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クラリネット六重奏 フィリス・フェアウェル
トーマス・ベイトソン
Phillis farewell
Thomas Bateson

編成はCl.5本、Bs.Cl.です。
金管六重奏、木管六重奏、サックス六重奏版は発売中です。

キリスト教の宗教音楽に属さない美しい世俗音楽をぜひ味わってください。

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「Phillis farewell」は、イングランドの作曲家 トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson) が作曲したマドリガルです。彼の最初のマドリガル集である**「The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices」に1604年に収録**されています。

楽曲の概要と特徴
この曲は通常5声（Soprano, Alto, Tenor, Bass の組み合わせ）のために書かれています。

歌詞の内容:
タイトルにある「Phillis farewell」（フィリスよ、さようなら）が示すように、この曲は別れ、特に失われた愛や去りゆく恋人への惜別をテーマにしています。
フィリスは、当時の牧歌的詩歌によく登場する、理想化された羊飼いの娘や恋人の名前です。別れの悲しみ、未練、そして場合によっては再会への淡い希望のような複雑な感情が歌詞に込められていると考えられます。

音楽的な特徴:
感傷的で憂いを帯びた雰囲気: 別れの歌であるため、全体的にメジャーキーの明るさよりも、マイナーキーの響きや、メランコリックな和音が多用される傾向があります。聴く者に深い感情的な共感を呼び起こします。
緩やかなテンポと流れるような旋律: 悲しみや未練を表現するため、比較的ゆっくりとしたテンポで、各声部が流れるような、あるいは嘆くような旋律を奏でることが多いです。
緻密な対位法とハーモニー: 5つの声部が独立しながらも、互いに絡み合い、豊かな響きを作り出します。特に、不協和音やその解決（ディソナンスとコンソナンス）を巧みに用いることで、歌詞の感情的な深みを増しています。
ワードペインティング: 歌詞の「farewell」（さようなら）や「weep」（泣く）、「sigh」（ため息）といった言葉には、しばしば音楽的な描写（例えば、休符を伴う下降音型や不協和音）が施され、詩の情景や感情を聴覚的に強調します。
感情の表現の深さ: トーマス・ベイトソンのマドリガルは、歌詞の感情を深く掘り下げて音楽で表現する点で優れています。「Phillis farewell」は、彼のそうした能力が特に際立つ一例と言えるでしょう。
「Phillis farewell」は、トーマス・ベイトソンが手掛けた、美しくも切ない別れのマドリガルです。ルネサンス期のイギリス・マドリガルが持つ、詩的な繊細さと音楽的な深みを堪能できる作品であり、聴く者の心に静かな感動をもたらします。
●トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson, c. 1570 – 1630) という、イングランドとアイルランドで活躍したルネサンス後期から初期バロックにかけての作曲家がいます。彼は特にマドリガル（Madrigal）の作曲で知られています。

トーマス・ベイトソンは、2つのマドリガル集を出版しました。

"The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices" (1604年)
"Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts" (1618年)

トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」について
トーマス・ベイトソンのマドリガルは、当時のイギリス・マドリガル楽派の優れた例として評価されています。彼の作品は、イタリアのマドリガルの影響を受けつつも、英語の詩に合わせた独特の表現や、緻密なポリフォニー（多声）が特徴です。

「Madrigali a6」として具体的に作品を挙げるならば、彼のマドリガル集には例えば以下のような6声のマドリガルが含まれています。

"Ah, Cupid, grant" (ああ、キューピッドよ、与え給え) - 彼の初期の作品の一つで、情熱的なテキストと豊かな和声が特徴です。
"Her hair the net of golden wire" (彼女の髪は金糸の網) - 愛の苦悩を歌ったもので、声部の絡みが美しい作品です。
"Fond love is blind" (盲目の恋は) - 視覚的なイメージと音楽的な表現が結びついた、典型的なマドリガルの特徴を持つ作品です。
"When Oriana walk'd to take the air" (オリアーナが散歩に出かけた時) - これは、エリザベス1世を称えるマドリガル集『トリウムフズ・オブ・オリアーナ (The Triumphs of Oriana)』のために書かれたものですが、実際にそのコレクションには採用されなかった作品です。
マドリガルの特徴
マドリガルは、16世紀のイタリアで発展し、後にイギリスにも伝わった無伴奏の多声世俗声楽曲です。

歌詞: 通常、恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が用いられます。
声部: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で豊かなハーモニーを形成します。
ワードペインティング: 歌詞の内容を音楽で描写する「ワードペインティング（Madrigalism）」が多用されます。例えば、「昇る」という歌詞があれば音程が上がったり、「ため息」という歌詞には不協和音や休符が使われたりします。
感情表現: 詩の感情を深く掘り下げ、音楽によって表現しようとする点が特徴です。
トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」も、これらのマドリガルの特徴を色濃く反映しており、ルネサンス音楽の豊かな響きと感情表現を楽しむことができる作品群です。

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サックス五重奏 ポッサム・アンド・テイターズ
チャールズ・ハンター
Possum And Taters (A Ragtime Feast)
Charles Hunter

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
木管五重奏、クラリネット五重奏、金管五重奏、鍵盤打楽器とコントラバス三重奏版は発売中です。
20世紀初頭のジャズ導いたラグタイム作品を、ぜひお楽しみください。

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1. 楽曲の基本情報
項目,詳細
曲名,Possum And Taters
副題,A Ragtime Feast（ラグタイムの饗宴）
作曲家,チャールズ・ハンター (Charles Hunter)
発表年,1900年
ジャンル,ラグタイム (Ragtime)
拍子・テンポ,2/4拍子、「Tempo di Rag. (ラグのテンポで)」
出版元,"H.A. French, Nashville, Tennessee"

2. 作曲家 チャールズ・ハンターについて
チャールズ・ハンター（1876年5月16日 - 1906年1月23日）は、ラグタイムの歴史において重要な作曲家であり、特に後の「フォーク・ラグタイム」に大きな影響を与えた人物とされています。
ナッシュビル・ラグタイム: 彼はテネシー州コロンビアで生まれ、ナッシュビルの盲学校でピアノ調律師の技術を学びました。彼はナッシュビルの民俗音楽の影響を受けながら作曲活動を行い、彼のラグタイムは「ナッシュビル・ラグ」として知られています。
初期の成功作: 1899年に発表した最初のラグ「Tickled to Death」が大ヒットしました。
早すぎる死: 彼は1906年に結核により29歳という若さで亡くなりました。

3. 楽曲の特徴と背景
◇タイトルとテーマ
この曲のタイトル「Possum And Taters」（ポッサムとテイターズ）は、「フクロネズミの肉とサツマイモ（Sweet Potatoes）」という、アメリカ南部の伝統的な料理の組み合わせを指します。
Possum And Taters
読み: ポッサム・アンド・テイターズ
Possum (ポッサム): 「フクロネズミ」を意味する "Opossum" の、特に口語的な省略形です。
Taters (テイターズ): 「ジャガイモ」や「サツマイモ」を意味する "Potatoes" の、特にアメリカ南部での口語的な省略形です。
したがって、この曲名は、先述の通り、アメリカ南部の伝統的なごちそうである「フクロネズミの肉とサツマイモ」を指しています。
作曲家自身が目撃した収穫後の宴会から着想を得ています。

テーマの背景: 初霜が降りた後の秋、フクロネズミ（Possum）が太り、柿（Persimmons）が熟す季節は、南部のアフリカ系アメリカ人にとって狩りや収穫の喜びと、「ポッサム・アンド・テイターズ」の饗宴を楽しむ祝祭の時でした。
音楽の描写: この背景から、曲は祝宴や楽しい集まりの賑やかで朗らかなムードを表現していると考えられます。

◇音楽的特徴
形式: 典型的なラグタイムの多部形式（AABBACCDDなど）で構成されています。
Tempo di Rag.（ラグのテンポで）の指示に始まり、シンコペーションを多用した右手のメロディと、左手の規則的な「オクターブ跳躍」や「ベース・コード」の動き（ストライド・スタイル）でラグタイムのリズムを作り出しています。
強弱記号は f（フォルテ）や p（ピアノ）が頻繁に切り替わり（例：1～4小節が f、5小節から p）、ダイナミクスの変化に富んでいます。
特に、繰り返し記号が多く使用されており（18小節、36小節、52小節など）、セクションごとの対比が際立つ構成となっています。
「Possum And Taters」は、ハンターの代表作「Tickled to Death」に次ぐヒット作となり、彼のフォーク的な感性と明快なスタイルが凝縮された、初期ラグタイムの傑作として親しまれています。

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木管四重奏 バターリャ第1番
ホセ・ヒメネス
Batalla 1(Primera)
José Jiménez

編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。
クラリネット四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。

17世紀スペイン黄金期、世俗的劇的効果の融合の魅力をぜひ味わってください。

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スペイン黄金期のオルガン音楽家 José Jiménez (1601–1672) 
その代表的作品である 《Batalla 1 de sexto tono》、《Batalla 2 de sexto tono》 

José Jiménez (1601–1672)
スペイン・セビーリャ出身のオルガニスト、作曲家。
セビーリャ大聖堂のオルガニストであった Francisco Correa de Arauxo に師事。
1640年以降は トレド大聖堂のオルガニストを務め、当時スペインで最も権威あるオルガン奏者の一人に数えられた。
作風は、スペイン・オルガン楽派の典型として、厳格な対位法と劇的な即興的パッセージを融合させている。

Batalla（バターリャ）というジャンル
「Batalla」＝スペイン語で「戦い（Battle）」を意味する。
16世紀後半から17世紀にかけてスペイン・ポルトガルのオルガン音楽で盛んに作曲された様式。

特徴：
金管ファンファーレ風の和音連打
リズミカルで戦闘的な模倣動機
左右手の掛け合いによる対抗効果
礼拝中に戦争や勝利を象徴的に表現するために用いられることもあった。

《Batalla 1 de sexto tono(Primera)》
調性：「第6旋法」（モード的解釈で ヒポリディア、現代的には F 旋法または近似的にニ短調／ヘ長調系に聞こえる）。
特徴：
開始部でオクターブの強奏を模倣的に繰り返し、戦いの開始を描写。
中間部では分散和音的モチーフが繰り返され、攻防の応酬を思わせる。
最後は荘厳な和音で締めくくられる。

教育的要素：対位法的模倣と和音の強調を両立させる練習曲的性格を持つ。

《Batalla 2 de sexto tono(Segunda)》
第1番に比べてより発展的で、複雑なリズム処理と多声部的展開が目立つ。

特徴：
戦闘的リズムが次第に音域を広げ、オルガン全体を響かせる。
ティエント（自由対位法的オルガン曲）の技法とバターリャの戦闘的効果を融合。
和声的な緊張と解放を繰り返しながら、勝利の高揚感を強調する。
芸術的完成度：第1番が比較的単純で「典型的バターリャ」であるのに対し、第2番はより壮大で発展的な構築を持つ。

まとめ
José Jiménez はスペイン黄金期オルガン楽派の中核的存在であり、その Batalla 作品は当時の「戦いを描く音楽」の代表。
《Batalla 1 de sexto tono》：典型的な戦闘音楽、明快で教育的。
《Batalla 2 de sexto tono》：発展的・壮麗で、劇的効果が強い。
両曲は、礼拝と世俗的劇的効果の融合を示す17世紀スペイン・オルガン音楽の典型であります。

José Jiménez（ホセ・ヒメネス, 1601–1672） は、17世紀スペインの作曲家・オルガニストで、スペイン黄金時代（Siglo de Oro） に活躍した宗教音楽と鍵盤音楽の作曲家として知られています。彼はイベリア半島のポリフォニー伝統を継承しつつ、バロック初期の和声的・装飾的なスタイルへと移行する過程に大きな役割を果たした人物です。

生涯
生没年：1601年ごろ – 1672年ごろ
出身地：スペイン南部と考えられています（正確な出生地は不明）。
職業：オルガニスト、作曲家
活動拠点：主にセビーリャ大聖堂（Catedral de Sevilla） に所属していたとされます。
セビーリャ大聖堂は当時、スペイン最大級の宗教音楽の中心地であり、ヒメネスはそこのオルガニストとして活躍しました。

音楽スタイルの特徴
José Jiménez は、スペインのオルガン音楽の中でも特に対位法的な精密さと強いリズム感、華やかな装飾音が特徴的です。
彼の作品は、後の**Juan Cabanilles（フアン・カバニリェス）**に繋がるスペイン・オルガン楽派の伝統の中で重要な位置を占めています。

主な特徴
厳格な対位法：ルネサンス的なポリフォニーの技法を保持している。
リズミカルな活力：「Batalla（バターリャ＝戦い）」などの作品で見られる軍楽的・祝祭的なリズム。
装飾的旋律線：鍵盤音楽に特有の即興的装飾（グロッサ）を多用。
和声の明確化：バロック的な調性感の萌芽を示す。

代表作
《Batalla 1 de sexto tono》および《Batalla 2 de sexto tono》
ジャンル：オルガンのための戦闘的作品（Batalla＝戦い）
「Batalla」は当時のスペインで人気の形式で、トランペットのファンファーレや軍隊行進を模倣しています。
ヒメネスの《Batalla》は、明確なリズム、力強い和声、装飾的な即興風のパッセージが特徴で、聴く者を惹きつける英雄的・祝祭的な響きを持ちます。
曲名にある「de sexto tono」は、「第6教会旋法（mode 6）」を意味し、調性概念が未確立だった時代の旋法的音楽構造を示しています。

スペイン・オルガン楽派との関係
José Jiménez は、フランシスコ・コレア・デ・アラウホ（Francisco Correa de Arauxo, 1584–1654）の後継世代にあたります。
彼はその伝統を受け継ぎ、後のJuan Cabanillesへと続くスペイン・オルガン音楽の系譜を形成しました。
この系譜は次のように整理できます：
Correa de Arauxo → José Jiménez → Juan Cabanilles
この流れの中で、ヒメネスはルネサンス的厳格さと初期バロック的自由さの橋渡しをした人物です。

まとめ
名前    José Jiménez（ホセ・ヒメネス）
生没年    1601–1672
出身／活動地    スペイン（主にセビーリャ）
職業    作曲家・オルガニスト
代表作    《Batalla 1 de sexto tono》《Batalla 2 de sexto tono》など
音楽様式    スペイン・バロック初期、対位法的・旋法的・装飾的
影響    Juan Cabanilles など後のスペイン鍵盤音楽家に影響

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金管四重奏 四声のフーガHess 238-1
L・V・ベートーヴェン
Fuga Hess 238-1
L.v.Beethoven

編成はTp.、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
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「Fuga Hess 238-1 in A♭ major（a4）」は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（Ludwig van Beethoven）による未完成のフーガ作品の一部です。

■ 概要
タイトル：Fuga Hess 238-1（A♭ major / A4）

作曲者：Ludwig van Beethoven

作品番号：Hess 238-1（Hess番号は音楽学者ウィリー・ヘス Willy Hess による分類）

調性：A♭ major

形式：フーガ（未完）

■ 「Hess番号」とは？
「Hess番号」は、ベートーヴェンの草稿・断片・未出版作品を体系的に整理したカタログ番号です。
ウィリー・ヘスによって編纂され、ベートーヴェンの「公式な作品番号（Opus）」には含まれない、いわば「番外作品群」を分類しています。

■ このフーガの特徴
未完成のフーガ主題の断片

このフーガは、主題とその展開がわずかに書き留められているのみで、完成された作品ではありません。

形式的には明確なフーガの入り口（主題提示部）を持ち、対位法のスケッチも含まれます。

技術的・音楽的な意義

ベートーヴェンが後期において特に関心を持った「対位法」「フーガ技法」の探究の一環と考えられています。

とくに《ハンマークラヴィーア・ソナタ》（Op.106）や《大フーガ》（Op.133）などで展開される複雑な対位法的技術に至る、ある種の準備・実験と見る研究者もいます。

■ どのように扱われているか
楽譜としては、スケッチ帳や断片的写譜の中に残されており、完全な演奏譜としては存在しません。

一部の音楽学者や作曲家が補筆・補完して、学術的な演奏可能バージョンを作成することもあります。

■ 研究や演奏の位置づけ
このような断片は、ベートーヴェン研究において：

彼の作曲過程の洞察
フーガ技法に対する関心の深まり
後期様式の発展過程
などを探る上で、極めて重要な資料です。

■ 結論
「Fuga Hess 238-1 in A♭」は、完成された作品ではなく、作曲過程の貴重なスナップショットとして、ベートーヴェンの対位法的思考や構想の一端を示す資料です。
その音楽的価値は、演奏というよりも、分析・研究・補筆による再創造といった面で評価されています。

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クラリネット四重奏 オーヴァーチュア・スイート第4番から第1楽章
ヨハン・ベルンハルト・バッハ
Ouverture-Suite No. 4, Mvmt. 1
Johann Bernhard Bach

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
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作品概要
作曲者: Johann Bernhard Bach
作品名: Ouverture-Suite No. 4
楽章: 第1楽章（Ouverture）

形式と構造
この作品は、バロック時代のオーヴァーチュア（序曲）とスイート（組曲）の形式を持ち、典型的なバロックのスタイルを反映しています。
第1楽章は、オーヴァーチュアとして、ゆったりとした序奏部分と活発な部分が交互に現れる構造になっています。

音楽的特徴
序奏:
ゆったりとしたテンポで始まり、重厚感のある和声が特徴。
力強いフレーズが印象的で、聴衆を引き込む効果があります。

アレグロ部分:
テンポが速くなり、リズミカルでエネルギッシュなテーマが展開されます。
対位法的な要素が強調され、異なる旋律が絡み合う様子が見られます。

楽器編成:
通常はオーケストラによって演奏され、弦楽器や木管楽器が主に使用されます。
オルガンやチェンバロとの共演も可能で、豊かな音色が楽しめます。

歴史的背景
Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員として、当時の音楽スタイルを継承しつつ独自の声を持った作曲家でした。
この作品も、彼の音楽的特徴を示す重要な作品であり、バロック音楽の魅力を伝えています。

まとめ
Ouverture-Suite No. 4の第1楽章は、Johann Bernhard Bachの音楽的才能を示す作品であり、バロック音楽の典型的な要素を備えています。
序奏とアレグロの対比が印象的で、聴く者に強い印象を与える楽曲です。

1.Ouverture
この楽章は、作品全体の導入部分として機能し、オーケストラの豊かな音色とリズム的なエネルギーを示します。
バロック時代の典型的なオーヴァーチュアの形式に従っています。
序奏: Ouvertureは通常、序奏から始まり、力強い和音やリズムが特徴です。この部分では、作品のテーマや雰囲気を提示します。
フーガ: 序奏の後に続く部分では、対位法的な要素が強調され、複数のメロディラインが絡み合います。バッハの影響を受けたスタイルが感じられます。
この楽章は、作品全体の雰囲気を設定する重要な役割を果たしています。そして聴衆に深い感動と期待感を与え、続く楽章への興味を引き立てます。

2. Caprice
特徴: 自由な形式と即興的な要素を持つ楽章で、しばしば感情的な表現が強調されます。メロディは流動的で、技巧的な演奏が求められます。
役割: カプリースは、作品全体の中で独特な色合いを加え、聴衆の注意を引く役割を果たします。

3. Marche
特徴: 行進曲のスタイルで、力強いリズムと明確なビートが特徴です。通常、軍楽隊のような荘厳さがあります。
役割: 祝賀や特別な場面を演出するために使用され、全体の雰囲気を高めます。

4. Passepied
特徴: フランスの舞曲で、軽快でリズミカルな性格を持ちます。通常は3拍子で、優雅さと活気を兼ね備えています。
役割: この楽章は、作品の中で軽やかな変化をもたらし、聴衆に楽しさを提供します。

5. Caprice
特徴: 再度登場するカプリースで、前のカプリースとは異なるメロディやリズムを持つことがあります。技巧的な演奏が強調されます。
役割: 作品におけるテーマの再現や発展を示し、全体の統一感を保ちます。

6. Air
特徴: 静かで美しいメロディが特徴の楽章で、感情的な深みを持ちます。通常はゆったりとしたテンポで演奏されます。
役割: 聴衆に感動を与え、作品の中での静寂や内面的な探求を表現します。

7. La joye
特徴: 「喜び」を意味するタイトルを持ち、明るく陽気なメロディが特徴です。軽快なリズムで、楽しい雰囲気を醸し出します。
役割: 作品全体に明るさを加え、聴衆を楽しませる役割を果たします。

8. Caprice 3
特徴: 3番目のカプリースで、これまでのカプリースとは異なるテーマやリズムを持つことがあります。技巧的な要素が強調されます。
役割: 作品のクライマックスに向けての構成を持ち、聴衆の興味を引き続ける役割を果たします。
結論

これらの楽章は、Johann Bernhard Bachの「Ouverture-Suite in D Dur」において、バラエティに富んだ音楽的表現を提供し
、聴衆に多様な感情や雰囲気を体験させる重要な要素です。各楽章は、全体の構成の中で特有の役割を持ち、作品全体の魅力を高めています。

●Johann Bernhard Bachについて

基本情報
生年月日: 1676年3月16日
没年月日: 1749年5月17日
職業: 作曲家、オルガニスト
経歴

Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員であり、ヨハン・セバスティアン・バッハの遠い親戚です。
主にドイツの音楽界で活動し、特にオルガン音楽において重要な役割を果たしました。

音楽スタイル
バロック音楽のスタイルを基盤にしており、特にオルガン曲や宗教音楽に力を入れていました。
彼の作品は、メロディーの美しさと複雑な対位法が特徴です。

主な作品
オルガンのためのソナタやコラール前奏曲が多く、彼の作品は宗教的な儀式や礼拝で演奏されることが多かったです。

影響
Johann Bernhard Bachは、後の作曲家たちに影響を与え、特にオルガン音楽の発展に寄与しました。
彼の作品は、バッハ家の音楽的伝統を受け継ぐ重要な一翼を担っています。

まとめ
Johann Bernhard Bachは、バロック時代の重要な作曲家であり、彼の音楽は今日でも演奏され、評価されています。
彼の作品は、オルガン音楽の発展に寄与し、バッハ家の音楽的伝統を支えました。

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サックス五重奏 5声のパヴァーヌ 第7番〈シャープ・パヴァーヌ〉
アルフォンソ・フェッラボスコ 2世
Pavan à5 No.7《Sharp Pavan》
Alfonso Ferrabosco II（c.1575–1628）

編成はサックスのソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
木管五重奏、クラリネット五重奏、金管五重奏版は発売中です。

イギリス宮廷を彩った名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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1. 背景
フェッラボスコ2世はエリザベス朝から初期ステュアート王朝にかけて宮廷で活躍した作曲家で、
イングランドのヴァイオル合奏音楽（consort music） を代表する存在。

彼の《Pavan à5》シリーズは、教育的性格と芸術的完成度を兼ね備え、イングランドの音楽家たちに長く親しまれました。

《No.7 Sharp Pavan》は、その中でも特異な作品で、「Sharp（シャープ）」の名が付いているのは、調性や旋法上の特徴（特に臨時記号の頻出）によると考えられています。

2. 編成と形式
編成：ヴァイオル・コンソート（5声：トレブル、アルト、テナー×2、バス）。

形式：典型的な三部形式（AABBCC）。各部は模倣的展開を伴い、反復されます。

3. 音楽的特徴
調性（モード）

「Sharp Pavan」と呼ばれる理由は、ほかのパヴァーヌよりも 臨時記号（♯）が多く使われることにあります。

ルネサンス音楽としては珍しく、半音階的な進行や「シャープ系」の旋律変化が多く、響きに緊張感が漂います。

旋律素材

主題は長めの旋律で、荘重で落ち着いた雰囲気。

ただし「半音上行」や「不協和的な経過音」の使用により、他のパヴァーヌよりもドラマティックな表情を持っています。

対位法

各声部に主題やモチーフが模倣的に現れ、密度の高いポリフォニーを形成。

特に内声部の絡みが豊かで、半音階進行が強調される部分では、和声的緊張感が際立ちます。

和声

終止では伝統的なモード的安定感を示すものの、部分的に和声進行が不安定で、後のバロック的感覚を予感させる響きも。

4. 性格と表現
フェッラボスコのパヴァーヌは一般に荘重で瞑想的ですが、
Sharp Pavan は特に憂愁・緊張感・内面的な深さを持つと評されます。

そのため、単なる舞踏曲ではなく、精神的な黙想音楽として演奏されることも多いです。

5. 位置づけ
《Pavan à5 No.7 “Sharp Pavan”》は、フェッラボスコ2世のパヴァーヌ群の中で最も個性的な作品の一つ。

他の「4音主題」「7音主題」のような数的制約を超え、半音階的表現を探求した実験作と見ることができます。

こうした要素は後の ロバート・ジェンキンスやマシュー・ロックといった作曲家たちの「濃密で表情的なコンソート音楽」にもつながっていきます。

まとめ
《Pavan à5 No.7 “Sharp Pavan”》は、フェッラボスコ2世のパヴァーヌの中で特に臨時記号（♯）が多用され、半音階的で緊張感ある響きを特徴とする作品。荘重さに加え、憂愁とドラマティックな表現を兼ね備え、ルネサンス末期からバロック初期への橋渡しを示す重要な一曲。

フェッラボスコ2世のパヴァーヌ群は、当時のイングランドで「器楽ポリフォニーの粋」とされ、バードやジェンキンス、ギボンズらの作品にも影響を与えました。

Pavan（パヴァーヌ）という舞曲形式について（音楽史的背景から特徴まで）

1. 起源と時代
起源：16世紀初頭のイタリア。語源は「パドヴァの舞曲（Padovana）」に由来するとも、スペイン語の「pavón（孔雀）」に由来するとも言われています。

普及：ルネサンス後期から17世紀初頭にかけて、ヨーロッパ各地で非常に人気がありました。特にイングランド、フランスで多く作曲されています。

役割：宮廷の公式行事や儀式で演奏される荘重な舞曲。バロック時代初期には次第に衰退しました。

2. リズムと拍子
拍子：通常は二拍子（2/2 ＝カットタイム）。

テンポ：ゆったりとした歩くようなテンポ。

リズム：均整のとれたフレーズが特徴で、しばしば2小節または4小節単位で進行。

3. 形式
三部構造（AABBCC） が一般的。

各部は反復される（リピート付き）。

しばしば次の「Galliard（ガイヤルド、跳躍的で速い三拍子舞曲）」と対で組まれることが多い。

多声音楽との融合：声楽的パヴァーヌや器楽合奏用のパヴァーヌも多く作られ、模倣や対位法的処理が多用されました。

4. 音楽的特徴
荘重で静かな雰囲気：宮廷的で威厳を持ち、祝典の入場行進曲のような性格を持つ。

旋律：平穏で流麗。しばしばカデンツは明快で、典礼音楽にも使えるほど整然としている。

対位法：イングランドの作曲家（フェッラボスコやバード）は、短いモチーフを展開して緻密なポリフォニーを構築しました。

5. 代表的な作曲家と作品
イタリア：Andrea Gabrieli, Claudio Merulo など。

イングランド：William Byrd, Alfonso Ferrabosco II, John Dowland。

フランス：Claude Gervaise など。

ドイツ：Michael Praetorius（舞曲集『Terpsichore』に収録）。

6. 意義
舞曲としての役割：宮廷社会における儀礼・格式を象徴する舞曲。

芸術的発展：単なる舞踏音楽に留まらず、主題展開や対位法練習の題材としても重要視された。

音楽史的な位置付け：ルネサンス舞曲の代表格であり、後の「組曲（Suite）」の冒頭曲に選ばれることもありました（ただしフランス組曲ではアルマンドなどに置き換わっていく）。

つまり「Pavan」は、ゆったりとした歩みのような二拍子舞曲であり、荘重さと対位法的構築性を兼ね備えた、ルネサンスを象徴する舞曲形式なのです。

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木管六重奏 第12番ソナタ《ラ・アンジョレッタ》
ジョヴァンニ・バッティスタ・グッサーゴ
Sonata duodecima "L’Angioletta"
Giovanni Battista Gussago (c. 1560–c. 1612)

編成はFl.2本、Ob.、Cl.2本、Bsn.です。
クラリネット六重奏、サックス六重奏、金管六重奏版は発売中です。

イタリアにおけるルネサンス音楽の魅力をぜひ味わってください。

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Giovanni Battista Gussago《Sonata duodecima "L’Angioletta"》
1. 作曲者について
ジョヴァンニ・バッティスタ・グッサーゴは、ブレシア（北イタリア）出身の作曲家・オルガニスト。
活動時期は16世紀末～17世紀初頭。
代表作は器楽曲集 《Sonate a quattro, sei, otto, dieci, et dodici voci, op. 1》（1608, ブレシア刊）。
タイトルの通り、編成は4声から12声まで様々。
これは器楽ソナタの最初期の出版物の一つであり、ガブリエーリ以後の北イタリア器楽音楽の重要な証言とされる。

2. 《Sonata duodecima "L’Angioletta"》の概要
収録：上記作品集の第12番（12声ソナタの一つ）。
編成：12声（通常は複数の合奏群に分けて演奏）。
コルネット、サックバット、ヴァイオリン、声楽器など柔軟に選べる。
オルガンが通奏低音を支える。

題名 "L’Angioletta"（小さな天使）
当時の習慣として、器楽曲に親しみを込めたニックネームを与える例が多く、本作もその一つ。
曲調が軽快・華やかであることから、愛称的に付されたと考えられる。

3. 音楽的特徴
多重合唱様式（cori spezzati）
12声が2群または3群に分かれて呼応する。
サン・マルコ大聖堂（ヴェネツィア）で発展した様式をブレシア風に展開。

舞曲的リズム
快活な2拍子や3拍子が現れ、ダンス音楽的要素がある。
小節ごとに拍感が変わる「セクション構造」が特徴。

対位法と和声の融合
各群が短いモチーフを模倣的に展開する。
最終的に全声部が和声的に合流し、堂々とした終止を築く。

4. 音楽史上の位置づけ
Gussagoのソナタは 「初期バロックの器楽ソナタ」 の成立過程に属する。
ガブリエーリの《Canzoni per sonare》と同様、声楽的カンツォーナから器楽的ソナタへの移行を示す。
特に《L’Angioletta》のような12声の作品は、後の 大規模合奏協奏曲 の萌芽とみなされる。

まとめ
**Gussago《Sonata duodecima "L’Angioletta"》**は、
1608年刊行の初期器楽ソナタ集に含まれる12声合奏曲
多重合唱様式と舞曲的リズムを融合させた華やかな作品

題名「小さな天使」は愛称的で、曲の軽快さを反映しており、
ガブリエーリ以後の北イタリア器楽の伝統を示す重要な楽曲です。

L’Angioletta はイタリア語で 「小さな天使」 を意味する愛称。
音楽作品の邦題としては、通常はカタカナ表記（《ラ・アンジョレッタ》）が多く使われますが、解説文中では意味を添えて 「《小さな天使》」 と併記されることもあります。

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金管五重奏 レインディア
ジョセフ・ラム作曲
Reindeer Rag Time Two - Step
Joseph F. Lamb

編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
木管五重奏、サックス五重奏、クラリネット五重奏、鍵盤打楽器とコントラバス三重奏版は発売中です。
20世紀初頭のジャズ導いた作品を、ぜひお楽しみください。

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ジョセフ・ラム作曲の「レインディア」は、1915年に発表されたラグタイムピアノ曲です。
クリスマスシーズンに関連した題材であり、その陽気で軽快な旋律は、クリスマスの賑やかな雰囲気を彷彿とさせます。
「Reindeer」は英語で「トナカイ」という意味です。
日本語では「トナカイのそり」や「サンタのそり」といった表現も、曲の雰囲気をより具体的に表す際に用いられることがあります。

曲のタイトルのニュアンス
Reindeer: 単純に「トナカイ」を指し、クリスマスの象徴的な動物としての意味合いが強い。
トナカイのそり: クリスマスの夜空を駆けるサンタクロースの乗り物としてのイメージが浮かぶ。
サンタのそり: サンタクロースとセットで、プレゼントを届けるための乗り物としてのイメージが強い。

曲の特徴
陽気な旋律: クリスマスのソリに乗るトナカイの躍動感を表現したような、軽快で跳ねるようなリズムが特徴です。
シンプルな構成: ラグタイム特有のA-A-B-Aの形式で構成されており、初心者でも比較的取り組みやすい楽曲です。
クリスマスの雰囲気: タイトルからもわかるように、クリスマスのテーマが色濃く反映されており、
聴く人の心を温かくします。

ラグタイムとクリスマス
ラグタイムは、19世紀末から20世紀初頭にかけてアメリカで流行した音楽ジャンルです。
そのリズムは、ジャズの誕生に大きな影響を与えました。クリスマスソングとしての「レインディア」は、
ラグタイムという音楽ジャンルとクリスマスというテーマの意外な組み合わせが興味深い点です。

ジョセフ・ラムについて
ジョセフ・ラムは、スコット・ジョップリンらと並び、ラグタイムの初期の重要な作曲家の一人です。
彼の作品は、技術的に高度でありながら、聴きやすく親しみやすいものが多く、今日でも多くの演奏家や音楽愛好家に楽しまれています。

演奏のポイント
「レインディア」は、テクニック的には他のラグタイム曲と比較して比較的易しめですが、正確なリズムと、
曲全体の雰囲気を捉えることが重要です。特に、メロディーと伴奏のリズムの関係に注意して演奏すると、
より一層曲の魅力を引き出すことができます。

クリスマスシーズンにぴったりの一曲
「レインディア」は、クリスマスの演奏会やパーティーなどで演奏されることが多い楽曲です。
その陽気で軽快な旋律は、聴く人の心を明るくし、クリスマスの雰囲気を盛り上げてくれます。
ピアノだけでなく、他の楽器でのアレンジもされており、幅広い層に親しまれています。

まとめ
ジョセフ・ラム作曲の「レインディア」は、ラグタイムという音楽ジャンルとクリスマスというテーマが見事に融合した魅力的な楽曲です。
その陽気で軽快な旋律は、多くの人々に愛され続けています。クリスマスシーズンに、この曲を聴くと、心が温かくなり、楽しい気分になるでしょう。

●アメリカ初期ジャズ界の巨匠、ジョセフ・ラムについて
ジョセフ・ラムは、スコット・ジョップリンやジェリー・ロール・モートンと並んで、初期ジャズの代表的な作曲家の一人です。

ジョセフ・ラム (1887年 - 1944年) は、アメリカ合衆国の作曲家、ピアニスト、音楽教師です。
初期ジャズ界を代表する作曲家の一人として知られ、ラグタイム、ブルース、ワルツなど、様々なジャンルの作品を生み出しました。

ラムは、1887年にオハイオ州コロンバスで生まれました。幼い頃から音楽に興味があり、ピアノと作曲を学びました。
1900年代初頭、シカゴに移住し、そこでプロのピアニストとして活動を始めました。

1911年、ラムは代表作となるラグタイム曲「ボヘミア・ラグ」を出版しました。この曲は当時の聴衆に人気を博し、
ラムの名を世に知らしめました。その後、ラムは多くのラグタイム曲を出版し、初期ジャズの発展に大きく貢献しました。

ラムはまた、ピアニストとしても活躍しました。彼は、スコット・ジョップリンやジェリー・ロール・モートンなどの
著名な作曲家と共演し、その演奏は多くの聴衆を魅了しました。

1960年 9月に、突然の心臓発作によりラムは自宅で急逝しました（9月　享年 72歳）。

ラムの音楽は、以下の特徴で知られています。

軽快で陽気なメロディー: ラムの曲は、軽快で陽気なメロディーが特徴です。そのメロディーは、聴く人に元気を与えてくれます。
シンプルな和音進行: ラムの曲は、シンプルな和音進行で作られています。そのシンプルな和音進行が、ラムの曲に親しみやすさを与えています。
活発なシンコペーション: ラムの曲は、活発なシンコペーションが特徴です。そのシンコペーションが、ラムの曲に躍動感を与えています。

ラムの代表作には、以下のものがあります。
ボヘミア・ラグ (1911年)
スワニー・ラグ (1912年)
エンタープライズ・ラグ (1913年)
キャロル・ラグ (1913年)
シカゴ・ラグ (1914年)

ラムの音楽は、初期ジャズの発展に大きな影響を与えました。彼の曲は、多くのジャズミュージシャンによって演奏され、
その音楽的スタイルは、後のジャズ音楽にも受け継がれています。
ラムは、初期ジャズ界を代表する作曲家の一人として高く評価されています。彼の音楽は、今日でも多くのジャズファンに愛されています。
ラグタイム、ブルース、ワルツなど、様々なジャンルの作品を手がけました。

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クラリネット四重奏 オーヴァーチュア組曲 ホ短調から
7 クーラント 8 ガヴォット
ヨハン・ベルンハルト・バッハ
Ouverture-Suite in e Moll 
(D-B Mus. ms. Bach P 291, Faszikel 8)
7 Courante 8 Gavotte

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
サックス四重奏、木管四重奏、金管四重奏版は発売中です。

バッハ一族の多様さと魅力をぜひ味わってください。

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概要
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bach（1685-1749）によって作曲された作品です。
彼はヨハン・セバスティアン・バッハのいとこであり、バロック音楽の作曲家として知られています。
この作品は、ドイツのバッハ研究所に保管されている楽譜に収められています。

音楽的特徴
形式: この作品は、オーヴァーチュア（序曲）形式から始まり、その後に続く舞曲のセクションが特徴的です。
一般的には、オーヴァーチュアの後にサラバンドやガヴォットなどの舞曲が続きます。

調性: eマイナー（e Moll）は、作品に深い感情やドラマを与えています。
マイナー調は、特にバロック音楽において感情表現において重要な役割を果たします。

メロディーとハーモニー: Johann Bernhard Bachの作品には、流れるようなメロディーと豊かなハーモニーが見られます。
彼の対位法的手法が用いられ、各楽器のパートが巧妙に絡み合っています。

この作品は、バロック時代の典型的なオーヴァーチュア・スイートであり、各楽章は異なる舞曲形式を持っています。
1. Ouverture
特徴: 序曲は、通常、作品全体のテーマを提示し、聴衆の注意を引く役割を果たします。
この楽章は、重厚で荘厳な雰囲気を持ち、しばしばフランス風のスタイルが取り入れられています。
遅い部分と速い部分が交互に現れ、ドラマチックな展開を見せます。

2. Air
特徴: この楽章は、メロディックで流れるような旋律が特徴的です。
感情豊かな表現が求められ、しばしば弦楽器や木管楽器によって演奏されます。
バロック音楽の「アリア」として、歌うような旋律が際立っています。

3. Les Plaisirs
特徴: 「楽しみ」という意味のこの楽章は、軽快で陽気な雰囲気を持っています。
リズミカルで活発な動きがあり、聴衆に楽しさを提供します。
しばしば、舞踏的な要素が強調され、ダンスのような感覚が漂います。

4. Menuet I & II
特徴: メヌエットは、典型的なバロック時代の舞曲で、優雅なリズムが特徴です。
第1メヌエット（Menuet I）は、しばしば華やかで装飾的な要素を持ち、
第2メヌエット（Menuet II）は、通常、少し異なるテーマや雰囲気を持つことが多いです。
これら2つのメヌエットは、舞踏のリズムを強調し、聴衆を楽しませます。

5. Air (2)
特徴: 2つ目の「エア」は、最初のものと同様に歌うような旋律を持っていますが、
異なるハーモニーや表現が用いられることがあります。
感情の深さやドラマが強調され、音楽の流れの中で重要な役割を果たします。

6. Rigaudon
特徴: リゴードンは、フランスの伝統的な舞曲で、活発で軽快なリズムが特徴です。
この楽章は、しばしば対話的な要素を持ち、楽器同士の掛け合いが楽しめます。
ダンスのような動きが強調され、聴衆を引き込む魅力があります。

7. Courante
特徴: クーランテは、速いテンポの舞曲で、しばしば三連符が使われます。
この楽章は、流れるような動きと複雑なリズムが特徴で、バロック音楽の中でも非常に人気のある形式です。
ダイナミックな展開が聴衆を魅了します。

8. Gavotte
特徴: ガヴォットは、2拍子の舞曲で、しばしば軽快でリズミカルな要素が強調されます。
この楽章は、しばしば楽器間の対話や掛け合いが見られ、聴衆を楽しませるための工夫が凝らされています。
ガヴォットは、バロック音楽の中でも特に愛されている舞曲形式の一つです。

「Ouverture-Suite in e Moll」は、各楽章が異なる舞曲形式を持ち、バロック音楽の多様性を示しています。
これらの楽章は、聴衆にさまざまな感情や雰囲気を提供し、Johann Bernhard Bachの音楽的才能を際立たせています。

歴史的背景
Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員として、バロック音楽の発展に寄与しました。
彼の作品は、当時の音楽スタイルを反映しており、特にオーヴァーチュアや組曲の形式が人気を博していました。

評価と影響
このオーヴァーチュア・スイートは、バロック音楽の魅力を持ち、多くの演奏者に愛されています。
彼の作品は、バッハ家の音楽的伝統を受け継ぎつつ、独自のスタイルを確立しています。

結論
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bachの優れた作品であり、
その豊かなメロディーと複雑なハーモニーは、聴く人々に深い感動を与えます。
この作品は、バロック音楽の多様性と技術的な精巧さを示す重要な一例です。

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サックス六重奏 フィリス・フェアウェル
トーマス・ベイトソン
Phillis farewell
Thomas Bateson

編成はソプラノ2本、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管六重奏、木管六重奏、クラリネット六重奏版は発売中です。

キリスト教の宗教音楽に属さない美しい世俗音楽をぜひ味わってください。

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参考音源
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楽曲の概要と特徴
この曲は通常5声（Soprano, Alto, Tenor, Bass の組み合わせ）のために書かれています。

歌詞の内容:
タイトルにある「Phillis farewell」（フィリスよ、さようなら）が示すように、この曲は別れ、特に失われた愛や去りゆく恋人への惜別をテーマにしています。
フィリスは、当時の牧歌的詩歌によく登場する、理想化された羊飼いの娘や恋人の名前です。別れの悲しみ、未練、そして場合によっては再会への淡い希望のような複雑な感情が歌詞に込められていると考えられます。

音楽的な特徴:
感傷的で憂いを帯びた雰囲気: 別れの歌であるため、全体的にメジャーキーの明るさよりも、マイナーキーの響きや、メランコリックな和音が多用される傾向があります。聴く者に深い感情的な共感を呼び起こします。
緩やかなテンポと流れるような旋律: 悲しみや未練を表現するため、比較的ゆっくりとしたテンポで、各声部が流れるような、あるいは嘆くような旋律を奏でることが多いです。
緻密な対位法とハーモニー: 5つの声部が独立しながらも、互いに絡み合い、豊かな響きを作り出します。特に、不協和音やその解決（ディソナンスとコンソナンス）を巧みに用いることで、歌詞の感情的な深みを増しています。
ワードペインティング: 歌詞の「farewell」（さようなら）や「weep」（泣く）、「sigh」（ため息）といった言葉には、しばしば音楽的な描写（例えば、休符を伴う下降音型や不協和音）が施され、詩の情景や感情を聴覚的に強調します。
感情の表現の深さ: トーマス・ベイトソンのマドリガルは、歌詞の感情を深く掘り下げて音楽で表現する点で優れています。「Phillis farewell」は、彼のそうした能力が特に際立つ一例と言えるでしょう。
「Phillis farewell」は、トーマス・ベイトソンが手掛けた、美しくも切ない別れのマドリガルです。ルネサンス期のイギリス・マドリガルが持つ、詩的な繊細さと音楽的な深みを堪能できる作品であり、聴く者の心に静かな感動をもたらします。
●トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson, c. 1570 – 1630) という、イングランドとアイルランドで活躍したルネサンス後期から初期バロックにかけての作曲家がいます。彼は特にマドリガル（Madrigal）の作曲で知られています。

トーマス・ベイトソンは、2つのマドリガル集を出版しました。

"The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices" (1604年)
"Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts" (1618年)

トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」について
トーマス・ベイトソンのマドリガルは、当時のイギリス・マドリガル楽派の優れた例として評価されています。彼の作品は、イタリアのマドリガルの影響を受けつつも、英語の詩に合わせた独特の表現や、緻密なポリフォニー（多声）が特徴です。

「Madrigali a6」として具体的に作品を挙げるならば、彼のマドリガル集には例えば以下のような6声のマドリガルが含まれています。

"Ah, Cupid, grant" (ああ、キューピッドよ、与え給え) - 彼の初期の作品の一つで、情熱的なテキストと豊かな和声が特徴です。
"Her hair the net of golden wire" (彼女の髪は金糸の網) - 愛の苦悩を歌ったもので、声部の絡みが美しい作品です。
"Fond love is blind" (盲目の恋は) - 視覚的なイメージと音楽的な表現が結びついた、典型的なマドリガルの特徴を持つ作品です。
"When Oriana walk'd to take the air" (オリアーナが散歩に出かけた時) - これは、エリザベス1世を称えるマドリガル集『トリウムフズ・オブ・オリアーナ (The Triumphs of Oriana)』のために書かれたものですが、実際にそのコレクションには採用されなかった作品です。
マドリガルの特徴
マドリガルは、16世紀のイタリアで発展し、後にイギリスにも伝わった無伴奏の多声世俗声楽曲です。

歌詞: 通常、恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が用いられます。
声部: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で豊かなハーモニーを形成します。
ワードペインティング: 歌詞の内容を音楽で描写する「ワードペインティング（Madrigalism）」が多用されます。例えば、「昇る」という歌詞があれば音程が上がったり、「ため息」という歌詞には不協和音や休符が使われたりします。
感情表現: 詩の感情を深く掘り下げ、音楽によって表現しようとする点が特徴です。
トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」も、これらのマドリガルの特徴を色濃く反映しており、ルネサンス音楽の豊かな響きと感情表現を楽しむことができる作品群です。

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