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サックス五重奏 6つの小品 Op.38から6.行進曲
ルフェブール＝ヴェリー
6 Organ Pieces, Op.38-6. Marche
Lefébure-Wély, Louis James Alfred
(3 Marches & 3 Élévations)

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏、木管五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

フランス・ロマン派の作品を演奏で味わいたいものです。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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ルイ・ジェームズ・アルフレッド・ルフェブール＝ヴェリー（Louis James Alfred Lefébure-Wély）の作品38は、
6つのオルガン曲からなる組曲です。この組曲は、「3つの行進曲」と「3つのエレヴァシオン」から構成されています。

1. マーチ（C長調）Marche (C major)

調性とリズム：C長調で書かれており、行進曲の特徴的なリズムが際立っています。明るく、軽快な曲調が特徴です。
テーマと変奏：簡潔ながらも活気に満ちたメロディが特徴であり、テーマが提示された後に短い変奏が展開されることが一般的です。
変奏部では、メロディの装飾やリズムの変化が見られます。
オルガンの響き：オルガンの管音やストップを用いて、明るく華やかな響きが楽しめます。

2. エレヴァシオン（E長調）Élévation (E major)

調性と雰囲気：E長調で書かれており、荘厳で神聖な雰囲気が漂います。
エレヴァシオンは、聖体拝領の際に演奏される静かで祈りに満ちた曲です。
テンポと表現：ゆっくりとしたテンポで演奏され、美しい旋律が静かに響きます。表現力豊かな演奏が求められます。

3. エレヴァシオン（A♭長調）Élévation (A♭ major)

調性と感情：A♭長調で書かれています。前のエレヴァシオンと同様に、静かで神聖な雰囲気が特徴ですが、
異なる旋律と和音進行が展開されます。
メロディと和声：美しい旋律が静かに奏でられ、和声の変化が豊かな表現を生み出します。

4. 軍隊行進曲（F長調）Marche militaire (F major)

この楽章は、F長調で書かれています。マーチの形式に則っており、明るく躍動感のある曲想が特徴です。
ルフェブール＝ヴェリーのオルガン曲の中でも、特にこのマーチは人気があります。
調性とリズム：F長調の明るい調子で開始し、マーチの特有のリズムが続きます。
このリズムは、行進をイメージさせる活気に満ちたものです。
テンポと動き：一般的なマーチのテンポで演奏され、リズミカルかつ活気に満ちています。
演奏者は安定感のあるリズムを保ちながら、力強く曲を進めていきます。
テーマと変奏：独自の主題が提示され、その後、様々な変奏が展開されます。
変奏部では、リズムや和音の変化を通じて興味深い展開が行われます。
このマーチは、ルフェブール＝ヴェリーのオルガン曲の中でも重要な位置を占めており、
そのエネルギッシュな雰囲気と技巧的な作曲技法によって知られています。

5. エレヴァシオン（B♭長調）5. Élévation (B♭ major)
調性と表現：B♭長調で書かれており、神聖な雰囲気が漂います。
前のエレヴァシオンと同様に、静かながらも感情豊かな旋律が特徴です。
テンポと表現：ゆっくりとしたテンポで演奏され、静かな響きが聴衆を包み込みます。

6. マーチ（F長調）Marche (F major)
この楽章についても既に解説済みですので、省略します。
これらの楽章は、それぞれ独自の魅力と表現を持ち、組曲全体として多様な音楽的体験を提供します。

●ルイ・ジェームズ・アルフレッド・ルフェビュール＝ヴェリー (1817年11月13日 - 1869年6月30日) は、
19世紀フランスのオルガン奏者、作曲家です。即興演奏の名手として知られ、数多くのオルガン曲を作曲しました。

初期の経歴
ルフェビュール＝ヴェリーは、パリで生まれました。幼い頃から音楽に興味を持ち、ピアノとオルガンを学びました。
1836年、パリ音楽院に入学し、オルガンをルイ・ジメに、作曲をジョゼフ・オーギュスト・ダンジューに師事しました。

演奏家としての活動
1841年、ルフェビュール＝ヴェリーはサン＝ロッシュ教会のオルガニストに就任しました。
彼は、この教会でオルガン演奏の才能を発揮し、多くの聴衆を魅了しました。

1846年、ルフェビュール＝ヴェリーはマドレーヌ教会のオルガニストに就任しました。
彼は、この教会でもオルガン演奏の才能を発揮し、さらに名声を高めました。

作曲家としての活動
ルフェビュール＝ヴェリーは、数多くのオルガン曲を作曲しました。
彼の作品は、即興演奏的な性格とロマンティックな旋律が特徴です。
代表作には、「6つの小品」、「交響曲ト短調」、「幻想曲とフーガ」などがあります。

晩年
ルフェビュール＝ヴェリーは、1869年にパリで亡くなりました。享年51歳。

ルフェビュール＝ヴェリーの評価
ルフェビュール＝ヴェリーは、19世紀フランスを代表するオルガン奏者、作曲家です。
彼は、即興演奏の名手として知られ、数多くのオルガン曲を作曲しました。
彼の作品は、今日でも多くのオルガニストによって演奏されています。

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クラリネット四重奏 オーヴァーチュア組曲 ホ短調から 6 リゴドン
ヨハン・ベルンハルト・バッハ
Ouverture-Suite in e Moll 
(D-B Mus. ms. Bach P 291, Faszikel 8)
6 Rigaudon

編成はCl.3本、Bs.Cl.です。
サックス四重奏、木管四重奏、金管四重奏版は発売中です。

バッハ一族の多様さと魅力をぜひ味わってください。

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概要
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bach（1685-1749）によって作曲された作品です。
彼はヨハン・セバスティアン・バッハのいとこであり、バロック音楽の作曲家として知られています。
この作品は、ドイツのバッハ研究所に保管されている楽譜に収められています。

音楽的特徴
形式: この作品は、オーヴァーチュア（序曲）形式から始まり、その後に続く舞曲のセクションが特徴的です。
一般的には、オーヴァーチュアの後にサラバンドやガヴォットなどの舞曲が続きます。

調性: eマイナー（e Moll）は、作品に深い感情やドラマを与えています。
マイナー調は、特にバロック音楽において感情表現において重要な役割を果たします。

メロディーとハーモニー: Johann Bernhard Bachの作品には、流れるようなメロディーと豊かなハーモニーが見られます。
彼の対位法的手法が用いられ、各楽器のパートが巧妙に絡み合っています。

この作品は、バロック時代の典型的なオーヴァーチュア・スイートであり、各楽章は異なる舞曲形式を持っています。
1. Ouverture
特徴: 序曲は、通常、作品全体のテーマを提示し、聴衆の注意を引く役割を果たします。
この楽章は、重厚で荘厳な雰囲気を持ち、しばしばフランス風のスタイルが取り入れられています。
遅い部分と速い部分が交互に現れ、ドラマチックな展開を見せます。

2. Air
特徴: この楽章は、メロディックで流れるような旋律が特徴的です。
感情豊かな表現が求められ、しばしば弦楽器や木管楽器によって演奏されます。
バロック音楽の「アリア」として、歌うような旋律が際立っています。

3. Les Plaisirs
特徴: 「楽しみ」という意味のこの楽章は、軽快で陽気な雰囲気を持っています。
リズミカルで活発な動きがあり、聴衆に楽しさを提供します。
しばしば、舞踏的な要素が強調され、ダンスのような感覚が漂います。

4. Menuet I & II
特徴: メヌエットは、典型的なバロック時代の舞曲で、優雅なリズムが特徴です。
第1メヌエット（Menuet I）は、しばしば華やかで装飾的な要素を持ち、
第2メヌエット（Menuet II）は、通常、少し異なるテーマや雰囲気を持つことが多いです。
これら2つのメヌエットは、舞踏のリズムを強調し、聴衆を楽しませます。

5. Air (2)
特徴: 2つ目の「エア」は、最初のものと同様に歌うような旋律を持っていますが、
異なるハーモニーや表現が用いられることがあります。
感情の深さやドラマが強調され、音楽の流れの中で重要な役割を果たします。

6. Rigaudon
特徴: リゴードンは、フランスの伝統的な舞曲で、活発で軽快なリズムが特徴です。
この楽章は、しばしば対話的な要素を持ち、楽器同士の掛け合いが楽しめます。
ダンスのような動きが強調され、聴衆を引き込む魅力があります。

7. Courante
特徴: クーランテは、速いテンポの舞曲で、しばしば三連符が使われます。
この楽章は、流れるような動きと複雑なリズムが特徴で、バロック音楽の中でも非常に人気のある形式です。
ダイナミックな展開が聴衆を魅了します。

8. Gavotte
特徴: ガヴォットは、2拍子の舞曲で、しばしば軽快でリズミカルな要素が強調されます。
この楽章は、しばしば楽器間の対話や掛け合いが見られ、聴衆を楽しませるための工夫が凝らされています。
ガヴォットは、バロック音楽の中でも特に愛されている舞曲形式の一つです。

「Ouverture-Suite in e Moll」は、各楽章が異なる舞曲形式を持ち、バロック音楽の多様性を示しています。
これらの楽章は、聴衆にさまざまな感情や雰囲気を提供し、Johann Bernhard Bachの音楽的才能を際立たせています。

歴史的背景
Johann Bernhard Bachは、バッハ家の一員として、バロック音楽の発展に寄与しました。
彼の作品は、当時の音楽スタイルを反映しており、特にオーヴァーチュアや組曲の形式が人気を博していました。

評価と影響
このオーヴァーチュア・スイートは、バロック音楽の魅力を持ち、多くの演奏者に愛されています。
彼の作品は、バッハ家の音楽的伝統を受け継ぎつつ、独自のスタイルを確立しています。

結論
「Ouverture-Suite in e Moll」は、Johann Bernhard Bachの優れた作品であり、
その豊かなメロディーと複雑なハーモニーは、聴く人々に深い感動を与えます。
この作品は、バロック音楽の多様性と技術的な精巧さを示す重要な一例です。

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金管五重奏 5声のパヴァーヌ 第4番
アルフォンソ・フェッラボスコ 2世
Pavan à5 No.4
Alfonso Ferrabosco II（c.1575–1628）

編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.、Tubaです。
木管五重奏、サックス五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

イギリス宮廷を彩った名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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1. 背景と作曲者
フェッラボスコ2世は、エリザベス朝後期からジェイムズ1世時代にかけて活躍したイングランド宮廷の音楽家。
父 Alfonso Ferrabosco I はイタリア出身でイングランドに移住し、対位法やマドリガーレ様式をイングランドにもたらしました。
息子である2世は、特に ヴァイオル・コンソートのためのパヴァーヌ で高く評価され、技巧的かつ教育的な要素を含む作品を残しました。

1. 作品の背景
フェッラボスコ2世は、ヴァイオル・コンソート（viol consort） のためのパヴァーヌを多数作曲し、その緻密な対位法と簡素な素材の展開で高く評価されました。
No.4 は、5声の合奏（à5） によるパヴァーヌの一つで、他の「Four-note Pavan」や「Seven-note Pavan」と同様、動機的統一を重視した作品です。
イングランド宮廷で演奏され、教育的な要素も強く、ヴァイオル奏者のアンサンブル訓練にも用いられたと考えられます。

2. 編成と形式
編成：ヴァイオル属による5声。通常は treble, alto, two tenors, bass viol。
形式：パヴァーヌ特有の 三部構造 AABBCC。
各部はリピートを伴い、荘重な雰囲気を保ちます。
舞踏曲というよりも、瞑想的な芸術作品として聴かれることが多い。

3. 音楽的特徴
主題素材
No.4 では、先行する「4音」「7音」のパヴァーヌと異なり、明確な数音列に制限されず、より自由な旋律素材が用いられています。
主題は流麗で長め、各声部で模倣的に提示されます。

対位法の技法
主題は5声部に分散して現れ、模倣連鎖（imitative entries） を形成。
声部の扱いは対等で、ポリフォニーとしての密度が高い。

和声と響き
モード的な響きを保持しつつ、終止形（カデンツ） で調性感を強調。
ルネサンスの厳格なポリフォニーと、初期バロック的な和声感覚が共存しています。

表現の性格
「Four-note」や「Seven-note」よりも 旋律的・歌謡的な性格 が強く、荘重さの中に抒情性を感じさせます。
合奏すると、音の層が重なりあう 濃密で柔らかな響き が生まれます。

4. 意義と位置付け
No.1〜No.3 が「特定の音数動機」に基づく教育的な作品であるのに対し、
No.4 はより音楽的・芸術的な完成度を目指したパヴァーヌ と評価されます
フェッラボスコ2世のパヴァーヌ群は、当時のイングランドで「器楽ポリフォニーの粋」とされ、バードやジェンキンス、ギボンズらの作品にも影響を与えました。

まとめ：
《Pavan à5 No.4》は、アルフォンソ・フェッラボスコ2世の5声パヴァーヌの中で、数音モチーフに縛られず旋律的に展開された作品で、荘重で抒情的な美しさを備えた合奏曲。

Pavan（パヴァーヌ）という舞曲形式について（音楽史的背景から特徴まで）
1. 起源と時代
起源：16世紀初頭のイタリア。語源は「パドヴァの舞曲（Padovana）」に由来するとも、スペイン語の「pavón（孔雀）」に由来するとも言われています。
普及：ルネサンス後期から17世紀初頭にかけて、ヨーロッパ各地で非常に人気がありました。特にイングランド、フランスで多く作曲されています。
役割：宮廷の公式行事や儀式で演奏される荘重な舞曲。バロック時代初期には次第に衰退しました。

2. リズムと拍子
拍子：通常は二拍子（2/2 ＝カットタイム）。
テンポ：ゆったりとした歩くようなテンポ。
リズム：均整のとれたフレーズが特徴で、しばしば2小節または4小節単位で進行。

3. 形式
三部構造（AABBCC） が一般的。
各部は反復される（リピート付き）。
しばしば次の「Galliard（ガイヤルド、跳躍的で速い三拍子舞曲）」と対で組まれることが多い。
多声音楽との融合：声楽的パヴァーヌや器楽合奏用のパヴァーヌも多く作られ、模倣や対位法的処理が多用されました。

4. 音楽的特徴
荘重で静かな雰囲気：宮廷的で威厳を持ち、祝典の入場行進曲のような性格を持つ。
旋律：平穏で流麗。しばしばカデンツは明快で、典礼音楽にも使えるほど整然としている。
対位法：イングランドの作曲家（フェッラボスコやバード）は、短いモチーフを展開して緻密なポリフォニーを構築しました。

5. 代表的な作曲家と作品
イタリア：Andrea Gabrieli, Claudio Merulo など。
イングランド：William Byrd, Alfonso Ferrabosco II, John Dowland。
フランス：Claude Gervaise など。
ドイツ：Michael Praetorius（舞曲集『Terpsichore』に収録）。

6. 意義
舞曲としての役割：宮廷社会における儀礼・格式を象徴する舞曲。
芸術的発展：単なる舞踏音楽に留まらず、主題展開や対位法練習の題材としても重要視された。
音楽史的な位置付け：ルネサンス舞曲の代表格であり、後の「組曲（Suite）」の冒頭曲に選ばれることもありました（ただしフランス組曲ではアルマンドなどに置き換わっていく）。

つまり「Pavan」は、ゆったりとした歩みのような二拍子舞曲であり、荘重さと対位法的構築性を兼ね備えた、ルネサンスを象徴する舞曲形式なのです。

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木管四重奏 カンツォーナ第1番《ラ・グアミーナ》
ジョゼッフォ・グアーミ
Canzoni 1. La Guamina
Gioseffo Guami, 1542–161
《Canzoni 1. La Guamina》（収録：Nova Musices Organicae Tabulatura Dritter Theil, 1591年刊）

編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。
クラリネット四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。

イタリアにおけるルネサンス音楽の魅力をぜひ味わってください。

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 Gioseffo Guami《Canzoni 1. La Guamina》
1. 作曲者について
ジョゼッフォ・グアーミはイタリア・ルッカ出身の作曲家・オルガニスト。
サン・マルコ大聖堂（ヴェネツィア）でガブリエーリのもとに仕え、その後ドイツのバイエルン宮廷でも活動。
イタリアとドイツをつなぐ音楽的存在であり、ルネサンス後期から初期バロックにかけての多声音楽・器楽合奏の発展に重要な役割を果たした。

2. 作品の出典
《Nova Musices Organicae Tabulatura》（新しいオルガン音楽のタブラチュア）
1591年、**ベルンハルト・シュミート（Bernhard Schmid）**がストラスブールで出版。
主にイタリア・ドイツのカンツォーナ、モテット編曲、舞曲を収録。
「Dritter Theil（第3巻）」にグアーミの《Canzoni 1. La Guamina》が含まれる。

3. 《La Guamina》の特徴
(1) タイトル
「La Guamina」＝作曲者の姓 Guami に由来。
当時、器楽カンツォーナに作曲者やパトロンの名前をつける習慣があり、**自作自賛的な「名乗りカンツォーナ」**とみられる。

(2) 形式と内容
カンツォーナ（Canzoni da sonar）：声楽マドリガーレを器楽化した自由な多声曲。
器楽的リズムの明確化が進んだ16世紀末の典型。
《La Guamina》は 4声または5声を主体とし、
短いモチーフの模倣進行
リズムの変化（付点リズムや分割）
セクションごとの拍子感の対比
を特徴とする。

(3) 音楽的性格
快活かつ荘重：行進的リズムと、対位法的模倣を組み合わせ。
舞曲的性格：後の器楽ソナタやフーガの萌芽を示す。
オルガンやアンサンブルでも演奏可能：出版はタブラチュア形式で、実際にはオルガン独奏・室内合奏の両方を想定。

4. 音楽史上の意義
《La Guamina》は 声楽から独立した器楽カンツォーナの代表例。
これは後の バロック初期の器楽ソナタ（Sonata da chiesa） の直接的な前駆形態。
グアーミの音楽は ガブリエーリ→シャイン→シャイト→フレスコバルディ へと連なる「北イタリア～ドイツの器楽伝統」に大きな影響を与えた。

まとめ
**Gioseffo Guami《Canzoni 1. La Guamina》**は、
自身の名を冠したカンツォーナ
短いモチーフを用いた模倣対位法と舞曲的リズムの交替
オルガンまたは合奏演奏に適応可能な柔軟な作品
であり、ルネサンス後期の器楽音楽がバロック的ソナタへ発展してゆく過程を示す重要な作例です。

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サックス五重奏 6. 残響(回想)
ハルモニウムのための6つのスケッチから
シグフリード・カルク＝エルラート
6.Nachklang.
from 6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10
Sigfrid Karg-Elert

編成はソプラノ、アルト2本、テナー、バリトンです。
金管五重奏、木管五重奏、クラリネット五重奏版は発売中です。

カルク＝エルラートによるロマンチックな作品を演奏で味わいたいものです。
コンサートピースの小品に、ぜひどうぞ。

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Sigfrid Karg-Elert（シグフリード・カルク＝エルラート）による「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、
作曲家がオルガンやハルモニウムなどのキーボード楽器のために作曲した6つの小品からなる作品です。

1. シグフリド・カルク＝エルラートとは:
Sigfrid Karg-Elert（1877年-1933年）は、ドイツ出身の作曲家で、主に20世紀初頭に活動しました。
彼は非常に多作な作曲家であり、器楽曲や合唱曲、宗教音楽など幅広いジャンルで作曲しました。
特にオルガンとハルモニウムのための作品で知られ、その音楽はしばしばロマンティックで印象的な特徴を持っています。

エミール・ニコラウス・フォン・レズニチェクに作曲の個人指導を受けた後、ライプツィヒ音楽院でザロモン・ヤーダスゾーンと
カール・ライネッケに師事しました。1919年には自らもその教壇に立ちました。
エドヴァルド・グリーグに認められて作曲活動に取り組む一方、クロード・ドビュッシーやアレクサンドル・スクリャービン、
アルノルト・シェーンベルクに心酔しました。
その影響は調性を拡張し、独自の半音階的な書法を発展させるのみにとどまらず、オルガンのストップの詳細な指定から彼ならではの色彩感の強調が窺えます。
付加6の和音の終止は確実にオリヴィエ・メシアンへ影響を与えた。
彼はクンストハルモニウムのために好んで作曲し、はじめフランス製の精巧な楽器 (Mustel) を入手、後にドイツ製の楽器 (Titz) を愛用しました。
その結果としてクンストハルモニウムのための唯一の教則本を残しました。そのほかにコラールや室内楽曲、ピアノ曲、オルガン曲があります。
フルート業界では「ソナタ・アパッショナータ」が教育の現場で頻繁に用いられています。

最初はワーグナーの影響を強く受けたものの、近代音楽の時代に入り調性音楽の崩壊を目の当たりにした彼は、主要音をのこしながらも
調性の境界が明解でない方向へ舵を切りました。
作曲と演奏の両面で活躍していたカルク＝エーレルトに、グリーグは「作曲で活躍せよ」と助言を与えました。
カルク＝エーレルト作品は、とりわけオルガン曲が、アメリカ合衆国やイギリス、フランスで人気がありました。
カルク＝エーレルトは演奏家としてはあまり評価されず、ドイツ本国にいたっては作曲家としても評価は高くありませんでした。
新古典主義や無調が主流になった1920年代のドイツでは、半音階主義は既に過去の遺物になっていたのです。
ドイツの楽壇に見切りをつけた彼はイギリスへ渡航し、その地では確実に成功しました。
全66曲から成る『コラール即興曲集』の「凱旋行進曲《いざ諸人よ、神に感謝せよ》」が、最も有名です。
金管楽器バンドとの共演が可能であり、セレモニーなどにも頻繁に世界中で用いられています。

2. 「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートによって作曲された楽曲集で、ハルモニウム（鍵盤楽器）のために書かれました。
この作品は、小品集で、それぞれの小品が異なるキャラクターや表現を持っています。

3. 構成:
この作品は、以下の6つの小品で構成されています：

1.Morgensegen. (Priere de matin. Morning-prayer.) - F-sharp major
　1. 朝の挨拶 (朝の祈り) - 嬰ヘ長調
2.Ausfahrt. (Depart. Departure.) - E major
　2. 終わり (出発) - ホ長調
3.Waldeinsamkeit. (Solitude de la foret. Sylvan solitude.) - D-flat major
　3. 森の孤独(森の孤独、シルヴァンの孤独) - 変ニ長調
4.Spatsonne. (Soleil couchant. Sunset.) - D major
　4. スパッツンネ (ソレイユ・クーシャン、夕日) - ニ長調
5.Nachtgesang. (Chant nocturne. Night song.) - A-flat major
　5. 夜の歌 (夜想曲、夜の歌) - 変イ長調
6.Nachklang. (Reminiscence.) - B major
　6. 残響(回想) - ロ長調

これらの楽曲は、各々異なるテーマと性格を持ち、音楽を通じて情感や情景を表現しています。
また、各曲の調性（長調）もその雰囲気を補完し、聴衆にさまざまな感情やイメージを伝えるでしょう。
各小品は個別の音楽的アイデアやテーマ性を探求し、異なるキーやリズム、表現的な要素を持っています。
これにより、演奏家と聴衆は多様な音楽的経験を楽しむことができます。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」全体について:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、シグフリード・カルク＝エルラートによって作曲され、ハルモニウム奏者および音楽愛好家に向けて書かれました。
この楽曲集は、音楽的アイデアとテーマの多様性に富んでおり、カルク＝エルラートの音楽の技巧と感情豊かな表現を示す優れた例です。
この楽曲集は、ハルモニウムの美しい音色を活かし、自然の美、内省、旅立ち、夕暮れ、夜の静けさ、思い出といったテーマに触れます。
それぞれの楽章が異なるキーと性格を持っており、多彩な音楽的体験を提供します。

1. Morgensegen (Priere de matin. Morning-prayer.) - F-sharp major:
この楽章は、F♯長調で書かれており、朝の祈りをテーマにしています。穏やかで宗教的な雰囲気が感じられ、美しい旋律が特徴です。新しい日の始まりを祝福するような曲です。
この楽章は、美しい旋律と宗教的な雰囲気が特徴で、新しい日の始まりと祝福を表現しています。静かで清らかな朝の祈りの瞬間を思い浮かべさせます。

2. Ausfahrt (Depart. Departure.) - E major:
E長調の楽章で、出発をテーマにした作品です。活気にあふれた性格で、冒険や新たな旅立ちを想像させます。リズミカルで陽気な要素が印象的です。
出発をテーマにした楽章で、明るく陽気な性格が冒険と新たな旅への期待を反映しています。リズミカルな要素が楽しさを引き立てます。

3. Waldeinsamkeit (Solitude de la foret. Sylvan solitude.) - D-flat major:
D♭長調の楽章で、森林の中での孤独を表現した作品です。静かで静謐な雰囲気が特徴で、自然の美しさと静けさを賞賛します。
森の中での静寂と孤独を称えた楽章で、D♭長調の静けさが自然の美しさと調和を表現しています。この楽章は、感情を鎮め、聴衆に静寂なひとときを提供します。

4. Spatsonne (Soleil couchant. Sunset.) - D major:
D長調の楽章で、夕日が沈む瞬間を表現した作品です。情感豊かな旋律が夕暮れの美しさを捉えています。感傷的な性格を持つ楽章です。
夕日が沈む瞬間を捉えた楽章で、D長調の情感豊かな旋律が夕暮れの美しさを称えます。夕焼けの色合いや感傷が表現されています。

5. Nachtgesang (Chant nocturne. Night song.) - A-flat major:
A♭長調の楽章で、夜の歌をテーマにした作品です。静かで感傷的な性格で、星空の下での静寂なひとときを想像させます。美しい旋律が聴衆を包み込みます。
夜の静寂と美をテーマにした楽章で、A♭長調の穏やかな性格が星座の下での静寂なひとときを思い起こさせます。美しい旋律が夜の神秘を表現します。

6. Nachklang (Reminiscence.) - B major:
B長調の楽章で、思い出や回顧を表現した作品です。メロディは感傷的で、過去の出来事や経験を振り返るような楽章です。静かな静寂と感情の複雑さが共存しています。
思い出と回顧に捧げられた楽章で、B長調の感傷的な旋律が過去の出来事や経験を振り返り、静かな静寂と感情の複雑さが寄り添います。

解釈と魅力:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートのハルモニウム音楽の魅力を堪能できる楽曲集です。
各楽章は異なるテーマと情感を持ち、ハーモニウムの特異な音色を活かして表現されています。
この楽曲集は、自然の美しさ、静寂、冒険、感傷、思い出など、さまざまな要素を取り入れ、聴衆に感情的な体験を提供します。
カルク＝エルラートは、旋律、ハーモニー、リズムを巧みに組み合わせ、豊かな音楽的言語を通じて感情を表現しました。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、カルク＝エルラートの音楽の多様性と感情的な豊かさを示す素晴らしい作品であり、
ハーモニウムの特有の音色を活かして自然や人間の感情を表現しています。
各楽章は異なる風景と情感を描写し、聴衆にさまざまな音楽的体験を提供します。カルク＝エルラートの独自の音楽的言語と表現力に触れることができる楽曲集です。

4. スタイルと特徴:
カルク＝エルラートの作風は、ロマンティック音楽の伝統に根ざしており、感情豊かで表現力に富んだ楽曲を作曲しました。
彼の作品はしばしばメロディックで、旋律が美しく、和声も豊かです。また、彼は個別の楽曲内で異なる情熱やエモーションを探求することに熱心でした。

5. ハルモニウムの重要性:
「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、ハルモニウム（またはオルガン）のために書かれた作品です。
ハルモニウムは風圧式の鍵盤楽器で、特に宗教音楽や宗教儀式で使用されました。カルク＝エルラートの楽曲は、この楽器の特性を生かすように作曲され、
音楽的な魅力と表現力を引き立てています。

「6 Skizzen fur Harmonium, Op. 10」は、シグフリード・カルク＝エルラートの作品の一部として、その独特の音楽スタイルとロマンティックな特質を示す優れた例です。
ハルモニウムの音色と共に、彼の音楽の魅力を探求し、楽しむことができます。

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小編成吹奏楽のための『ウィーンはいつもウィーン』
Wien bleibt Wien!
Johann Schrammel

編成はFl.、Cl.*2、A.Sax.、T.Sax、B.Sax.（Bs.Cl.）、Tp.*2、Hn.*2、Tbn.*2、Eup.、Tuba、Glock.、Timp.、ドラムスです。
最低17名で演奏可能です。B.Sax.はBs.Cl.に変更可能でパート譜は同梱しています。
クラリネット五重奏、木管五重奏版、金管五重奏、サックス五重奏、
Cl.Sax.五重奏と打楽器版は発売中です。

スポーツテーマでおなじみのウィーン・マーチをコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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『ウィーンはいつもウィーン』（Wien bleibt Wien!）は、オーストリアの行進曲です。
シュランメル音楽のヒットナンバーで日本でもよく聴かれるマーチです。

この曲はオーストリアのヴァイオリン奏者ヨハン・シュランメル（ドイツ語版）により1877年に作曲されました。
当初はヴァイオリン、コントラバス、ギターによるシュランメル音楽として作曲されたましたが、
のちに吹奏楽に編曲されました。各種編曲譜も出版されています。

19世紀後半のウィーンでは、ヨハン・シュランメルと弟ヨーゼフのシュランメル兄弟を中心としたアンサンブルが、
各地のワイン居酒屋ホイリゲや宿屋で演奏を行い人気を博していました。
同時代の作曲家には、ウィーンのワルツ王と称えられたヨハン・シュトラウス2世やヨハネス・ブラームスらがいて、
彼らもシュランメル兄弟による演奏に心酔したと伝えられています。
シュランメル兄弟の死後も、その音楽スタイルは「シュランメル音楽」という形式として歴史にその名を残すこととなりました。
シュランメル音楽はオーストリアやハンガリー、モラヴィアなどの様々な民族音楽の影響を受けていて、
民謡や行進曲、ワルツやポルカなどの舞曲なども取り入れられています。
楽器構成としては、ヴァイオリンやフィドル、ダブルネックのコントラギター、G調の小クラリネットが用いられ、
時にはアコーディオンやハーモニカが加わることもあります。

兄ヨハン・シュランメル（1850-1893.6.17）と弟ヨーゼフ・シュランメル（1852-1895）は彼らのヴァイオリンと
友人の弾くコントラ・ギターとのトリオ”ヌスドルファー”を結成し、ウィーンのワイン酒場ホイリゲやカフェを
流しで演奏していました。その後1878年には高音のG管クラリネットを加えた編成で”シュランメル・カルテット”となり、
1891年にはボタン式アコーディオンも入り、シュランメルスタイル、いわゆる”シュランメルン”として定着しました。
ウィーンといえばシュトラウスが有名ですが、シュランメルの音楽はウィーン子に自分たちの音楽として今でも親しまれています。

原題にはで感嘆符「!」がつきますが、日本語訳題では省かれていることが多いようです。
日本では朝日放送テレビ・ラジオ（ABC）で長い間スポーツテーマとして使用されていて、
キー局・TBSあるいはテレビ朝日のスポーツテーマ曲（『コバルトの空』『朝日に栄光あれ』）の差し替えとして
使用されていました。

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金管六重奏 メラリィ・マイ・ラヴ・アンド・アイ
トーマス・ベイトソン
Merrily my love and I
Thomas Bateson

編成はTp.2本、Hn.、Tbn.またはEup.2本、Tubaです。
サックス六重奏、木管六重奏、クラリネット六重奏版は発売中です。

キリスト教の宗教音楽に属さない美しい世俗音楽をぜひ味わってください。

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「Merrily my love and I」は、トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson) が作曲したマドリガルの一つです。

この曲は、彼の最初のマドリガル集である「The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices」に1604年に収録されています。

「Merrily my love and I」について
このマドリガルは、通常5声（SATTB、ソプラノ、アルト、テノール2、バスなど、またはSATBB）のために書かれています。

歌詞の内容:
タイトルにある通り、「Merrily my love and I」（陽気に、私の愛する人と私）というフレーズが示すように、この曲は恋人たちと自然の中での喜び、楽しさを歌っています。特定の場所や出来事を具体的に描写するよりも、幸福感や牧歌的な雰囲気を伝えることに重点が置かれています。愛する人との間に流れる穏やかで楽しい時間、そしてそれを祝福するような自然の情景が描かれていると考えられます。
当時のマドリガルは、恋愛や自然、友情などのテーマが多く、「merrily my love and I」 はまさに恋愛の幸福感を表す典型的な詩句です。

音楽的な特徴:
明るく、軽快なテンポ: 「Merrily」（陽気に）という言葉が示唆するように、全体的に明るく、流れるようなテンポ感で書かれています。
活発な動き: 各声部が生き生きと動き、互いに模倣し合ったり、短いフレーズを交わしたりすることで、楽しげな雰囲気を醸し出します。
心地よいハーモニー: ベイトソンらしい、豊かで滑らかなハーモニーが特徴です。5つの声部が織りなすサウンドは、清らかでありながらも奥深さを感じさせます。
ワードペインティング: 他のマドリガルと同様に、歌詞の言葉や感情を音楽で表現するワードペインティングが随所にみられます。「Merrily」のような言葉には、軽快なリズムや上昇するメロディがつけられることがあります。また、愛や喜びを表現する箇所では、より充実した和音や柔らかな響きが用いられるでしょう。
親しみやすいメロディライン: ルネサンス期の多声楽曲としては比較的親しみやすく、耳に残るようなメロディラインが特徴です。
「Merrily my love and I」は、トーマス・ベイトソンの初期のマドリガル作品群の中でも、特に幸福感と軽やかさに満ちた一曲として知られています。ルネサンス・マドリガルの持つ牧歌的で甘美な魅力を存分に味わえる作品と言えるでしょう。
●トーマス・ベイトソン (Thomas Bateson, c. 1570 – 1630) という、イングランドとアイルランドで活躍したルネサンス後期から初期バロックにかけての作曲家がいます。彼は特にマドリガル（Madrigal）の作曲で知られています。

トーマス・ベイトソンは、2つのマドリガル集を出版しました。

"The First Set of English Madrigales to 3, 4, 5 and 6 Voices" (1604年)
"Second Set of Madrigals in 3, 4, 5 & 6 parts" (1618年)

トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」について
トーマス・ベイトソンのマドリガルは、当時のイギリス・マドリガル楽派の優れた例として評価されています。彼の作品は、イタリアのマドリガルの影響を受けつつも、英語の詩に合わせた独特の表現や、緻密なポリフォニー（多声）が特徴です。

「Madrigali a6」として具体的に作品を挙げるならば、彼のマドリガル集には例えば以下のような6声のマドリガルが含まれています。

"Ah, Cupid, grant" (ああ、キューピッドよ、与え給え) - 彼の初期の作品の一つで、情熱的なテキストと豊かな和声が特徴です。
"Her hair the net of golden wire" (彼女の髪は金糸の網) - 愛の苦悩を歌ったもので、声部の絡みが美しい作品です。
"Fond love is blind" (盲目の恋は) - 視覚的なイメージと音楽的な表現が結びついた、典型的なマドリガルの特徴を持つ作品です。
"When Oriana walk'd to take the air" (オリアーナが散歩に出かけた時) - これは、エリザベス1世を称えるマドリガル集『トリウムフズ・オブ・オリアーナ (The Triumphs of Oriana)』のために書かれたものですが、実際にそのコレクションには採用されなかった作品です。
マドリガルの特徴
マドリガルは、16世紀のイタリアで発展し、後にイギリスにも伝わった無伴奏の多声世俗声楽曲です。

歌詞: 通常、恋愛や牧歌的なテーマを扱った詩が用いられます。
声部: 3声から6声（またはそれ以上）で構成され、各声部が独立した旋律線を持ちながらも、全体として複雑で豊かなハーモニーを形成します。
ワードペインティング: 歌詞の内容を音楽で描写する「ワードペインティング（Madrigalism）」が多用されます。例えば、「昇る」という歌詞があれば音程が上がったり、「ため息」という歌詞には不協和音や休符が使われたりします。
感情表現: 詩の感情を深く掘り下げ、音楽によって表現しようとする点が特徴です。
トーマス・ベイトソンの「Madrigali a6」も、これらのマドリガルの特徴を色濃く反映しており、ルネサンス音楽の豊かな響きと感情表現を楽しむことができる作品群です。

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木管四重奏 水上の音楽（Water Music）から5.エアー
G.F.ヘンデル
5.Air from Water Music
G.F.Handel

「エアー」は第1組曲の第5曲です。
編成はFl.、Ob.、Cl.、Bsn.です。Fl.パートはOb.でも演奏可能です。
クラリネット四重奏、サックス四重奏、金管四重奏版は発売中です。

ゆったりとした癒しの雰囲気をもったヘンデルの響きをお楽しみください。

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水上の音楽（Water Music）は、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルが1715年から
17年頃にかけて作曲した管弦楽曲集です。
ヘンデルは大バッハと並んでバロック時代を代表する作曲家です。
ホルンやトランペットが多用されている華やかで、野外で鳴り響く壮麗な音楽です。

水上の音楽は弦楽合奏とオーボエ、ホルン、トランペット、フルート、リコーダーなどからなる管弦楽編成。
フランス風序曲形式による序曲と、舞曲形式を主とする小曲数曲の楽章からなり、
管弦楽組曲のジャンルに属します。今日ではヘンデルの代表的な管弦楽作品の一つとして知られています。 

ヘンデルは、ドイツのハノーファー選帝侯の宮廷楽長の地位にありながら、
帰国命令に従わず外遊先のロンドンに定住していました。ところが、
1714年にそのハノーファー選帝侯がイギリス王ジョージ1世として迎えられることになりました。
この曲は、ヘンデルが王との和解を図るため、1715年のテムズ川での王の舟遊びの際に演奏したという
伝説が残されていますが、真偽のほどは定かではありません。
いかにも "国王の舟遊びのための華やかな音楽" といった、喜ばしく祝賀気分に溢れた
 "18世紀、栄光の大英帝国" を偲ばせる曲です。
国王 ジョージ１世の不興を買っていた ヘンデルがこの曲で元の地位と元の倍の俸給を取り戻したという有名な逸話がありますが、
このような曲で 讃えられた、あるいは
装飾された国王が喜ばない分けはないと納得させられるものがあります。 

『水上の音楽』はＧ線上のアリアを含むバッハのフランス風序曲と同じ管弦楽組曲で、
３つの組曲があります。第１番ヘ長調、第２番ニ長調、第３番ト長調があります。
結婚式でよく使われるのは、トランペットが使われ、最も華やかな組曲第２番の第２曲、『アラ・ホーンパイプ』です。
華やかな祭典を盛り上げることは、ヘンデルの十八番だったようです。

    第1組曲 ヘ長調 HWV 348（9曲）　オーボエ、ホルン主体
        第1曲「序曲（ラルゴ - アレグロ）」
        第2曲「アダージョ・エ・スタッカート」
        第3曲「（アレグロ） - アンダンテ - （アレグロ）」
        第4曲「メヌエット」
        第5曲「エアー」
        第6曲「メヌエット」
        第7曲「ブーレ」
        第8曲「ホーンパイプ」
        第9曲（アンダンテ）
    第2組曲 ニ長調 HWV 349（5曲）　トランペット主体
        第1曲（序曲）
        第2曲「アラ・ホーンパイプ」…全曲の中で最も紹介される機会の多い曲
        第3曲「ラントマン」
        第4曲「ブーレ」
        第5曲「メヌエット」

    第3組曲 ト長調 HWV 350（5曲）　フルート、リコーダー主体
        第1曲（メヌエット）
        第2曲「リゴードン」
        第3曲「メヌエット」
        第4曲（アンダンテ）
        第5曲「カントリーダンスI・II」

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サックス六重奏「アリゲーター・クロール」
ファッツ・ウォーラー作曲
Alligator Crawl
Fats Waller

編成はソプラノ2本、アルト2本、テナー、バリトンです。
木管六重奏、クラリネット六重奏、金管六重奏、鍵盤打楽器とベース四重奏版は発売中です。
アーリー・ジャズを彩った楽曲を、ぜひお楽しみください。

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概要
作曲者: Fats Waller
発表年: 1934年
ジャンル: ジャズ、ストライドピアノ

「Alligator Crawl」は、1934年にアメリカのジャズピアニストで作曲家のFats Wallerによって作曲された楽曲です。
この曲は、彼のユニークなスタイルとエネルギッシュな演奏を象徴する作品の一つです。
「Alligator Crawl」は「ワニの這い方」や「ワニが這う様子」という意味です。
このタイトルは、曲のリズムや動きに関連していると考えられます。
曲のリズミカルな要素や軽快なメロディは、ワニが水面を這うような動きを連想させるものです。

Fats Wallerと「Alligator Crawl」の作曲背景
Fats Wallerは、アメリカのジャズピアニスト、作曲家、歌手として知られ、特に1920年代から1940年代にかけて活躍しました。
彼の音楽は、ストライドピアノのスタイルを代表するものであり、彼のユニークなリズム感、メロディーセンス、
そして即興演奏の技術は、多くのミュージシャンに影響を与えました。
「Alligator Crawl」は、Wallerの代表作の一つであり、その背景には彼の人生、音楽的影響、そして当時の社会的文脈が深く関わっています。

Fats Wallerの人生
Fats Waller（本名：Thomas Wright Waller）は、1904年にニューヨーク市で生まれました。
彼は幼少期から音楽に親しみ、特に教会音楽やジャズに影響を受けました。彼の父親は牧師であり、母親は音楽教師でした。
この家庭環境が、Wallerの音楽的才能を育む土壌となりました。

若い頃からピアノの腕を磨いたWallerは、1920年代にストライドピアノのスタイルを確立し、次第に注目を集めるようになります。
彼は、ジャズクラブやバンドで演奏し、録音も行うようになりました。
1922年に初めてのレコーディングを行い、その後も数多くのヒット曲を生み出しました。
Wallerの演奏には即興の要素が強く、ライブパフォーマンスでは特にその魅力が発揮されます。

作曲の背景
「Alligator Crawl」は1934年に作曲されました。この時期、アメリカは大恐慌の影響を受けており、経済的な困難が広がっていました。
しかし、同時にジャズは大衆文化の中で急速に成長し、特に都市部ではジャズクラブが賑わっていました。
このような社会的背景の中で、Wallerは人々に楽しさや希望を提供する音楽を作り続けました。

「Alligator Crawl」というタイトルは、アメリカ南部の文化やフォークロアに根ざしたもので、
特にアリゲーター（ワニ）の動きにインスピレーションを受けたと考えられています。
曲のリズムやメロディは、アリゲーターが水面を這うような動きを表現しているとも解釈できます。
このように、Wallerは自身の音楽にユーモアや遊び心を取り入れ、聴衆を楽しませることを重視していました。
曲は軽快でリズミカルなメロディが特徴で、聴く人を楽しませる要素が多く含まれています。

音楽的スタイル
「Alligator Crawl」は、ストライドピアノの特徴が色濃く反映された楽曲です。
ストライドピアノは、左手でベースラインを弾きながら、右手でメロディを奏でるスタイルで、
リズミカルかつダイナミックな演奏が求められます。Wallerはこのスタイルを極め、多くの作品でその技術を駆使しました。

曲の構成は、明るく軽快なメロディが特徴で、聴く人を惹きつけます。
特に、リズムの変化や即興演奏が多く、Wallerの個性が際立っています。
彼の演奏には、ジャズの即興性が強く表れており、同じ曲でも毎回異なるアプローチが見られるのが魅力です。

文化的影響
1930年代のアメリカにおいて、ジャズは単なる音楽ジャンルではなく、社会的な現象として広がっていました。
特に、アフリカ系アメリカ人の文化が大きく影響を与え、ジャズはその表現手段として重要な役割を果たしました。
Wallerの音楽も、その一環として位置づけられ、彼の作品は多くの人々に愛されました。

「Alligator Crawl」は、Wallerのユーモアや遊び心を反映した楽曲であり、聴衆に楽しさを提供することを目的としています。
このような姿勢は、当時の社会において人々が直面していた困難を乗り越えるための一助となりました。

影響と遺産
Fats Wallerは、ジャズの発展において重要な人物であり、彼の作品は多くのミュージシャンに影響を与えました。
「Alligator Crawl」は、Wallerのスタイルを象徴する楽曲として、今なお多くのジャズミュージシャンによって演奏され続けています。
「Alligator Crawl」は、1930年代のアメリカのジャズシーンにおいて、Wallerの影響力を示す作品であり、
彼の楽曲は多くのジャズミュージシャンにカバーされています。

彼の音楽は、ストライドピアノの技術や即興演奏の重要性を広め、後の世代のミュージシャンにとってのインスピレーションとなりました。
また、Waller自身が映画やラジオ番組にも出演し、ジャズの普及に寄与したことも、彼の影響力を高める要因となりました。

結論
「Alligator Crawl」は、Fats Wallerの才能と独自のスタイルを示す重要な作品です。
彼の音楽は、当時の社会的背景を反映しつつ、聴く人々に楽しさや希望をもたらすものでした。
Wallerの影響は今なお続いており、彼の作品はジャズの歴史において特別な位置を占めています。
彼のユニークなスタイルとエネルギーが詰まったこの曲は、今なお多くの人々に愛されています。
ジャズファンや音楽愛好者にとって、「Alligator Crawl」は、Fats Wallerの魅力を感じることができる貴重な楽曲であり、
彼の遺産を称える一曲と言えるでしょう。

●ファッツ・ウォーラー
ファッツ・ウォーラー（Fats Waller, 1904日-1943）は、アメリカ合衆国のジャズピアニスト・オルガン奏者・歌手・作曲家・作詞家です。
本名はトマス・ライト・ウォーラー（Thomas Wright Waller）であるが、大食漢であり太っていたため、Fats（太っちょ）の愛称で親しまれました。

ニューヨーク生まれ。6歳でピアノを始めました。1922年にオーケー・レコードから発表した、
「Birmingham Blues」と「Muscle Shoals Blues」の2曲入りシングルでデビュー。
その後、ビクタートーキングマシン（後のRCAビクター）での録音を開始しました。

1929年1月、ウォーラーが音楽を担当し、ルイ・アームストロングが出演したミュージカル『Hot Chocolates』が初演されました。
同年、シングル「Ain't Misbehavin'」がヒット。その後も「Honeysuckle Rose」（1934年）等をヒットさせました。
1936年には、ウォーラーが俳優として出演した映画『バーレスクの王様』が公開されました。

1943年、ウォーラーがキャブ・キャロウェイ等と共に出演した映画『ストーミー・ウェザー』公開されました。
同年12月、コンサート・ツアーの途中で肺炎に罹り、列車がミズーリ州カンザスシティに到着した頃に車内で急死しました。

《詳細》
本名はThomas Wright Wallerという。1920年代のジャズシーンにおいては、ピアノ奏者、オルガン奏者、作曲者として大きな存在感を示しており、
その後のスウィング期になると歌手としても成功しました。

父親は教会の牧師であり、母親は教会でオルガンを弾いていたという。Fats Wallerは6歳の時にピアノを始め、学校の楽団でも演奏をしていました。
牧師であった父親は息子に宗教音楽を弾いて欲しかったようですが、Fats Wallerが惹かれたのはポピュラー音楽や
James P. Johnsonが弾くようなストライドピアノでありました。

1918年春に学校を中退したFats Wallerは、様々な日雇いの仕事をしていましたが、ニューヨークのRoosevelt Theatreで開催された
タレントコンテストで「Carolina Shout」を演奏し、優勝しました。
このことがきっかけになり、Fats WallerはJames P. Johnson夫妻と親交を持つようになり、非公式なレッスンを受けるようになりました。

1919年になると15歳になっていたFats Wallerは、Lincoln Theatreでオルガン奏者として雇われることになり
、サイレント映画の為の即興演奏をする中で、オルガンを使ったジャズ演奏の技術を磨いていきました。
若き日のCount Basieにオルガンを教えたのもこの頃の話です。

1920年代初頭にピアノ・ロールの吹き込みを始め、その後、1922年には初のソロ・レコードをリリースしました。
Fats Wallerの手による最初の楽曲である「Squeeze Me」が作曲されたのもこの頃です。
レントパーティでJames P. JohnsonやWillie "The Lion" Smith等とセッションをしていました。

1920年代のFats Wallerは多忙な日々を送っており、多くの歌手の伴奏者として録音に参加しました。
(Alberta Hunter、Sara Martin、Hazel Meyers、Gene Austin、Rosa Henderson、Caroline Johnsonなど)

また、1926年と1927年にはFletcher Henderson楽団と共演しています。

1928年にはJohnny Dunnと演奏した他、Louisiana Sugar Babes名義のレコードではJames P. Johnsonと共演しています。
(James P. Johnsonがピアノを弾き、Fats Wallerがオルガンを弾くという録音でした)

1929年にはMcKinney's Cotton Pickersの録音に参加した他、自身のリーダー名義での録音も行ないました。

1920年代を通して、ほとんど歌うことのなかったFats Wallerであるが、1931年には、自身のピアノで伴奏して歌った「I'm Crazy ABout My Baby」や
「Draggin' My Heart Around」の他、Ted LewisやJack Teagardenとのセッションにおいても、歌手としての頭角を現し始めました。

1931年から1932年にかけてはOtto HardwickとElmer Snowdenのバンドに参加しました。

1932年8月にはSpencer Williamsと共にフランスを訪問しています。

1932年にはラジオ番組への出演で人気が出始めており、このことでFats Wallerに注目したVictorレーベルが複数のレコードを録音する為
にFats Wallerと契約を結びました。
(George Gershwinが開いたパーティでFats Wallerがピアノを弾いた際に居合わせていたVictorレーベルの重役が感銘を受け、契約に繋がりました)

Fats Waller And His Rhythm名義での一連のレコードは、Fats Wallerの陽気な人柄や華麗なストライドピアノの演奏もあって、人気を集めました。

1930年代はニューヨークを拠点としていたFats Wallerですが、1938年7月には渡欧し、同年8月からイギリスでツアー、デンマークも訪問しています。
同年10月にはニューヨークに戻るが、1939年3月から6月にかけて、再びイギリスを訪問しました。

その後も精力的に活動をしていたFats Wallerですが、1943年にミズーリ州カンザスシティの近くを走行中の列車の中で亡くなりました。
死因は肺炎であったようです。

ファッツ・ウォラー【Fats Waller／1904-1943】。近現代ジャズ・ピアノのスタイル完成に絶大な影響を及ぼしたピアニストであり、
数多くのスタンダード曲の作曲家でもあります。また、オルガンをジャズに導入した先駆者でもあります。

ファッツ・ウォラーのスタイルは、James P. Johnsonと同じStride。
ウォラーはジョンソンからピアノの手ほどきを直に受けたキャリアを持ちます。つまり、ウォラーはジョンソンの直弟子です。

ファッツ・ウォラーは、1904年ニューヨーク生まれ。父が運営する教会で6歳からピアノを弾き始め、4年後にオルガンへ転向。
母親から手ほどきを受けたとのこと。14歳の頃には、ハーレムのリンカーン・センターでオルガンを弾き、15歳で最初のラグタイム曲を作ったそうです。

父の反対を押し切ってファッツは15歳でプロの道へ。キャバレーや劇場で演奏をスタート。
1918年にタレント・コンテストで優勝しましたが、その時に彼が弾いた曲はジェームズ・P・ジョンソンの代表曲"California Shout"でした。
ウォラーは、自動ピアノが演奏する"California Shout"を目で見て覚えたそうです。

ウォラーは米国はもちろん欧州までもその名を轟かせます。ピアニストとしての評価はもちろん作曲家としても人気曲を連発。
中にはスタンダードとして現在でも知られている曲もあります。

作曲家ウォラーに関しては面白いエピソードがあります。彼の息子Maurice Wallerは1977年に発表した父ファッツの伝記の中で
以下のようなエピソードを披露しています。

「私が"I Can't Give You Anything But Love,Baby"Jimmy McHugh作曲をピアノを弾いていた時のことです。
2階から父が文句を言う声が聞こえ、降りてきてこう言いました。
『息子よ、その曲を私の耳に入る場所では２度と弾いてくれるな。その曲はわしが書いたのじゃが懐が寂しかった時に売ってしまったものなのだ』と。」

モーリスによると"On The Sunny Side of the Street"Jimmy Mchugh作曲】を聴く度に同じことを言っていたそうです。

事実、ウォラーは1920年代から30年代にかけて自作曲を音楽家仲間に格安で売り渡したことがあったとのこと。
その中には上に挙げたようにスタンダードとして知られている曲もあったそうです。

もうひとつウォラーには驚愕のエピソードがあります。1926年シカゴでのこと。4人組の男がウォラーを襲撃し、クルマに押し込みました。
誘拐されたウォラーが連れて行かれたのはHawthorn Innというホテル。そのホテルの持ち主はなんとシカゴの裏社会を取り仕切るマフィアの大ボス、
アル・カポネでした。背中に銃を突きつけられたウォラーは、ホテルの一室で開かれているパーティー会場に連れていかれピアノの前に。
彼が誘拐されたのは、なんとピアノを弾くためでした。カポネの誕生日パーティーのサプライズ・ゲストとしてウォラーは連れて来られた訳です。
殺されることはないと知ったウォラーは胸をなで下ろしたそうです。

噂によると、ウォラーは３日間パーティーでピアノを弾きつづけ、開放されたときには泥酔状態だった上に疲れ果てていました。
そのかわり、カポネとその仲間のギャングスターたちからたっぷりとチップを受け取り、総額数千ドルになったそうです。
驚愕エピソードです。

ストライド・スタイルのピアニスト、オルガン・ジャズのパイオニア、優秀な作曲家、以上の３つポイントでファッツ・ウォラーは歴史的なジャズメンです。

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クラリネット五重奏 5声のパヴァーヌ 第4番
アルフォンソ・フェッラボスコ 2世
Pavan à5 No.4
Alfonso Ferrabosco II（c.1575–1628）

編成はクラリネット4本、バスクラリネットです。
木管五重奏、サックス五重奏、金管五重奏版は発売中です。

イギリス宮廷を彩った名曲をコンサート・ピースに、ぜひどうぞ。

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1. 背景と作曲者
フェッラボスコ2世は、エリザベス朝後期からジェイムズ1世時代にかけて活躍したイングランド宮廷の音楽家。
父 Alfonso Ferrabosco I はイタリア出身でイングランドに移住し、対位法やマドリガーレ様式をイングランドにもたらしました。
息子である2世は、特に ヴァイオル・コンソートのためのパヴァーヌ で高く評価され、技巧的かつ教育的な要素を含む作品を残しました。

1. 作品の背景
フェッラボスコ2世は、ヴァイオル・コンソート（viol consort） のためのパヴァーヌを多数作曲し、その緻密な対位法と簡素な素材の展開で高く評価されました。
No.4 は、5声の合奏（à5） によるパヴァーヌの一つで、他の「Four-note Pavan」や「Seven-note Pavan」と同様、動機的統一を重視した作品です。
イングランド宮廷で演奏され、教育的な要素も強く、ヴァイオル奏者のアンサンブル訓練にも用いられたと考えられます。

2. 編成と形式
編成：ヴァイオル属による5声。通常は treble, alto, two tenors, bass viol。
形式：パヴァーヌ特有の 三部構造 AABBCC。
各部はリピートを伴い、荘重な雰囲気を保ちます。
舞踏曲というよりも、瞑想的な芸術作品として聴かれることが多い。

3. 音楽的特徴
主題素材
No.4 では、先行する「4音」「7音」のパヴァーヌと異なり、明確な数音列に制限されず、より自由な旋律素材が用いられています。
主題は流麗で長め、各声部で模倣的に提示されます。

対位法の技法
主題は5声部に分散して現れ、模倣連鎖（imitative entries） を形成。
声部の扱いは対等で、ポリフォニーとしての密度が高い。

和声と響き
モード的な響きを保持しつつ、終止形（カデンツ） で調性感を強調。
ルネサンスの厳格なポリフォニーと、初期バロック的な和声感覚が共存しています。

表現の性格
「Four-note」や「Seven-note」よりも 旋律的・歌謡的な性格 が強く、荘重さの中に抒情性を感じさせます。
合奏すると、音の層が重なりあう 濃密で柔らかな響き が生まれます。

4. 意義と位置付け
No.1〜No.3 が「特定の音数動機」に基づく教育的な作品であるのに対し、
No.4 はより音楽的・芸術的な完成度を目指したパヴァーヌ と評価されます
フェッラボスコ2世のパヴァーヌ群は、当時のイングランドで「器楽ポリフォニーの粋」とされ、バードやジェンキンス、ギボンズらの作品にも影響を与えました。

まとめ：
《Pavan à5 No.4》は、アルフォンソ・フェッラボスコ2世の5声パヴァーヌの中で、数音モチーフに縛られず旋律的に展開された作品で、荘重で抒情的な美しさを備えた合奏曲。

Pavan（パヴァーヌ）という舞曲形式について（音楽史的背景から特徴まで）
1. 起源と時代
起源：16世紀初頭のイタリア。語源は「パドヴァの舞曲（Padovana）」に由来するとも、スペイン語の「pavón（孔雀）」に由来するとも言われています。
普及：ルネサンス後期から17世紀初頭にかけて、ヨーロッパ各地で非常に人気がありました。特にイングランド、フランスで多く作曲されています。
役割：宮廷の公式行事や儀式で演奏される荘重な舞曲。バロック時代初期には次第に衰退しました。

2. リズムと拍子
拍子：通常は二拍子（2/2 ＝カットタイム）。
テンポ：ゆったりとした歩くようなテンポ。
リズム：均整のとれたフレーズが特徴で、しばしば2小節または4小節単位で進行。

3. 形式
三部構造（AABBCC） が一般的。
各部は反復される（リピート付き）。
しばしば次の「Galliard（ガイヤルド、跳躍的で速い三拍子舞曲）」と対で組まれることが多い。
多声音楽との融合：声楽的パヴァーヌや器楽合奏用のパヴァーヌも多く作られ、模倣や対位法的処理が多用されました。

4. 音楽的特徴
荘重で静かな雰囲気：宮廷的で威厳を持ち、祝典の入場行進曲のような性格を持つ。
旋律：平穏で流麗。しばしばカデンツは明快で、典礼音楽にも使えるほど整然としている。
対位法：イングランドの作曲家（フェッラボスコやバード）は、短いモチーフを展開して緻密なポリフォニーを構築しました。

5. 代表的な作曲家と作品
イタリア：Andrea Gabrieli, Claudio Merulo など。
イングランド：William Byrd, Alfonso Ferrabosco II, John Dowland。
フランス：Claude Gervaise など。
ドイツ：Michael Praetorius（舞曲集『Terpsichore』に収録）。

6. 意義
舞曲としての役割：宮廷社会における儀礼・格式を象徴する舞曲。
芸術的発展：単なる舞踏音楽に留まらず、主題展開や対位法練習の題材としても重要視された。
音楽史的な位置付け：ルネサンス舞曲の代表格であり、後の「組曲（Suite）」の冒頭曲に選ばれることもありました（ただしフランス組曲ではアルマンドなどに置き換わっていく）。

つまり「Pavan」は、ゆったりとした歩みのような二拍子舞曲であり、荘重さと対位法的構築性を兼ね備えた、ルネサンスを象徴する舞曲形式なのです。

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