおよびSoloパートです。
同梱のSoloパート楽譜はin F版（Hn.）、
in C版（Ob.、Mallet Perc.など）、
in C-Fl.版（Fl.、Pic.）、
in C低音版（Eup.、Bsn.、Tbn,、St.Bs.など）、
in C低音Tuba版、
in B版（Tp.、Cl.、Bs.Cl.、Sop.Sax.、T.Sax.など）、
in Es版（Es Cl.、A.Sax.、B.Sax.など）が含まれています。
多くの楽器がSoloを担当し、伴奏は下の編成も含め4種類から選ぶことができます。
金管五重奏版、クラリネット五重奏版、木管五重奏版は発売中です。

イギリスのロマン派を味わえる名曲を、ぜひお楽しみください。

Solo+サックス五重奏　ザ・ロスト・コード（失われた琴線）
The Lost Chord
Arthur Sullivan

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参考音源
https://youtu.be/3QfglQGpRjI

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この曲は19世紀イギリスの作曲家、アーサー・サリバンによるコラール曲です。
邦題では「失われた琴線」「失われた和音」などとして広く知られています。
作曲者のサリバンは讃美歌や歌曲の他にもウィリアム・S・ギルバート（劇作家・作詞家、William S. Gilbert, 1836年 - 1911年）と
組んでオペラを創った事で知られています。
このサリバンとギルバートのコンビは、イギリス出身の世界的シンガーソングライター、ギルバート・オサリバンの名前の由来にもなっています。

サヴォイオペラで「ミカド」や「軍艦ピナフォー」「近衛兵」などの傑作を作曲したアーサー・サリヴァンはイギリス音楽で多くの美しいメロディーを書きました。
ヴィクトリア～エドワード朝の大英帝国が最も光り輝いた時代を音にし、ユーモア溢れる喜劇の舞台でも気品を忘れない彼の音楽は、
美しさの中にほのかな翳りを漂わせている点で、人気の高いエドワード・エルガーと通じるところがあります。
この歌曲「Lost Chord」は比較的知られている作品です。
この詩は作曲者が兄のためのレクイエムとして書いた作品で、オルガンの荘厳な響きと共に聴くと、大変厳粛な気持ちになります。
レクイエムといっても悲しいメロディではなく、明るくも荘重な、そしてオルガンのまさに「Lost Chord」ともいうべき偉大な和音が印象的です。
特に素晴らしい盛り上がりが最後を飾ります。哀愁を帯びた美しい和声と旋律を味わえる作品です。

アーサー・シーモア・サリヴァン（Sir Arthur Seymour Sullivan, 1842年5月13日 - 1900年11月22日）は、
ロンドンで生れました。父親は軍楽隊の隊長をしていて、アーサーは8歳になる頃には父のバンドで使う楽器を器用に操るようになっていました。
ベイスウォーター (Bayswater) の私立学校に行った後、王室礼拝堂の合唱隊への加入を認められ、チェイニー・ウォーク (Cheyne Walk) にある
その合唱隊の学校に通うようになりました。その頃、彼は賛美歌や歌を作曲し始めています。
1856年、サリヴァンは最初のメンデルスゾーン賞を授与され、王立音楽アカデミーに学生として2年間在籍します。
1858年（16歳）に、サリヴァンはライプツィヒへ旅行し、そこで勉学を継続し指揮法を学びました。彼はこの期間に著しい音楽的な成長を遂げたのです。
1862年にロンドンに帰り、クリスタル・パレスで演じられたシェイクスピアの「テンペスト」の付随音楽が誕生しています。
サリヴァンは次第に、英国最高の作曲家として評価されるようになっていきました。1866年に「交響曲ホ長調（アイリッシュ）」の演奏会が開かれました。
この当時の作品には、「イン・メモリアム (In Memoriam)の序曲」と「チェロ協奏曲」（1866年）、
オラトリオ「放蕩息子 (The Prodigal Son)」（1869年）、「失われた琴線 (The Lost Chord)」（1877年）等があります。

歌詞

Seated one day at the organ,
I was weary and ill at ease,
And my fingers wandered idly
Over the noisy keys.

I know not what I was playing,
Or what I was dreaming then;
But I struck one chord of music,
Like the sound of a great Amen.

It flooded the crimson twilight,
Like the close of an angel's psalm,
And it lay on my fevered spirit
With a touch of infinite calm.

It quieted pain and sorrow,
Like love overcoming strife;
It seemed the harmonious echo
From our discordant life.

It linked all perplexed meanings
Into one perfect peace,
And trembled away into silence
As if it were loth to cease.

I have sought, but I seek it vainly,
That one lost chord divine,
Which came from the soul of the organ,
And entered into mine.

It may be that death's bright angel
Will speak in that chord again,
It may be that only in Heav'n
I shall hear that grand Amen.

日本語意訳

ある日オルガンの前に腰掛け
私は落ち着かない気持ちのまま
何を考えるでもなく
私は鍵盤を叩いていた

何を弾いていたのか思い出せないし
何を夢想していたのかも覚えていない
しかし、ひとつの和音だけは鳴り続けた
偉大なアーメンの響きのように

その調べは深紅の夕暮れの中
天使たちの歌う詩編の余韻のように満ち溢れ
限りない安らぎの感触で
私の昂ぶる心を静めてくれた

すると痛みや悲しみは消え去った
愛が憎しみに打ち勝つように
それは不協和音に満ちた私たちの人生が
妙なる調和へとこだまするようだった

すべての混乱は結び付けられ
ひとつの完全な安息となった
そして震えながら和音は静寂の中へと消えた
消え行くことを惜しむかのように

それから私はむなしく探しつづけてきた
オルガンの精髄より沸き上がり
私の中へと入り込んだ
あの神々しい一つの和音を

死を司る天使のみが
その和音を再び鳴らすことができるのだろう
再び私がその偉大なアーメンの響きを聴けるのは
天に召されたその時なのだろう

アトリエ・アニマート
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2022/06/12 animato

木管五重奏バンビーノ（赤ん坊）、タンゴ

木管五重奏バンビーノ（赤ん坊）、タンゴ
Bambino, Tango
エルネスト・ナザレ

編成はFl.、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
金管五重奏版、サックス五重奏版、クラリネット五重奏版、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。
「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を、ぜひお楽しみください。

木管五重奏バンビーノ（赤ん坊）、タンゴ
Bambino, Tango
エルネスト・ナザレ

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参考音源
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Bambino, Tango　　バンビーノ（赤ん坊）、タンゴ
　Bambinoとは「赤ん坊」という意味ですが、当時有名だった風刺画家で、ナザレの楽譜の表紙絵のいくつかを書いている
Arthur Lucasのペンネーム "Bambino" からとられました。後にCatullo da Paixao Cearenseにより "Voce nao me da!..." という
題名で歌詞がつけられました。またLuciano Galletにより室内オーケストラ用に編曲されました。原調は変イ長調、A-B-C-A形式です。
テンポはゆったりながら、両手がシンコペーションを刻む様が気取った雰囲気を醸し出す作品です。
Bメロは右手旋律がオクターブ、左手伴奏和音は十度重音が多用され華やかな雰囲気を出しています。Cメロは変ニ長調で、
旋律はシンコペーションのリズムにのって音階をゆっくり上がったり下がったりします。それが何とも浮き浮きするような気分を
醸し出していて、ナザレの天性を感じ取ることができます。

「ブラジルの魂そのもの」と讃えられるナザレの音楽を知らずしてブラジル音楽は語れません。
南国ののどかな風光と、アフリカの野性的なエネルギーと、ロマンティシズムが渾然と混じり、甘美で、ちょっぴり切ない独特の音楽が聞こえてきます。
ミニョーネはこう述べています。「私は1917年頃にEduardo Soutoの楽譜店でナザレに会ったことがある。ナザレは自作曲を決して急がず、
カンタービレで弾いていた。彼はこう言っていたよ、『私の作品はあちこちでメチャメチャに弾かれている。みんな速く弾きすぎだ。
特に "Apanhei-te, Cavaquinho" は酷いことになっている。あの曲はゆっくりと、左手はカヴァキーニョを思い浮かべてアルペジオで弾くもんだ』と。」

エルネスト・ジュリオ・ナザレー（Ernesto Julio Nazareth （またはNazare とも）, 1863年3月20日 - 1934年2月4日）は、ブラジルのピアニスト・作曲家です。
一生をリオ・デ・ジャネイロで過ごしました。「ブラジル風タンゴ」やショーロなど、国内の民族音楽に影響されたピアノ曲を量産しました。
そのような作曲姿勢から、しばしば「ブラジルのショパン」と呼ばれています。ピアノ以外の音楽教育は学ばなかったため、
残された作品はサロン小品と声楽曲ばかりであり、管弦楽曲や室内楽・カンタータやオラトリオのような分野の大作はなく、作曲技法も必ずしも洗練されていません。
しかしながら、民衆音楽の影響のもとに切り開いた独自の素朴な詩境は、のちにヴィラ＝ロボスから、「ブラジルの魂」と称賛されました。
中産階級ながらもあまり豊かでない下級官吏の家庭に生まれ、ショパンを愛する母親からピアノの手ほどきを受けました。
早い年齢でたぐい稀な音楽的才能が認められ、家族ぐるみで付き合いのあったアフロ＝アメリカンの作曲家、
リュシアン・ランベールにも音楽の手ほどきを受けました。
1873年に母親が亡くなってからもピアノを学び、間もなく作曲も手がけるようになりました。
最初の出版作品のポルカ『ボセ・ベン・サービ"Voce Bem Sabe"』（あなたはよく御存知）は、14歳になるまでに作曲・出版されました。
その後は、ショーロの楽士たちとたむろして、敏感で独特なリズム感を身につけました。マシシェ maxixe やルンドゥ lundu 、ショーロ choro 、
アフリカ系住民のダンスなど、さまざまな民族舞曲に影響されました。

長年ナザレーは、映画館オデオン座の待合室でピアニストとして働き、ここで最も有名な作品の一つ『オデオン』を作曲しました。
外国から数少ない音楽家がブラジルを訪問した際、オデオン座のナザレーの演奏を見学したといわれています。

1920年代初頭には、音楽ショップにピアニストとして雇われました。顧客が購入する際に持ち寄ってきた楽譜を見ながら、演奏し、
客の要望に沿うかどうかを確認して見せるのが任務でした。客の中に、ナザレー作品の楽譜を手ずから弾こうとする者がいると、止めさせて、
解釈が誤っていると苦情を言うのが常だったそうです。

ナザレーは、心底からのブラジル人音楽家であり、音楽は楽しまれるべきであるとして、それ以上を望みはしませんでした。
ほとんど独学であり、音楽活動のほとんどは、劇場や映画館の伴奏ピアニストとして、あるいは小劇場のアンサンブルでのピアニストとして、
演奏するのに振り当てられました。
そのような劇場アンサンブルの楽団員の知り合いには、後の大作曲家ヴィラ＝ロボスがいて、当時はチェリストとして活動していました。
ナザレーはショーロの発展のおおもとであり、ヴィラ＝ロボスは、これに基づき、後に自らの創作活動を繰り広げていったのです。

ナザレーは、ブラジルの民族音楽以外にも明らかに影響されていて、子供時代にむさぼるようにして学んだショパンの影響が中でも顕著です。
また、1869年にきら星のようにリオ・デ・ジャネイロにデビューして、瞬く間にブラジル楽壇を席巻したゴットシャルクの作風もナザレーにはお馴染みでした。
作品には、19世紀ヨーロッパのクラシック音楽の豊かな和声法がこだましながら、ナザレーの生地ブラジルの、シンコペーションをともなう
民族舞曲のリズム法に織り込まれてゆくのが認められます。そのうえ、アメリカ合衆国のラグタイムや初期のジャズの、小気味よいリズム感も健在である。これらの要素を統合して一つの有機体へとまとめ上げたことがナザレー独自の能力で、結果的には、ピアノ曲のレパートリーだけでなく、20世紀の音楽にも重要な貢献を果たしている。

ナザレーはショパンやその他のヨーロッパの作曲家から霊感を受けたように、逆に自らも、間接的とはいえ、ヨーロッパの作曲家に何かしらの影響を与えています。
フランス人作曲家のダリユス・ミヨーは、自伝の中で、ブラジル滞在中にリオ・デ・ジャネイロの映画館でナザレーがピアノを演奏する風景を回想しています。
ミヨーはその音楽のリズムにたちどころに虜となって、ブラジル音楽をきわめてやろうと決心したというのです。
その最終的な成果こそが、ミヨーのピアノ曲『ブラジルの想い出 Saudades do Brasil』でした。

ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ばれていますが、作品に副題を好んでつけた点で、ショパンとは違っています。
ショパンやフォーレよりもヨーロッパのサロン音楽の伝統に忠実だったといえます。
しかしながら19世紀から20世紀初頭まで、ヨーロッパではサロン小品にフランス語の題名をつける慣習がまだ根強く残っていたのに対して、
ナザレーは母語のポルトガル語に固執しました。
また題名によって、ドビュッシーやラヴェルのように、美術や文学からのインスピレーションをほのめかしたり、
リストのように詩的な連想を暗示することもありませんでした。
ナザレーの曲名には、しばしば第三者にとって謎めいた響きをもつものもありますが、それらは実在するスポーツチームやダンスクラブ、雑誌名など、
ナザレーの日常生活の周辺から切り取られたものばかりです。このような意味で、ナザレーは「ブラジルのショパン」と呼ぶよりは、むしろ
「ブラジルのクープラン」と呼んでこそふさわしいかも知れません。

およそ300曲のピアノ小品において、ナザレーはみごとに、大衆的なブラジル舞曲のエッセンスを捕まえています。
ナザレーは、厳密には都会の聴衆のために作曲したのですが、その作品には、（ブラジルで奴隷制が廃止された1888年以降の作品でも、）
アフリカ系民族音楽の豊かな影響が息づいています。ほとんどの曲に、スコット・ジョプリンが発想したようなシンコペーションが使われています。
ナザレーのピアノ曲には、ブラジルのありとあらゆるダンスが盛り込まれています。マシシ（英語版）、バトゥーキ（英語版）、サンバ、
そして中でも重要なのがタンゴです。後に世界中を熱狂させ、席巻したタンゴが、ブラジル生まれだったというだけでなく、
実際にはナザレー自身の創り出したジャンルだったという証拠になるからです。
もしそれが間違いだったとしても、「ブラジル風タンゴ」の発展のほとんどにナザレーがかかわっていて、このジャンルに優に100曲を残しています。

最も有名な作品に、『ブレジェイロ（ろくでなし）"Brejeiro"』『アメノ・ヘゼダ"Ameno Reseda"』『バンビーノ（赤ん坊）"Bambino"』
『トラベッス（腕白坊主）"Travesso"』『フォン・フォン"Fon-Fon"』『テネブローズ（暗闇）"Tenebroso"』があります。
ナザレーが初めて「ショーロ」と呼んだ作品のうち、『アパニェイチ・カヴァキーニョ（頑張れカバキーニョ）"Apanhei-te Cavaquinho"』は、
さまざまな楽器アンサンブルによって演奏できる、古典的名作です。

晩年になって完全に聴覚を失うと、創作活動にも支障をきたしましたが、それでもブラジル国内ではなかなかナザレー人気は衰えませんでした。
ゴットシャルクやジョプリンを評価する人たちなら、ナザレーの残した魅力的な宝石たちをきっとたちまち気に入るに違いありません。

作曲者の死後から半世紀を経た近年になって、ナザレー作品を集めたアルバム制作が世界的にも相次いでいて、最近では伝記や、
作曲者に関するCD-ROMも発表されています。ナザレーは、クラシックとポピュラー音楽にまたがって活動したことから、ナザレーのピアノ曲は、
クラシックの学び手にも、ポピュラー音楽の学び手にも、有用な教材とされつつあります。

アトリエ・アニマート
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